7 ongelooflijke vrouwelijke surrealistische artiesten die Frida Kahlo niet zijn

En toen zagen we de dochter van de Minotaurus door Leonora Carrington, 1953 (links); met X Ray of My Skull door Meret Oppenheim, 1964 (midden); en Scilla door Ithell Colquhoun, 1938 (rechts)

Meer dan een kunststroming, Surrealisme was een houding, een zoektocht naar vrijheid die alle aspecten van het leven omvatte; net als hun mannelijke collega's waren vrouwelijke surrealistische kunstenaars ook politieke activisten, voorvechters van vrouwenrechten en revolutionaire strijders. Ze leefden buitengewone levens als vrije individuen die hun eigen schoonheid en waardigheid uitvonden en hun onbemiddelde energie, seksualiteit en humor uitdrukten. Zoals Meret Oppenheim zei, leefden en creëerden vrouwelijke surrealistische kunstenaars geleid door een bewust verlangen om vrij te zijn.

Vrouwelijke surrealistische kunstenaars en vrouwenemancipatie

Portret van Leonor Fini en Leonora Carrington in vermomming door Denise Colomb , 1952, via AWARE, Parijs

Toen op 21 augustus 1933, achttien jaar éénViolette Nozière bekende de vergiftiging van haar vader, de Franse pers explodeerde van verontwaardiginghaar tegenhouden.

Volgens de publieke opinie was Violette geen serieus meisje en vertoonde ze tendensen die typisch zijn voor pas geëmancipeerde vrouwen: werken, geld verdienen en een losbandig leven leiden dat onverenigbaar is met hun leeftijdsgenoten uit de arbeidersklasse. Het deed er niet toe of de beschuldigingen van seksueel misbruik tegen haar vader waar warene toen de pers had besloten een voorbeeld van haar te maken.

Een eenzame stem van onenigheid, de surrealisten toonden hun steun met een collectief oeuvre dat Violette koos als hun Black Angel, de muze die hun voortdurende strijd tegen de burgerlijke mentaliteit en zijn mythen van wet en orde, logica en rede zou inspireren. Het systeem dat leidde tot de sociale ongelijkheid van het postindustriële tijdperk en tot de gruwel van de Eerste Wereldoorlog was volgens surrealisten onherstelbaar gebrekkig. Er was niet alleen een politieke, maar ook een culturele revolutie nodig om die te verslaan.

Vier vrouwen in slaap door Roland Penrose , 1937, via Google Boeken

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Vrouwenemancipatie was dus fundamenteel voor de ontmanteling van het kapitalisme en het patriarchaat, te beginnen met de uitdaging van de burgerlijke perceptie van vrouwen als inherent goed, onbaatzuchtig, onderdanig, onwetend, vroom en gehoorzaam.

Poëzie. Vrijheid. Liefde. Revolutie. Surrealisme was geen bizar escapisme, maar een verruimd bewustzijn. Het gebrek aan grenzen en censuur bood een veilige plek om het collectieve trauma van WOI te bespreken en te verwerken, terwijl het ook een uitlaatklep bood voor de creatieve behoeften van vrouwen.

Hoewel ze werden verwelkomd en actief deelnamen aan de beweging, was het begrip van de surrealisten over vrouwen nog steeds sterk geworteld in stereotypen in idealiseringen. Vrouwen werden ofwel gezien als muzen, als inspiratiebronnen of bewonderd als infantiele figuren met een levendige fantasie dankzij hun naïviteit en hysterische aanleg.

Fotomontage voor frontispice voor verwarde bekentenissen door Claude Cahun en Marcel Moore , 1929-30, via National Gallery of Australia, Parkes

Het was door het werk van vrouwelijke surrealistische kunstenaars dat de identiteit van vrouwen echt een kans kreeg om te bloeien en driedimensionaal te worden, omdat ze zich de mythe van de muze toeeigenden om hun volledige potentieel als actieve makers tot uitdrukking te brengen.

Lange tijd werden vrouwelijke kunstenaars vooral herinnerd in termen van hun relaties, vaak sentimenteel, met mannelijke kunstenaars. Pas de laatste tijd is hun werk onafhankelijk geanalyseerd en krijgt het de aandacht die het verdient. Hier zijn zeven van de meest bekende en bestudeerde vrouwelijke surrealisten, in de hoop dat vele anderen dat uiteindelijk zullen zijn herontdekt en uiteindelijk geschreven in de officiële archieven van de kunst.

