25 beroemde schilderijen: samengestelde meesterwerken in musea
Montagne Saint-Victoire door Paul Cézanne (1887), De jagers in de sneeuw door Pieter Bruegel (1565), Gezicht op Toledo door El Greco (1596), Blue Horses door Franz Marc (1911).
We leren over beroemde schilderijen, meesterwerken, van jongs af aan. Zelfs op deze leeftijd kunnen we iets van de schoonheid waarderen die door vorm en kleur wordt voortgebracht. Terwijl we musea en galerijen verkennen, ontdekken we onze eigen smaak voor schoonheid, culturele waardering en onze eigen overweging van wat een meesterwerk is. Vaak genoeg brengen onze verkenningen ons terug naar een canoniek meesterwerk dat we nu in een nieuw licht, een nieuwe gemoedstoestand kunnen waarderen; pas nadat we onze kennis hebben uitgebreid over wat een schilderij meesterlijk maakt.
Hier zijn 25 van de beroemdste schilderijen in musea
25. Bewening van Christus Door Giotto
Bewening van Christus door Giotto, 1305, Fresco, in de Scrovegni-kapel, Padua
Giotto's klaagzang toont ons een prachtig gechoreografeerde scène van rouwenden rond het lichaam van Christus, gespiegeld door de engelen die in doodsangst omhoog gooien in de blauwe hemelen. Deze scène is ontleend aan Giotto's fresco-werk in de arenakapel in Padua, Italië. Giotto brak hier met een gevestigde schildertraditie, de Byzantijnse en het inluiden van de dageraad van De Renaissance . Zijn gebruik van het landschap, de stenen muur, leidt het oog naar Christus en het verdrietige gezicht van Moeder Maria.
Giotto omlijst Christus door twee lijvige figuren die ons de rug hebben toegekeerd, een originele compositorische prestatie voor die tijd, en deze goddelijke scène als iets heel menselijks aanboden. We kunnen ons verbinden met de rouwenden vanwege dit intuïtieve realisme dat Giotto in zijn fresco heeft gebracht. Giotto zet aan tot een nieuwe beeldtaal om taferelen van religieuze betekenis uit te drukken.
24. De tuin der lusten , Detail Van Hel Door Hieronymus Bosch
De tuin der lusten (Detail: hel) door Hieronymus Bosch , 1503-15, via Prado Museum, Madrid
Geniet je van dit artikel?
Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren
Dank je!Hieronymus Bosch' De tuin der lusten is een drieluik dat de voortgang van het paradijs naar de hel laat zien. De schilderijen voor elke sectie zijn groot en gevuld met prachtige, verrassende, fantasierijke apparaten waar kunsthistorici zich over hebben verbaasd. Zoals uit dit detail blijkt, zit het canvas vol met raadsels en een vlaag van scènes die de kijker overweldigen. Bosch' vaardigheid in het weergeven van zijn fantastische visie prikkelt en schokt de kijker. Zijn surrealistische canvas is bedekt met vreemde figuren die de kijker naar binnen trekken.
De hilariteit en terreur van de hel zijn bijna ondoordringbaar voor het zintuiglijke vermogen van de kijker, maar desalniettemin worden onze emoties opgeroepen alsof we het wel begrepen. We weten dat we de hel in al zijn bloed zien en het is verschrikkelijk in elke zin van het woord. Bosch is erin geslaagd om door onsamenhangendheid angst, afkeer en verwondering over te brengen.
23. Het laatste Avondmaal Door Jacopo Tintoretto
Het laatste Avondmaal door Jacopo Tintoretto, 1592, in de kerk van San Giorgio Maggiore, Venetië
Tintoretto's Het laatste Avondmaal toont een prachtige preoccupatie met de effecten van licht in een slecht verlicht interieur. Tintoretto verandert het gebruikelijke perspectief van Het laatste Avondmaal om een interessante compositie te maken. We kunnen denken aan Leonardo da Vinci 's beroemde weergave met het gebruik van lineair perspectief. Hier worden we geleid door de verlichting van het licht: de schaduw van de nek van een dienende vrouw leidt ons oog rechtstreeks naar Jezus Christus.
Wonderbaarlijke, luchtige engelen komen tevoorschijn als het opstijgen van rook om de kamer te vullen. Het is een canvas vol beweging. Tintoretto doordrenkte het canvas met een verleidelijke schoonheid, een die wordt geordend door het spel van licht. Tintoretto verwelkomt de kijker in een scène waar het licht van Christus onze visie verteert en informeert.
