Edward Hopper: leer de koning van het Amerikaanse realisme kennen in 15 feiten

Hotelkamer door Edward Hopper , 1931, via Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid (links); met Nighthawks door Edward Hopper, 1942, via The Art Institute of Chicago (rechts)

Edward Hopper is vooral bekend om zijn scènes die isolatie en banale situaties uitbeelden. Zijn werk belicht de individualistische kant van de Amerikaanse samenleving door isolatie, eenzaamheid en Amerikaanse vervreemding aan te pakken. Lees meer voor een kijkje in de schilderijen en feiten van Edward Hopper over zijn leven.

De biografie van Edward Hopper

Edward Hopper, New Yorkse kunstenaar door Harris & Ewing , 1937, via Library of Congress, Washington D.C.

Edward Hopper was een Amerikaanse kunstenaar geboren in 1882 in het kleine stadje Nyack , ongeveer veertig minuten ten noorden van New York City. Hij had een comfortabel leven toen hij opgroeide en kreeg aanmoediging van zijn ouders om het creatieve veld als een carrière na te streven. Hij ging naar de New York School of Art and Design waar hij zes jaar studeerde. Hij werd vaak geïnspireerd door zijn professor Robert Henri . Hij worstelde aanvankelijk met het maken van goed ontvangen werk, waarbij hij andere bezigheden moest aannemen om rond te komen. Zijn werk begon terrein te winnen toen hij met zijn vrouw Josephine trouwde. Hopper stierf op 15 mei 1967 in zijn studio op Washington Square in New York City. Zoals veel kunstenaars werd zijn werk na zijn dood meer gevierd dan tijdens zijn leven, ondanks zijn relatieve succes. Zijn werk is te vinden in vele grote museumcollecties in de Verenigde Staten.

De schilderijen van Edward Hopper zijn voorbeelden van sociale afstand

Ochtendzon door Edward Hopper , 1952, via Columbus Museum of Art

De schilderijen van Edward Hopper onderzoeken en aanpakken van de relatie tussen omgevingen en de menselijke figuur (of het ontbreken daarvan) . Vaak bevatten zijn composities slechts één persoon. Hopper's schilderijen belichten thema's als isolatie en eenzaamheid. In hun tijd waren deze werken succesvol in het weergeven van de emoties van Amerikanen tijdens zowel de wereldoorlogen als de Grote Depressie. Zijn werk heeft de laatste tijd kreeg meer populariteit omdat het het leven in een COVID-19-wereld nabootst, vol zelfisolatie, sociale afstand en alleen zijn. Sommige ruzie maken dat dit niet het geval is; dat Hoppers schilderijen mensen tonen die ervoor kiezen om alleen te zijn, in plaats van degenen die alleen moeten zijn. Het gevoel van eenzaamheid en vervreemding in zijn werken valt echter niet te ontkennen. Zijn schilderijen vertegenwoordigen introversie en eenzaamheid en tonen de scènes van het dagelijks leven van eenzame individuen. Zelfs in zijn composities met meerdere mensen, slaagde hij er op de een of andere manier in om aan te tonen dat we uiteindelijk helemaal alleen zijn.

Hij begon op jonge leeftijd kunst te maken

Studeren voor kantoor 's nachts door Edward Hopper , 1940, via Whitney Museum of American Art, New York

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Edward Hopper is al vroeg in zijn leven geïnteresseerd in kunst als een carrière. Op vijfjarige leeftijd toonde hij talent voor tekenen. Hij voltooide zijn eerste ondertekende tekening toen hij nog maar tien jaar oud was. Zijn ouders moedigden zijn interesse in kunst aan en gaven hem materialen en instructieboeken. Gedurende zijn jeugd maakte hij kunst, normaal gesproken oefende hij zijn vaardigheden met stillevens en geometrische tekeningen. Tijdens zijn adolescentie werkte hij met verschillende materialen, waaronder aquarel, olieverf, houtskool en inkt. Hij maakte zijn eerste gesigneerde olieverfschilderij, Roeiboot in Rocky Cove , in 1895 toen hij nog maar 13 jaar oud was.