Vrouwelijke surrealistische kunstenaars van de eerste generatie

Valentijn Hugo

Portret van Valentijn Hugo , via AWARE, Parijs (links); met Exquise Lijk door Valentine Hugo, André Breton, Tristan Tzara en Greta Knutson , 1933, via MoMA, New York (rechts)

Geboren in 1887, Valentijn Hugo was een academisch geschoolde schilder die de École des Beaux-Arts in Parijs had gevolgd. Ze groeide op in een verlicht en vooruitstrevend gezin en trad in de voetsporen van haar vader door illustrator en schetser te worden. Bekend om haar werk met het Russische ballet, bouwde ze een blijvende professionele band op met Jean Cocteau . Via Cocteau ontmoette Hugo haar toekomstige echtgenoot, Jean Hugo, achterkleinzoon van Victor Hugo, en André Breton , de oprichter van de Surrealistische beweging , 1917.

De surrealisten door Valentine Hugo, gefotografeerd door Man Ray , 1935, via Centre Pompidou, Parijs (links); met Exquise Lijk door Valentine Hugo, André Breton, Nusch Eluard en Paul Eluard , 1930, via Tate, Londen (rechts)

Door deze vriendschap raakte ze steeds meer verbonden met de nieuw gevormde groep kunstenaars, waaronder nu Max Ernst , Paul Éluard, Pablo Picasso , en Salvador Dali . Gedurende deze tijd trad ze toe tot het Bureau of Surrealist Research en exposeerde haar werken op de surrealistische salons in 1933 en op de tentoonstelling Fantastic art, Dada, Surrealism in het MoMA in 1936.

Getroffen door de zelfmoord van collega-surrealist René Crevel en door het vertrek van Tristan Tzara en Eluard, verliet ze de surrealistische groep voorgoed. In 1943 werd haar woord opgenomen in Peggy Guggenheim's Tentoonstelling van 31 vrouwen . Haar eerste overzichtstentoonstelling werd gehouden in Troyes, Frankrijk, in 1977, tien jaar na haar dood.

Meret Oppenheim

Portret van Meret Oppenheim (links); met Object door Meret Oppenheim , 1926, via MoMA, New York (rechts)

De dochter van een Duits-joodse vader en een Zwitserse moeder, Meret Oppenheim werd geboren in Berlijn in 1913 maar verhuisde bij het uitbreken van WOI naar Zwitserland.

Opgegroeid in een cultureel bloeiend huishouden, waren zowel haar moeder als grootmoeder suffragettes. Haar grootmoeder was een van de eerste vrouwen die schilderkunst en de Düsseldorfse Academie studeerde. In haar huis in Carona ontmoette Meret vele intellectuelen en kunstenaars, zoals: dadaïst artiesten Hugo Ball en Emmy Hennings, evenals schrijver Herman Hesse die kort met haar tante trouwde.

Haar vader, een arts, was een goede vriend van Carl Jungo en woonde vaak zijn lezingen bij: hij introduceerde Meret in de analytische psychologie en moedigde haar aan om van jongs af aan een droomdagboek bij te houden.

Handschoenen door Meret Oppenheim , 1985, via National Museum of Women in the Arts, Washington D.C.

Vanwege deze kennis was Meret Oppenheim misschien wel de enige surrealist met gezag over psychoanalyse . Vreemd genoeg was ze ook een van de weinige surrealisten die Jung verkoos boven Freud.

In 1932 verhuisde ze naar Parijs om haar artistieke carrière voort te zetten en kwam ze in contact met het surrealisme via de Zwitserse beeldhouwer Alberto Giacometti . Ze raakte al snel bevriend met de rest van de groep, waaronder destijds Man straal , Jean Arp , Marcel Duchamp , Dalí, Ernst en René Magritte .

Zittend in een Parijse café met Picasso en Dora Maar in 1936 merkte Picasso de eigenaardige, met bont omzoomde armband op, ontworpen voor Elsa Schiaparelli's huis, om de pols van Oppenheim. In een expliciete versie van de gebeurtenissen merkte Picasso op hoeveel van de dingen die hij leuk vond verbeterd konden worden met een beetje vacht, waarop Oppenheim antwoordde. Zelfs deze kop en schotel?