22. De jagers in de sneeuw Door Pieter Bruegel
De jagers in de sneeuw door Pieter Bruegel , 1565, via Kunsthistorisches Museum Wenen
Bruegel 's De jagers in de sneeuw ver terugwijkt naar het dorp onder de hoge rotsen gedrapeerd in de sneeuw. Bruegel schept onduidelijkheid rond het warme gevoel van thuiskomst en het gebrek aan voedsel waarmee de jagers lijken te zijn teruggekeerd. De verre schaatsers genieten van wat de winter hen te bieden heeft, terwijl de jagers op de voorgrond, samen met hun uitgemergelde jachthonden, de winterse verwoestingen hebben doorstaan.
Het schilderij roept dit verhalend vermogen bij de toeschouwer op; het vraagt hen om de dynamiek van het dorpsleven te begrijpen. Bruegel heeft dit element echter niet de esthetiek van een dorp in de koude wildernis laten domineren. Het wit van de sneeuw drapeert het tafereel met eenzame kraaien die op de bladloze bomen zitten. De uitgestrekte winter wordt getrotseerd door de dorpelingen die een vlam verzorgen.
eenentwintig. Uitzicht op Toledo Door El Greco
Uitzicht op Toledo door El Greco , 1596, via The Met Museum, New York
El Greco's prachtig schilderij boven Toledo is zijn tijd opvallend vooruit. De enorme wolken klauteren over de stad en verspreiden duisternis over de omgeving. Het creëert ook een achtergrond voor de gebouwen die stijf staan in vergelijking met de geborstelde struiken op de voorgrond. De rivier begint net onder ons oog in de rechterhoek en we volgen deze de brug op. Er is geen mens te bekennen, alleen de sobere marmerachtige gebouwen die op de heuvel gehurkt zijn.
Dit is een meer emblematisch dan een realistisch beeld van de stad. El Greco lijkt ons een symbolische weergave te bieden van onze relatie met het goddelijke, gezien door de natuur; de overweldigende wolken en het stromende landschap. We voelen dat de wolken bijna een storm ontketenen, een voorgevoel dat de stad al doet wegkruipen, de heuvel af. Dit schilderij drukt prachtig de symbolische betekenis uit tussen de stad, zoals gemaakt door de mens, en de kracht van het goddelijke.
twintig. De triomf van Bacchus Door Diego Velazquez
De triomf van Bacchus door Diego Velazquez, 1628, via Museo del Prado, Madrid
Op dit schilderij, Velázquez heeft de klassieke figuur van Bacchus samengevoegd met de hedendaagse Spaanse feestvierder. Wat dit schilderij interessant maakt, is hoe de kunstenaar speelt met de aandacht van de kijker. als de god Bacchus wegkijkt, glimlachen de twee mannen veelbetekenend naar de kijker, blij om deel te nemen aan deze bacchische ritus. In feite herinneren deze twee mannen ons aan mensen die we in elke plaatselijke pub konden zien.
Het contrast van Velazquez tussen de klassieke figuur en de gewone mensen is grimmig en grappig. Bacchus kijkt weg terwijl hij een burger bekroont met het laurierblad; het geschenk van wijn, en tot rust komen, is voor iedereen. De blikken van de twee mannen lijken uitnodigend, lijken te glimlachen en te zeggen: jij bent hetzelfde als ik.
19. De nachtmerrie Door Henry Fuselic
De nachtmerrie door Henry Fuseli , 1781, via het Detroit Institute of Arts
De verschrikking van een nachtmerrie gaat vaak gepaard met een gewicht op het lichaam; de stress die een droom heeft toegebracht aan lichaam en geest. Het imago van Fuseli slaagt erin om geef een beeldtaal aan de kwelling en de onbegrijpelijke aard van de nachtmerrie . Een gremlin zit op de buik van de vrouw en verlamt haar. Het is het heksenuur. Een zwarte merrie steekt met ondoorzichtige ogen haar kop door de gordijnen. Fuseli geeft de kijker een wonderbaarlijke visuele ervaring van het irrationele kader van een nachtmerrie.