Hij was ook geïnteresseerd in architectuur

Kamers voor toeristen door Edward Hopper , 1945, via Yale University Art Gallery, New Haven

Hoppers interesse in architectuur begon al op jonge leeftijd, net als zijn interesse in kunst. Toen hij een tiener was, toonde hij interesse om scheepsarchitect te worden. Hoewel hij nooit de carrière van de architectuur heeft nagestreefd, is zijn interesse daarin duidelijk zichtbaar in zijn werken. Zijn werken van gebouwen vertellen een soortgelijk verhaal als zijn schilderijen waar mensen aanwezig zijn. Deze structuren worden een soort portret met een onzichtbare menselijke aanwezigheid . De dialoog tussen de atmosfeer en de architectuur weerspiegelen Hopper's dialogen tussen mensen en de omgevingen die ze bezetten. Het onderliggende thema van Hoppers werk is de onderlinge verbondenheid tussen elk element in zijn schilderijen. Zijn focus op architectuur stelde hem in staat om het manipuleren van omgevingen tot hun volle potentieel te verbeteren in termen van het creëren van een ambiance.

Hij begon te werken als een commerciële illustrator

Meisje bij een naaimachine door Edward Hopper , 1921, via Thyssen-Bornemisza Nationaal Museum, Madrid

Edward Hopper begon zijn artistieke carrière als parttime commercieel illustrator. Gedurende deze tijd maakte hij covers voor vakbladen. Werken als commercieel illustrator gaf Hopper geen voldoening. Dit was echter zijn enige bron van inkomsten. Hij vond het werk creatief verstikkend. Uiteindelijk koos hij ervoor om zijn baan als illustrator op te zeggen en besloot als praktiserend kunstenaar aan de slag te gaan. Deze overgangsperiode in het leven van Edward Hopper werd doorgebracht met reizen door Europa en studeren aan de New York School of Art and Design. Door zijn tijd in Europa kon hij inspiratie putten uit verschillende bronnen die later essentieel zouden worden voor zijn creatieve proces en schilderijen. Studeren aan de New York School of Art and Design bood kansen om zijn ambacht te cultiveren en leidde ertoe dat hij zijn muze en toekomstige vrouw ontmoette.

Inspiratie in Franse kunst

avond blauw door Edward Hopper , 1914, via Whitney Museum of American Art, New York

Zoals veel Amerikaanse kunstenaars vond Edward Hopper inspiratie uit Europese kunst, en meer specifiek Franse kunst. Van 1906 tot 1910 reisde Hopper drie keer naar Europa, waarbij hij het grootste deel van zijn tijd in Frankrijk doorbracht. Terwijl hij daar was, bleef hij zijn artistieke vaardigheden ontwikkelen, waarbij hij zich voornamelijk op landschappen concentreerde. Na 1910 keerde hij nooit meer terug naar Frankrijk. In plaats van naar een academie te gaan, bezocht Hopper musea en observeerde hij het werk van Edgar Degas , Édouard Manet , Claude Monet , Paul Cézanne , Vincent van Gogh en Camille Pissarro . Zijn observaties stelden hem in staat zijn kunst vooruit te helpen; hij was in staat om zijn kleurenpalet uit te breiden en licht effectief weer te geven. Hoewel Hopper een Amerikaanse realist is, valt niet te ontkennen dat zijn werk de impressionistische beweging dat gebeurde slechts een eeuw eerder.

Hij had maar één partner

Chop Suey door Edward Hopper, 1929, Privécollectie, via Christie's

In tegenstelling tot velen twintigeeeuw kunstenaars, Edward Hopper had één levenslange partner. Hopper's vrouw, Josephine Verstille Nivison Jo Hopper, was ook een kunstenaar. Hoewel de belangstelling voor haar kunst en haar carrière in de jaren twintig afnam, bleef ze werken maken tot aan haar dood. Zij gaf uit een groot deel van haar tijd haar leven optekenen in dagboeken . Het paar ontmoette elkaar tijdens een studie kunst. In 1924 trouwden de twee. Helaas domineerden de carrière en het werk van Hopper die van Josephine, net zoals hij bij haar deed. Hun relatie was allesbehalve ideaal. Hopper was ongelooflijk grof en obsessief. Josephine stierf kort na haar man van 43 jaar. Ze schonk zowel de kunstwerken van haar man als haar aan het Whitney Museum in New York City. Terwijl de Whitney het werk van Edward behielden, gooiden ze bijna alle kunst van Josephine weg.

Josephine was een primair model voor de schilderijen van Hopper

elf uur door Edward Hopper , 1926, via het Hirshhorn Museum, Washington D.C.