Het echtpaar door Meret Oppenheim , 1956, via AnOther Magazine, Londen (links); met De verpleegster door Meret Oppenheim , 1936, via Moderna Museet, Stockholm (rechts)

Het resultaat van deze speelse scherts was Oppenheims beroemdste surrealistische object, Lunch in Fur ook gekend als Met bont gevoerde cup of gewoon Object . Opgenomen in Bretons eerste tentoonstelling van surrealistische objecten, werd het stuk gekocht door Alfred Barr voor het nieuw opgerichte MoMA: beschouwd als het ultieme surrealistische object, Met bont gevoerde cup werd het eerste werk van een vrouwelijke kunstenaar in de vaste collectie van het museum.

Hoewel haar werk enthousiast werd ontvangen door haar mannelijke collega's, worstelde ze nog steeds om zichzelf als kunstenaar op haar eigen merites te vestigen en om te ontsnappen aan de rol van muze en inspiratiebron.

Haar onafhankelijke karakter, haar ongeremdheid en rebelse houding maakten haar in de ogen van de mannelijke collega's tot de fetisj moeder-kind .

Röntgenfoto van mijn schedel door Meret Oppenheim , 1964, via SF MoMA

Deze afwijzende houding blijkt duidelijk uit Ernsts commentaar op de tentoonstelling van Object : wie bedekt een soeplepel met luxe vacht? Kleine Meret. Wie is ons ontgroeid? Kleine Meret. Deze identiteitsstrijd, de gevolgen van antisemitisme op de praktijk van haar vader en de surrealistische diaspora tijdens de Tweede Wereldoorlog dwongen haar terug naar Zwitserland te verhuizen. Hier raakte ze in een diepe depressie en verdween bijna twintig jaar uit de publieke belangstelling.

Ze was actief in de jaren zestig en zeventig en nam uiteindelijk afstand van de beweging en verwierp de verwijzingen naar het surrealisme sinds het Bretonse tijdperk. Sympathiek voor het feminisme, verraadde ze echter nooit haar Jungiaanse overtuiging dat er geen verschil bestaat tussen mannen en vrouwen, en weigerde resoluut om deel te nemen aan tentoonstellingen voor alleen vrouwen.

Haar levenslange missie lijkt het sluiten van genderconventies en stereotypen te zijn geweest door de sekseverdelingen helemaal te overstijgen en de totale vrijheid van meningsuiting terug te eisen. Vrouwen zijn geen godinnen, noch feeën, noch sfinxen, zei ze, dat zijn de projecties van mannen. Via je levensstijl bewijzen dat je de taboes die al duizenden jaren gebruikt worden om vrouwen in een staat van onderwerping te houden niet langer geldig acht, is de taak van vrouwelijke kunstenaars. Omdat vrijheid niet gegeven wordt, herinnert ze ons eraan dat je die moet nemen.

Valentijn Penrose

Portret van Valentijn Penrose door Man Ray, 1925 (links); met Ariane door Valentine Penrose , 1934, via The San Francisco Chronicle (rechts)

Een van de meest kritische en oneerbiedige vrouwelijke surrealistische kunstenaars, Valentijn Penrose wijdde het grootste deel van haar leven aan de ontmanteling van de burgerlijke perceptie van vrouwen als inherent goede, onzelfzuchtige, echtgenoot-aanbiddende, onderdanige, onwetende, vrome, hardwerkende, gehoorzame echtgenotes en dochters.

Penrose, een van de eerste vrouwen die zich bij de beweging aansloot, was gefascineerd door voorbeelden van onorthodoxe vrouwen en leidde zelf een onconventioneel leven.

Geboren in 1978 als Valentine Boué, trouwde ze met historicus en dichter Roland Penrose in 1925 de goedkeuring van zijn naam. Samen met haar man verhuisde ze in 1936 naar Spanje om zich bij de arbeidersmilitie aan te sluiten ter verdediging van de revolutie.