De zachte japon van de dame wordt strak gemaakt door de gremlin die geduldig en onkenbaar zit op zijn zoektocht. Het draait om de kijker aan te kijken met een griezelige blik alsof hij de kijker verwijt dat hij zijn missie verontrust. Fuseli's Nachtmerrie toont een buitengewoon staaltje verbeeldingskracht bij het benaderen van dit onderwerp en het tot leven brengen van iets dat we liever achter het gordijn houden.
18. Newton Door William Blake
Newton door William Blake , 1805, via Tate, Londen
Blake had een geïndividualiseerde stijl die afweek van de neoklassiek / Romantiek van zijn dag. Blake's beelden zijn gesmeed met symboliek en verleidelijke eenvoud. Dit maakt zijn schilderijen zo boeiend. In Newton weet Blake te laten zien waarom hij minachting voelde voor de grote wetenschapper. Newton meet een rolachtig object in plaats van zich bewust te zijn van de kleur achter hem; hij is voorovergebogen, aan het meten, in plaats van te leven en de schoonheid van de natuur op te merken die hij niet kan meten.
Blake's gebruik van het klassieke naakt in een ondoorgrondelijke omgeving (sommige commentatoren geloven dat hij zich op de bodem van de zee bevindt) is een manier om dit symbolische idee weer te geven. Blake heeft subtiel parallelle vormen om ons te waarschuwen ervoor te zorgen dat we de kans en het mysterie van het leven niet de rug toekeren. Newtons vingers spreiden zich uit als het kompas; zijn heupen en rug rollen om als de boekrol; de rol die hij meet lijkt uit zijn eigen lichaam te vloeien, verstoken van kleur of intriges.
17. De dood van Sardanapalus Door Eugene Delacroix
Dood van Sardanapalus door Eugene Delacroix , 1827, via het Louvre, Parijs
Delacroix 's Dood van Sardanapalus creëert door zijn kleurgebruik een spectaculair ritme binnen dit schilderij. Het rijke rood begint in de linkerbovenhoek en loopt diagonaal naar beneden. Delacroix heeft deze rijke kleur gebruikt om parallel te lopen met het geweld dat de scène bevolkt. Lichamen worden uitgespreid, een man trekt aan een rijk gekleed paard, weelderige sieraden verdringen zich op de voorgrond, allemaal drijvend op deze rode rivier.
Delacroix heeft niet veel onbeheerde ruimte gelaten; hij heeft het volgepropt met beweging en draperie om de sfeer van het schilderij na te bootsen. De kijker wordt verdiept in het onderwerp totdat ze bij de gelijknamige Sardanapalus komen, achterover leunen, rustig toekijkend op het bed. Hij staat in schril contrast met de gebeurtenissen op de voorgrond. Het is de man die zelfmoord zal plegen nadat al zijn genoegens zijn vernietigd. Dit moment gevangen door Delacroix is zowel aangrijpend als aanlokkelijk.
16. Sneeuwstorm - Stoomboot uit de mond van een haven Door J.M.W. Turner
Sneeuwstorm - Stoomboot uit de monding van een haven door J.M.W. Turner , 1842, via Tate, Londen
Turner bleek zijn tijd vooruit te zijn met deze impressionistische weergave van een sneeuwstorm. In tegenstelling tot zijn tijdgenoten probeerde hij emotioneel en visueel de indruk te schetsen hoe het voelde om in een sneeuwstorm te zijn. Dit bracht hem ertoe een vroege vorm van abstractie . De werveling van monochromatische kleuren omhult de kijker terwijl een korte aanblik van helderheid slechts gevaarlijk in het midden van het doek blijft hangen.
Er is een verhaal, dat nu als apocrief wordt beschouwd, dat Turner tijdens een storm aan de mast van een schip werd vastgebonden om het geweld van de natuur te ervaren. Het is duidelijk waarom dit kon worden geloofd. Turner's weergave is intuïtief en dramatisch, pulserend van energie en subsumerend. Het is een briljante compositie die het menselijke onvermogen laat zien om de extremen van de natuur te weerstaan.
vijftien. de ekster Door Claude Monet
de ekster door Claude Monet , 1868, via Musee D'Orsay, Parijs
Veel is erin geslaagd een besneeuwd tafereel van stilte vast te leggen op dit beroemde schilderij. Slechts een paar huizen zijn te zien tussen de besneeuwde takken; een paar voetstappen verschijnen voor de poort. De horizon wordt verduisterd door de sneeuw die het land bedekt, waardoor het nauwelijks zichtbaar is waar de lucht begint. Het tafereel van Monet is een prachtige impressie die de gevoelens van een eenzame wandeling op een heldere winterdag weet op te roepen.