Josephine Hopper werd Edward's levenslange muze . Zij was het belangrijkste vrouwelijke model voor zijn schilderijen. Hun turbulente en vaak gewelddadige relatie was een katalysator in het werk van Hopper . Het paar werkte in dezelfde studio en had zelden de tijd om aan elkaar te ontsnappen. Josephine hielp Edward de kunstenaar te worden die hij nu ziet door hem kennis te laten maken met de schoonheid van aquarellen. Haar bijdragen eindigden niet bij het modelleren of suggereren van aquarel. Ze zou zijn competitieve geest stimuleren door een werk te beginnen, wat Edward zou inspireren om er een te beginnen. Josephine was ook de boekhouder van Edward. Naast het schrijven van haar dagboeken hield ze uitgebreide documentatie bij van Edwards kunst. Het valt niet te ontkennen dat er zonder Josephine geen Edward Hopper zou zijn zoals we hem vandaag zien. Zijn postume succes wordt ook aan haar toegeschreven. In 2018, zijn schilderij Chop Suey , geïnspireerd door hun verkering, verkocht voor bijna 92 ​​miljoen dollar.

Hij verkocht zijn eerste schilderij voor $ 250

Het zeilen door Edward Hopper , 1911, via Carnegie Museum of Art, Pittsburgh

Edward Hopper was een van de vele kunstenaars die aanvankelijk worstelde met het verkopen van zijn kunst. Bij 30 jaar oud , Het zeilen was het eerste schilderij van Edward Hopper dat ooit werd verkocht. Dit schilderij was in New York's Armory Show in 1913. De Armory Show is een van de meest impactvolle tentoonstellingen in de Verenigde Staten, omdat het de moderne kunst in Amerika wilde benadrukken. Het zeilen verkocht voor ongeveer $ 250, wat vandaag ongeveer $ 6.543 is. Het schilderij werd verkocht aan Thomas F. Vietor, een koopman uit New Jersey. Het zeilen bevindt zich momenteel in de permanente collectie van het Carnegie Museum of Art, samen met zestien andere werken van Hopper.

De kunst van Edward Hopper werd later in zijn leven populair

Mensen in de zon door Edward Hopper , 1960, via Smithsonian American Art Museum, Washington D.C.

Hoewel Hopper op jonge leeftijd begon met het maken van kunst, worstelde hij met het vinden van vroeg succes. Zoals eerder vermeld, verkocht hij zijn eerste schilderij pas toen hij in de dertig was. Josephine schreef aan zijn succes als kunstenaar meer toe dan zijn muze te zijn. Tegen de tijd dat ze met Hopper begon te daten, ze was al een volleerd en succesvol kunstenaar geworden. Ze gebruikte haar banden met curatoren in New York om zijn werk in te passen in haar groepstentoonstelling in het Brooklyn Museum. Deze gunst zou uiteindelijk leiden tot het succes van Edward Hopper als kunstenaar. Hopper kreeg eindelijk recensies van kunstcritici, die dol waren op zijn werk. In 1931 bleef zijn carrière stijgen en verdiende hij duizenden dollars per stuk van zijn werk. Hij bleef in populariteit stijgen, ondanks een verschuiving in artistieke smaak, tot aan zijn dood in 1967.

Hij had geen leerlingen

Zomer interieur door Edward Hopper , 1909, via Whitney Museum of American Art, New York

Edward Hopper bracht het grootste deel van zijn tijd door in zijn studio. Tussen schilderen en vechten met zijn vrouw had hij weinig tijd om zijn ambacht aan anderen door te geven, vooral omdat hij geen nakomelingen had. De nalatenschap van Hopper ging echter door via degenen die inspiratie vinden in zijn werk. De schilderijen en tekeningen van Edward Hopper hebben een blijvende indruk achtergelaten op het genre American Realisme en het uitbeelden van het dagelijks leven. Zijn werken hebben vandaag nog steeds betekenis en inspireren hedendaagse kunstenaars wier werk voortbouwt op de thema's die in zijn werk aanwezig zijn.

Zijn interesse in film en cinema beïnvloedde zijn werk

Cape Cod ochtend door Edward Hopper , 1950, via Smithsonian American Art Museum, Washington D.C.