Cadeaus voor vrouwen door Valentine Penrose , 1951, via AWARE, Parijs

Haar interesse in mystiek en oosterse filosofieën bracht haar vele malen naar India, waar ze Sanskriet en oosterse filosofieën studeerde. Ze was vooral geïnteresseerd in tantrisme , waarin ze een waardevol alternatief identificeerde voor de surrealistische obsessie met genitale seksualiteit beïnvloed door Freuds psychoanalyse.

Ze geloofde dat de surrealistische kijk op vrouwen als een noodzakelijke wederhelft er uiteindelijk niet in slaagde om vrouwen te emanciperen uit hun burgerlijke rol en hen belemmerde in het vinden van een onafhankelijk pad. Haar groeiende interesse in occultisme en esoterie zorgde uiteindelijk voor een wig tussen haar en haar man, wat leidde tot een scheiding in 1935.

Het jaar daarop reisde ze met haar vriend en minnaar naar India Alice Paalen . Terwijl twee vrouwen elkaar na de reis nooit meer zagen, werd lesbiennes een terugkerend onderwerp in Penrose's oeuvre, vaak gecentreerd rond Emilie en Rubia-personages.

Geschenken van vrouwen (4) door Valentine Penrose , 1951, via AWARE, Parijs

Haar collageroman uit 1951 Geschenken van het vrouwelijke wordt beschouwd als het archetypische surrealistische boek. Het boek vertelt de avonturen van de twee geliefden die door fantastische werelden reizen en is een gefragmenteerde verzameling van tweetalige poëzie en naast elkaar geplaatste collages, georganiseerd zonder continuïteit en met een verhoogde mate van complexiteit.

Ze daagde altijd het stereotype van de ideale vrouw uit en publiceerde in 1962 haar beroemdste werk, de geromantiseerde biografie van seriemoordenaar Elizabeth Bathory, de bloedige gravin. De roman die het verhaal vertelt van een lesbisch gothic monster vergde een jaar van onderzoek in Frankrijk, Groot-Brittannië, Hongarije en Oostenrijk.

Omdat ze altijd gesloten was gebleven voor haar ex-man, bracht ze haar laatste jaren door in zijn Farley Farm House, samen met zijn tweede vrouw, de Amerikaanse fotograaf Lee Miller , ook bekend als Lady Penrose.

Claude Cahun

Foto's van Claude Cahun en Marcel Moore zoals afgebeeld in een still van Barbara Hammer, Lover Other: Het verhaal van Claude Cahun en Marcel Moore , 2006 via MoMA, New York

Claude Cahun werd in 1894 geboren als Lucy Renee Mathilde Schwob in Nantes. Ook een dochter van een joodse vader, een lid van de arbeidersklasse en een lesbienne, creëerde Claude Cahun veel verschillende personae om discriminatie en vooroordelen te ontlopen, te beginnen met het kiezen van een pseudoniem, een geslachts- neutrale naam die ze het grootste deel van haar leven heeft aangenomen.

Cahun is een emblematisch voorbeeld van een kunstenaar die tijdens haar tijd bijna onbekend bleef, de afgelopen jaren aan populariteit en erkenning gewonnen , en blijft een van de meest bekende onder vrouwelijke surrealistische kunstenaars. Vaak beschouwd als een voorloper van postmoderne feministische kunst, werden haar gender-bending kunst en de uitgebreide definitie van vrouwelijkheid die ze naar voren bracht een fundamenteel precedent in het postmodernistische discours en het tweedegolffeminisme.

Zelfportret van de Ik ben in training, kus me niet-serie door Claude Cahun , 1927, via The Guardian

Cahun kwam in contact met de surrealisten via de AEAR, de Association des Écrivains et Artistes Révolutionnaires, waar ze in 1931 Breton ontmoette. In de jaren daarna exposeerde ze regelmatig met de groep: haar beroemde foto van Sheila Legge die op Trafalgar Square staat, verscheen in talrijke tijdschriften en publicaties.

Als lesbienne, lid van zowel surrealistische als Franse communistische groepen, ontving Cahun van geen van beiden veel solidariteit. Ondanks de revolutionaire houding beschouwden communisten homoseksualiteit als een luxe die alleen de losbandige elite zich kon veroorloven. Breton daarentegen accepteerde het nooit volledig, behalve de paar verleidelijke lesbische beelden die bedoeld waren voor mannelijk vermaak.