De ekster strijkt neer op het hek, de enige expliciete levensvorm op het schilderij. Er is geen reden waarom Monet dit schilderde, behalve dat het hem ontroerde. Deze scène van de natuur kan ons ontroeren vanwege een inherent esthetisch gevoel dat in ons beweegt. Monet hoeft niet naar een hogere symbolische betekenis te reiken, want alles staat voor zijn neus.
14. The Lane Of Populieren Door Alfred Sisley
De laan van populieren door Alfred Sisley , 1890, via, Musee D'Orsay, Parijs
Deze delicate weergave van een laan met populieren in dit beroemde schilderij verleidt de kijker met het gebruik van orthogonale lijnen. Sisley lijkt ons uit te nodigen langs de laan tussen de licht gevlekte bomen. Twee figuren gaan de weg op, zich niet bewust van deze prachtige laan die Sisley voor ons ter beschikking heeft gesteld. De rijke kleur die door het licht wordt afgegeven, wordt geleidelijk donkerder naar het verdwijnpunt toe.
Links loopt een rivier en verder in de verte zijn een paar huizen te zien. Sisley heeft deze heerlijk sfeervolle, met licht doordrenkte scène van meditatief gemak geschilderd. Er is geen haast, geen uitzinnige massa's energie, maar een ontspannende wandeling door een laan met bomen. De schaduwen worden lang en laten doorschemeren dat de dag ten einde loopt, misschien voor een tijd van rustige reflectie. Sisley heeft zijn canvas besteld met kleine delicate penseelvoering, en de kleuren lijken in elkaar over te lopen, waardoor een rijke wereld van stille schoonheid ontstaat.
13. Montagne Saint-Victoire met een grote den Door Paul Cézanne
Montagne Saint-Victoire met een grote den door Paul Cézanne , 1887, via het Courtauld Institute of Art, Londen
Cézanne heeft dit tafereel prachtig in beeld gebracht door kleurvlakken op te bouwen om een schilderij van ongelooflijke diepte te creëren. Cézanne zou veel tijd besteden aan het proberen te begrijpen van de omgeving waarin hij schilderde en proberen te begrijpen hoe te schilderen wat hij waarnam. We kunnen de vormen onder de berg onderscheiden als velden en huizen, maar bij nader inzien lijken elementen van elk te versmelten en te botsen.
Het maakt deel uit van de prachtige esthetiek van Cézanne die de indruk wekt dat vormen in zicht komen, alsof we onze omgeving verwerken terwijl we staren. Onze focus strekt zich uit om het geheel te nemen, maar is in staat om de details te detailleren, in plaats daarvan zien we vage indrukken en de vermenging van kleuren om ons heen.
12. Korenveld met kraaien Door Vincent van Gogh
Korenveld met kraaien door Vincent van Gogh , 1890, via het Van Gogh Museum, Amsterdam
Van Gogh heeft een schrijnend tafereel geschilderd. De kraaien op dit beroemde schilderij, slechts twee of drie penseelstreken, gaan weg of keren terug naar het tarweveld. Het zwart van de nacht lijkt langzaam het blauw van de dag te overspoelen; een pad slingert zich uit het zicht. Van Goghs schilderstijl weet de vorm zo goed te beïnvloeden dat we weten waar we naar kijken en tegelijkertijd lijken de kleuren meer uit te drukken dan ze inhouden.
Van Goghs krachtige kleurgebruik en zijn manier van schilderen zorgen samen voor een emotioneel geladen schilderij. De zwartheid die door de blauwe lucht naar binnen sijpelt, vertelt ons over een naderend onheil; de kraaien zijn als ontluikende angst. Van Goghs sterke emotionele weerklank bij zijn onderwerp zorgt voor deze aanlokkelijke expressionisme dat een natuurlijk landschap transformeert in een emotioneel landschap.
elf. Tahitiaans landschap Door Paul Gauguin
Tahitiaans landschap door Paul Gauguin , 1891, via het Minneapolis Institute of Art
Gauguin ’s beroemde schilderij brengt een nieuwe levendigheid in de laat-negentiende-eeuwse kunst. Er is een prachtige melodie gecreëerd door de rijke kleur. Gauguin heeft warmte weten te behouden door een anti-realistisch kleurschema, en in die zin is het schilderij realistischer voor deze experimentele toets. De eenzame figuur draagt wat voorraden terwijl een hond langs de weg wacht. Het gele veld wordt afgewisseld met een rijke schakering van groen en oranje. De kleuren brengen de zon naar boven voor de kijker.