Ze woonde bij haar stiefzus en levenslange partner Suzanne Malherbe, die ook het mannelijke pseudoniem Marcel Moore aannam. Loonverschillen maakten het opzettelijk onmogelijk voor vrouwen om zelfvoorzienend te zijn, dus moesten ze vertrouwen op de economische steun van Cahuns vader om te overleven.

Wat wil je van me? door Claude Cahun , 1929, via het Metropolitan Museum of Art, New York

Bij gebrek aan een extern publiek, werd de kunst van Cahun meestal gecreëerd in de huiselijke sfeer van haar en Marcel, waardoor een ongefilterde blik werd geworpen op hun artistieke experimenten. Door het gebruik van maskers en spiegels reflecteerde Cahun op de aard van identiteit en de pluraliteit ervan, waarmee een precedent werd geschapen voor postmodernistische kunstenaars als Cindy Sherman .

Met haar foto's verwierp en overtrof Cahun de modernistische (en surrealistische) mythen van de essentiële vrouwelijkheid en de ideale vrouw, en bracht ze het postmoderne idee naar voren dat gender en seksualiteit in feite worden geconstrueerd en uitgevoerd, en dat de realiteit niet alleen bekend door ervaring, maar bemiddeld en gedefinieerd door middel van discours.

Tijdens de Duitse invasie werden Claude en Marcel gearresteerd voor hun antifascistische inspanningen en ter dood veroordeeld. Hoewel ze overleefden tot de bevrijdingsdag, herstelde de gezondheid van Claude nooit volledig en stierf uiteindelijk op zestigjarige leeftijd in 1954. Marcel overleefde haar tot 1972 toen ze zelfmoord pleegde.

Toyen

Aardappel Theater door Toyen , 1941, via The Ekphrastic Review (links); met Portret van Toyen , 1919, via Hamburger Kunsthalle (rechts)

Geboren Marie Čermínová in 1902, Toyen maakte deel uit van het Tsjechische surrealisme en werkte nauw samen met de surrealistische dichter Hendrik van Stiermarken . Net als Cahun nam Toyen ook een genderneutraal pseudoniem aan, waarschijnlijk geïnspireerd door de Franse burger. Toyen, een seksueel dubbelzinnig karakter, negeerde genderconventies volledig door zowel mannelijke als vrouwelijke kleding te dragen en de voornaamwoorden van beide geslachten aan te nemen.

Hoewel hij sceptisch stond tegenover het Franse surrealisme, deelde de kunst van Toyen veel thema's met de Bretonse beweging, en tegen de jaren dertig was de kunstenaar een essentieel lid van de surrealist geworden. Toyens interesse in donkere humor en erotiek, altijd grensoverschrijdend, verstevigde de kunstenaar binnen de surrealistische traditie van hypergeseksualiseerde, oneerbiedige kunst beïnvloed door de Markies de Sade's geschriften .

1909, Apollinaire had een van De Sades zeldzame manuscripten gevonden in de Biblioteque National in Parijs. Diep onder de indruk beschreef hij hem als de meest vrije geest die ooit in zijn essay heeft geleefd Het werk van de markies de Sade , wat bijdroeg aan de heropleving van de populariteit van De Sade onder surrealistische kunstenaars.

Het Paravent door Toyen , 1966, via Schirn Magazine, Frankfurt

De Sade, van wiens naam sadisme en sadist Hij bracht het grootste deel van zijn leven door in de gevangenis of opgesloten in psychiatrische inrichtingen vanwege zijn schrijven, dat filosofische verhandelingen combineerde met pornografie, godslastering en seksuele fantasieën over geweld. Zwaar gecensureerd, zijn boeken toch heeft de afgelopen drie eeuwen Europese intellectuele kringen beïnvloed .

Net als de Bohemians vóór hen waren surrealisten geïntrigeerd door zijn verhalen, identificeerden zich met de revolutionaire en provocerende persoonlijkheid van De Sade en bewonderden zijn controversiële aanvallen op burgerlijke smaak en preutsheid.