Gauguin had genoeg van Frankrijk en was naar Tahiti gereisd om zijn plezier in schilderen nieuw leven in te blazen en zijn vermogen tot expressie nieuw leven in te blazen. We kunnen hier in deze levendige landschapsscène zien dat Gauguin een alternatief bood voor het natuurlijke schilderen door op deze expressieve manier te schilderen. Het landschap is niet alleen esthetisch aantrekkelijk door deze nieuwe methode, maar het beeld begint te fungeren als een symbool van een vrije zeggingskracht, niet gehinderd door een gecontroleerde naturalisme .
10. De roze wolk, Antibes Door Paul Signac
De roze wolk, Antibes door Paul Signac , 1916, via het Museum of Fine Arts, Boston
Signac ’s stijl lijkt op een mozaïek in zijn subtiel gemêleerde kleuren. Het is een bijna perfecte abstractie van de natuur en tegelijkertijd behorend tot die impressionistische sfeer die weet dat dit aangename beeld nooit meer zal bestaan. De wolk van Signac is een boodschapper van de zon; het houdt het licht vast en verspreidt het over het canvas in een mooie display. Het enkele zeil valt in het niet bij de grootte en drijft gemakkelijk in zijn reflectie.
Signac's pointillist techniek plaatst minuscule kleurvlakken naast elkaar om parallel te lopen met de kleurschakeringen die we in de natuur zien; hoe onze hersenen het effect van licht en kleur verwerken. Signac bevriest dit moment in de tijd om het te herstellen als een natuurlijke herinnering die we misschien hebben aan een eenzaam zeil.
9. Scheiding Door Edvard Munch
Scheiding door Edvard Munchu , 1896, via het Munch Museum, Oslo
Munch had een doordringend vermogen om het interne drama uit te drukken van niet alleen individuele angst, maar ook de passies die tussen twee individuen bestaan. In Scheiding , de man zakt weg en grijpt naar zijn hart dat op zijn hand lijkt te zijn gemorst - hij moet het op zijn plaats houden om in leven te blijven. Het symbool van de vrouw verandert nu in de omgeving en wordt een onderdeel van het strand en de lucht. Dit beroemde schilderij is een prachtige metafoor voor hoe de herinnering aan liefde voortduurt in de fysieke wereld.
De schilderstijl van Munch benadrukt innerlijke emotie, en hoe die innerlijke emotie reageert met de wereld om ons heen. Het is niet nodig voor Munch om precisie in kleur of vorm te bestuderen om te laten zien wat hij wil. Hij heeft in blokkleuren geschilderd, waardoor de kijker deze voor de hand liggende figuren krijgt. We begrijpen veel van de man door slechts een paar details van het gezicht; het is meer de kleur. Het wat ‘slordige’ aanbrengen van verf draagt bij aan dit directe en krachtige gevoel van scheiding.
8. Improvisatie 28 (Tweede Versie) Door Wassily Kandinsky
Improvisatie 28 (tweede versie) door Wassily Kandinsky , 1912, via het Guggenheim Museum, New York
Kandinsky ’s abstracties waren zeer invloedrijk in de twintigste eeuw. Het toonde een esthetische kwaliteit dat schilderkunst geen object hoeft te hebben om emotie en meditatie op te roepen. Kandinsky's titel voor dit beroemde schilderij, Improvisatie, herinnert zijn kijkers aan een bepaalde muzikaliteit die hij probeert na te streven door middel van kleur en lijn. Kandinsky moet zich bewust zijn geweest van de inherente zingeving waaruit waarneming bestaat. In Improvisatie 28, we kunnen gezichten, ogen, landschappen, huizen onderscheiden zonder enige samenhangende ruimte. In feite zijn de vormen die we zien slechts lijnen en kleuren waarvan we aannemen dat het deze bekende dingen zijn.
Kandinsky vraagt de kijker de compositie te waarderen zoals men een muziekstuk waardeert. Het is hoe je een harmonische beweging door een stuk voelt, de contrasten van secties en de dynamiek van geluid. We kunnen schoonheid ook vinden in lijn en kleur zonder enige coherente 'betekenis' of object.