Door geweld en seksuele impulsen te vermengen, werd de sadistische houding een middel om de aangeboren driften die in het onbewuste op de loer lagen te bevrijden: Sade is surrealistisch in sadisme kondigde de Eerst Manifest van het surrealisme . Toyen bracht hulde aan de libertijnse schrijver door een reeks erotische illustraties te maken voor Štyrský’s Tsjechische vertaling van Justine.

De schietgalerij door Toyen , 1939-40, via Sotheby's

Nooit afwezig werd het politieke aspect van Toyens kunst niettemin explicieter naarmate de politieke situatie in Europa verslechterde: De schietgalerij serie toont de destructieve aard van oorlog door middel van de iconografie van kinderspellen. Nadat hij zich in 1948 in Parijs had gevestigd na de communistische staatsgreep in Tsjechoslowakije, bleef Toyen actief tot de dood in 1980, en bleef hij samenwerken met de dichter en anarchist Benjamin Péret en de Tsjechische schilder Jindrich Heisler .

Vrouwelijke surrealistische kunstenaars van de tweede generatie

Ithell Colquhoun

Portret van Ithell Colquhoun, 1949 (links); met gorgon door Ithell Colquhoun , 1946, via Arusha Gallery, Edinburgh (rechts

Tijdens de Tweede Wereldoorlog werden de surrealisten van de tweede generatie gescheiden en dreven ze weg van de kernbeweging en ontwikkelden ze hun eigen onderzoeksgebieden.

Vrouwelijke kunstenaars eigenden zich het surrealistische idee van de mythische vrouw opnieuw toe en vormden het om tot het krachtige beeld van de tovenares, een krachtig wezen dat haar transformerende en generatieve krachten onder controle had. De vrouw-kind die de eerste generatie vrouwelijke surrealistische kunstenaars inspireerde, was nu uitgegroeid tot de heks vrouw, de meester van haar eigen creatieve kracht.

Terwijl mannelijke kunstenaars een externe tussenpersoon leken te hebben, vaak het vrouwelijk lichaam, als een proxy voor hun onderbewustzijn, hadden vrouwelijke kunstenaars niet zulke barrières en gebruikten ze hun eigen lichaam als basis voor hun zoektocht. De zelf andersheid , was het alter ego waarmee vrouwelijke kunstenaars hun innerlijke zelf verkenden niet het andere geslacht, maar eerder de natuur zelf, vaak weergegeven door beesten en fantastische wezens.

Zoals Hille het uitdrukte, keken surrealisten met één oog naar buiten en één naar binnen. Carrington [en Varo] hadden echter beide ogen open en keken naar zowel het echte als het magische in de werkelijkheid.

De verzonken kathedraal door Ithell Colquhoun , 1952, via Christie's (links); met bittere afgronden door Ithell Colquhoun , 1939, in de Hunterian Art Gallery, University of Glasgow, via Art UK (rechts)

Voor hun generatie, die twee wereldoorlogen, economische depressie en een mislukte revolutie heeft meegemaakt, waren magie en primitivisme bevrijdend. Voor kunstenaars was magie een middel tot verandering, het verenigen en opschorten van de riemen van kunst en wetenschap, een broodnodig alternatief voor religie en positivisme dat had geleid tot de wreedheden van de oorlog. Voor vrouwen, ten slotte, de occult werd een middel om patriarchale ideologieën te ondermijnen en het vrouwelijke zelf te versterken.

Geboren in Shillong, Brits-Indië, in 1906, Ithel Colquhoun raakte op zeventienjarige leeftijd geïnteresseerd in het occultisme na het lezen van Crowley's Abdij van Thelema . Ze studeerde aan de Slade School of Art en verhuisde in 1931 naar Parijs. Het was echter in Groot-Brittannië dat haar carrière echt van de grond kwam: met een aantal solotentoonstellingen was ze tegen het einde van de jaren dertig een van de prominente figuren geworden van het Britse surrealisme. Haar aansluiting bij de beweging was niettemin van korte duur en verliet na slechts een jaar de keuze tussen surrealisme en occultisme.

Dans van de negen opalen door Ithell Colquhoun , 1941, via de website van Ithell Colquhoun (links); met Scylla door Ithell Colquhoun , 1938, via Tate, Londen (rechts

Terwijl ze zichzelf bleef definiëren als een surrealistische kunstenaar, stelde het verbreken van de formele banden met de beweging haar in staat een meer persoonlijke esthetiek en poëtisch te ontwikkelen. Op surrealistische wijze gebruikte ze veel surrealistische technieken zoals frottage, decalcomania, collage, terwijl ze ook haar eigen inspiratiespellen ontwikkelde, zoals sprenkelen en entoptische grafomanie .

Het kanaliseren van de duistere kracht van artiesten zoals Artemisia Gentileschi , zag Colquhoun bij vrouwen een potentieel voor schepping, verlossing en opstanding dat hen verbond met de natuur en de kosmo.

Haar werk, dat parallellen trekt tussen het behoud van de natuur en de emancipatie van vrouwen, vormde een krachtig precedent voor de latere ontwikkeling van het ecofeminisme.

De zoektocht naar de verloren godin vertegenwoordigde de herverbinding van vrouwen met de natuur en de herontdekking van hun eigen kracht, de reis die leidde naar het terugwinnen van kennis en macht.

Leonora Carrington

Portret van Leonora Carrington , via Galerie Wendi Norris, San Francisco (links); met Zelfportret door Leonora Carrington , 1937-38, via het Metropolitan Museum of Art, New York (rechts)

Leonora Carrington, een van de meest langdurige en productieve vrouwelijke surrealistische kunstenaars, was een Britse kunstenaar die tijdens de surrealistische diaspora naar Mexico vluchtte.

Geboren in 1917, Leonora Carrington was de dochter van een Britse rijke textielfabrikant en een Ierse moeder. Haar opstandige houding had haar van minstens twee scholen gestuurd. Meer dan twintig jaar jonger dan de meeste surrealisten, kwam Carrington vrijwel uitsluitend via tentoonstellingen en publicaties in aanraking met de beweging.

In 1937 ontmoette ze Max Ernst op een feest in Londen. De twee kregen onmiddellijk een band en verhuisden samen naar Zuid-Frankrijk, waar hij prompt scheidde van zijn vrouw. Een van haar bekendste werken, Zelfportret (Inn of the Dawn Horse) werd in deze tijd geschilderd.

Groene thee door Leonora Carrington , 1942, via MoMA, New York

Bij het uitbreken van de Tweede Wereldoorlog werd Ernst als ongewenste buitenlander geïnterneerd, maar werd op voorspraak van Eluard vrijgelaten. Opnieuw gearresteerd door de Gestapo, ontsnapte hij ternauwernood aan het interneringskamp, ​​wat hem ertoe bracht asiel te zoeken in de Verenigde Staten, waar hij emigreerde met de hulp van Peggy Guggenheim en Varian Fry.

Carrington wist niets van Ernsts lot, verkocht hun huis en vluchtte naar het neutrale Spanje. Verwoest, kreeg ze een zenuwinzinking op de Britse ambassade in Madrid. In het ziekenhuis werd Carrington behandeld met krampachtige therapie en zware medicijnen waardoor ze in en uit het bewustzijn hallucineerde. Eenmaal vrijgelaten, vluchtte Carrington naar Lissabon en verzekerde hij de doorgang naar Mexico door met Mexicanen te trouwen Ambassadeur Renato Deluc. Daar woonde ze de rest van haar leven tot haar dood in 2011.

En toen zagen we de dochter van de Minotaurus door Leonora Carrington , 1953, via MoMA, New York

Net als bij Colquhoun, werd Carringtons zoektocht naar de ontdekking van op vrouwen gerichte spiritualiteit gebaseerd op het essay van Groves. De witte godin gepubliceerd in 1948, wat een hernieuwde belangstelling voor heidense mythologieën wekte.

Een populaire mythe voor vrouwelijke surrealistische kunstenaars was die van een matriarchale oorsprong van de mensheid: ondanks haar historische nauwkeurigheid gaf de mythe vrouwen een versterkend beeld, waarbij de vrouwelijke scheppingsmythe werd teruggewonnen als een levensvatbaar model voor vrouwelijke creativiteit. Geïnspireerd door deze nieuwe mythologie, Tweede golf Surrealistische vrouwen stelden zich fantastische egalitaire samenlevingen voor waarin mens en natuur in harmonie leefden: een visie op de toekomst gecreëerd door vrouwenbureau.