7. De grote blauwe paarden Door Franz Marc
De grote blauwe paarden door Franz Marc , 1911, via het Walker Art Center, Minneapolis
Franz Marc ’s compositie is een cascade van vormen. De zachtheid waarmee hij de paarden heeft gecomponeerd en wordt weerspiegeld in de omgeving zorgt voor een harmonie die muziek waardig is. Marc wint veel behalve zijn anti-realistische kleuren. De blauwe paarden zijn sereen, majestueus, bijna hemels. Hun grazende koppen roepen een gevoel van gemak en comfort op, van rust en saamhorigheid. Het naast elkaar plaatsen van primaire kleuren ontmoet de kijker in een geruststellende expressiviteit.
Franz Marc is erin geslaagd om de sereniteit van de natuur uit te drukken zonder naturalisme. De ivoren bomen vloeien door het doek. Niets in deze afbeelding lijkt schokkend of snijdend. Het vloeit allemaal in deze sensuele kleur en creëert een eenheid van vorm. Dit eenvoudige tafereel van grazende paarden is door Marcs kleurgebruik in dit beroemde schilderij getransformeerd tot een harmonieuze waardering voor de natuur.
6. De angstige reis Door Giorgio De Chirico
De angstige reis door Giorgio de Chirico , 1913, via MoMA, New York
Chirico ’s claustrofobische compositie verbijstert ons perspectief als een angstige geest die te veel aandacht aan zichzelf besteedt. De leegte in dit beroemde schilderij, ondanks dat het doek gevuld is met vormen, is echter opmerkelijk in zijn effect. De Chirico staat bekend om zijn raadselachtige stijl en hier kunnen we zien waarom. De trein blaast zijn rook uit achter een korte bakstenen muur alsof hij ongeduldig is. De kracht en het zicht van de trein zijn onheilspellend en doen de kijker denken aan een gekooid beest.
De Chirico was een bron van invloed voor de surrealisten die voelde dat hij hun voorganger was in zijn vermogen om innerlijke gemoedstoestanden weer te geven. Zijn beschaduwde zuilengalerijen zijn doordrenkt van mysterie, onheilspellendheid en eenzaamheid. De volgorde van het canvas is strikt en beperkend. Met architecturale vormen is de Chirico erin geslaagd iets van het innerlijke zelf op te roepen.
5. Dynamiek van een fietser Door Umberto Boccioni
Dynamiek van een fietser door Umberto Boccioni, 1913, in de Peggy Guggenheim-collectie, Venetië
Boccioni's futuristisch schilderen is een lofzang op beweging en snelheid. Er is iets glorieus in de fietser die is geabstraheerd in een reeks vormen. Net zoals de kubistisch methode speelt Boccioni met hoe we een vorm waarnemen wanneer deze in beweging is. Het gaat om het doorbreken van de strikte vormen van de rationele ruimte om een nieuwe ruimte binnen te gaan waar de vormen gedestabiliseerd en wonderbaarlijk zijn.
Boccioni ’s kleur draagt bij aan dit gevoel van snelheid; het creëert een esthetiek uit beweging. Het blauw in de rechterbovenhoek vloeit snel naar het midden waar het wordt gecompenseerd door goudgeel. Het blauw wordt verder opgepikt door het gezicht van de man, alleen te herkennen aan de algemene lijnen. Wit komt voort uit het pulserende geel, paars en blauw, als een trein die zijn rook weggooit, hoewel het slechts wielen zijn. De wielrenner van Boccioni is vastberaden en mooi, wat ons een nieuwe visuele waardering voor snelheid geeft.
Vier. Geliefden Door René Magritte
De geliefden door René Magritte , 1928, via MoMA, New York
Magritte was een meester in speelsheid en treedt in de voetsporen van de Chirico vanwege zijn ambiguïteit en raadselachtige resonanties. In dit beroemde schilderij lokt Magritte ons naar binnen met een griezelig schilderij van twee figuren, de minnaars, kussend. Ze raken elkaar nooit aan omdat hun hoofd in witte lakens is gewikkeld. Wat kunnen we hiervan maken? We hoeven er niets van te maken, hoewel de geest eraan gewend is dat te doen - gaat het over het onvermogen van twee individuen om elkaar nooit echt te zien, elkaar te begrijpen?
Magrittes zeer realistische schilderstijl creëert een perfecte gelegenheid om dit realisme te doorbreken door zijn gebruik van enigma. Het beeld van Magritte is humoristisch. De kus, die zo gepassioneerd lijkt, valt plat om te beïnvloeden. Er is een vertrouwen in beide geliefden dat de witte lakens des te absurder maakt. Magritte genoot van de raadsels van psychologie en filosofie en bezat een verbazingwekkend vermogen om dergelijke raadsels op een doek te reproduceren.
3. Guernica Door Pablo Picasso
Guernica door Pablo Picasso , 1937, via Reina Sofia National Art Center Museum, Madrid
Picasso ’s vertolking van het bombardement van 1936 op Guernica is een krachtig symbool van vernietiging. Picasso realiseerde zich dat het naturalisme de ervaring van terreur niet zo effectief zou hebben weergegeven als zijn kubistische methode. Het doek komt op ons over als chaotisch en moeilijk te interpreteren; het gebruik van monochromatisme, de losse, gedeeltelijke vormen en de vervorming van de figuur. Binnen dit ene gebouw zijn de vormen afgeplat en gefragmenteerd.
De realiteit van vernietiging heeft een manier van representatie vernietigd. Picasso is van mening dat elke vorm van naturalisme rede en kunstmatigheid in het doek zou plaatsen, wat de betekenis en macht voor Picasso zou aantasten. Bombarderen en vernietigen is de versnippering van vormen, waardoor chaos ontstaat.
twee. Metamorfose van narcissen Door Salvador Dali
Metamorfose van Narcissus door Salvador Dali , 1937, via Tate, Londen
Dalí's meditatie over de Narcissus mythe is een wonderbaarlijk nauwkeurig maar ongrijpbaar beeld. Dalí is geïnteresseerd in hoe we waarnemen en wat we van onze waarnemingen maken. We kunnen Dalí's gebruik van de double-take zien, waarbij we een object als iets anders waarnemen voordat we beseffen wat het is. Hoewel, voor Dalí en de surrealisten , zouden ze zich afvragen welke perceptie 'echt' is en wat ons onbewuste ons vertelt; hoe we onszelf voor de gek houden.
Dalí's schilderstijl, die hij 'handgeschilderde kleurenfotografie' zou noemen, omvat zowel realiteit als waanvoorstellingen. De steenachtige figuur van Narcissus verandert in de hand die het ei vasthoudt, waardoor de narcis bloeit. Dalí stelt het verstrijken van de tijd tegenover waarneming, echt of misleid, om een nieuwe visuele verkenning van de Narcissus-mythe te geven - de mythe die zoveel te maken heeft met waarneming. Het gaat over hoe we onszelf zien en hoe anderen ons zien.
1. Nighthawks Door Edward Hopper
Nighthawks door Edward Hopper , 1942, via The Art Institute of Chicago
Hopper Het beroemde schilderij hier doet denken aan de Chirico in zijn gevoel van eenzaamheid dat wordt opgeroepen door architectuur. Hopper heeft echter gekozen voor realisme om dit effect te bereiken. Het grote raam toont 's nachts een paar mensen onder het kunstlicht en de straat buiten voelt koud, leeg en geluidloos aan. De twee mannen aan de bar lijken elkaar te spiegelen, een vrouw in het rood ziet er blanco uit en een oude man bedient de bar.
Er is een onmiskenbaar gevoel van stagnatie. Zozeer zelfs dat het de kijker verontrust. Hopper heeft de kleine lat hoger gelegd om iets meeslepends over het menselijk leven te vertegenwoordigen; over eenzaamheid en eenzaamheid; over wachten; over hoe onze tijd wordt besteed in de eenzame nacht. Het realisme van Hopper brengt dit met kracht naar huis. Het beperkte zicht, alsof je er langs loopt, lijkt deze afstandelijkheid van individualiteit te benadrukken.
De nieuwsgierigheid van beroemde schilderijen
Wanneer we beroemde schilderijen verkennen, zijn we op zoek naar ons eigen esthetische gevoel en hoe dit ons eigen begrip van onszelf en de wereld weerspiegelt. We krijgen vaak beroemde schilderijen te zien die gezien zijn, in een bredere culturele context, om gevoelens van schoonheid en ervaring op te roepen waar we ons allemaal mee kunnen identificeren. Deze schilderijen benaderen echter soms onze eigen gevoelens van de wereld niet. We moeten onze eigen onofficiële schilderopleiding volgen om onze eigen beeldtaal te vinden en te waarderen.