De schilderijen van Edward Hopper bootsen een soort filmische kwaliteit na die velen kunnen waarderen. Hij was zeer geïnteresseerd in film en cinema en werd beschouwd als een levenslange fan van beide. Naar de bioscoop gaan was een van de weinige dingen die Hopper wilde uitgeven, omdat hij over het algemeen als zuinig werd beschouwd. Tijdens zijn meer inactieve perioden, zei hij, zou ik willen dat ik meer kon schilderen. Ik word ziek van lezen en naar de film gaan. Op zijn beurt leidde zijn interesse in cinema er onbedoeld toe dat bioscoopregisseurs werden beïnvloed door zijn werk.

Edward Hopper's schilderijen inspireerden Alfred Hitchcock

Huis bij de spoorlijn door Edward Hopper, 1925, via MoMA, New York (links); met Nog steeds van psychose door Alfred Hitchcock, 1960 (rechts)

Alfred Hitchcock was een 20e-eeuwse filmregisseur, vaak de Master of Suspense genoemd. Hitchcock is vooral bekend om zijn iconische films die erop vertrouwen dat de kijkers angst en angst inboezemen. Het huis van Norman Bates in Hitchcock's psychose was direct gemodelleerd naar Hopper's Huis bij de spoorlijn . Het is niet verwonderlijk dat Hopper's schilderijen inspirerend waren voor meerdere filmmakers. Hoppers werk weerspiegelde vaak cinema en donkere film, waardoor zijn stijl een voor de hand liggende keuze voor inspiratie was.

Zijn werken inspireerden ook hedendaagse fotografen

Zonder titel-oktober 1998 door Hannah Starkey , 1998, via Maureen Paley Gallery, Londen

Velen noemen het werk van Edward Hopper als inspiratiebron op het gebied van hedendaagse kunst . Niet verwonderlijk, eigentijds fotografen noemen Edward Hopper vaak als inspiratiebron voor composities en belichting . Fotografie als kunstvorm krijgt veel kritiek in vergelijking met meer traditionele manieren van beeldvorming. Daarom hebben kunstenaars die met fotografie werken een verscheidenheid aan technieken gecreëerd die tot doel hebben de inspanningen van hedendaagse fotografie als kunst te valideren. Het werk van Hopper draait om het creëren van sfeer en omgevingen, en de aanwezigheid (of het ontbreken daarvan) van de menselijke figuur. Zijn werk richt zich op soortgelijke concepten die aanwezig zijn in de fotografie, inclusief de psychologische diepte van een afbeelding . Het gebruik van Hopper om de relatie tussen onderwerpen binnen een afbeelding te benadrukken, legde de basis voor hedendaagse fotografie verkenning van deze zelfde relatie .

Hij vond succes als artiest tijdens de Grote Depressie

automatisch door Edward Hopper , 1927, via Des Moines Art Center

De Grote Depressie besloeg ongeveer 10 jaar in de Verenigde Staten, te beginnen in 1929. Gedurende deze tijd leden de economie en de samenleving van de Verenigde Staten drastisch. Hoge werkloosheid, dakloosheid , en hoge zelfmoordcijfers zijn allemaal kenmerken van de Grote Depressie. De kunstsector heeft zwaar geleden; velen beschouwden kunst als een niet-essentiële uitgave die de meesten zich niet konden veroorloven. Deze tijd van nood inspireerde Hopper echter. Zijn werk omvatte scènes van plechtige, geïsoleerde individuen. Het schilderij van Hopper benadrukte de emotionele tol van veel Amerikanen. De Grote Depressie leidde ook tot een nieuw soort kans voor kunstenaars, bedacht de Works Progress Administration (WPA), die kunstenaars in dienst nam om openbare werken te maken door middel van federale financiering. Hierdoor werd kunst een meer toegankelijke en noodzakelijke bron die inspiratie en hoop bood. Op zijn beurt werd kunst een waardevol bezit waarvan de waarde zou overspannen na het einde van de depressie. Voor Hopper en andere artiesten werd deze nieuwe kijk een maaltijdkaart die leidde tot vele 20e-eeuwse kunstenaarssuccessen.

Zijn werk hielp bij het opbouwen van de collectie van MoMA

Huis bij de spoorlijn door Edward Hopper , 1925, via MoMA, New York

Zoals eerder vermeld, begon de carrière van Edward Hopper pas eind jaren twintig succesvol te worden. Hoewel hij zijn werk had laten zien, had hij moeite om zijn schilderijen te verkopen. In 1929 toonde het Museum of Modern Art's (MoMA) Hopper's Huis bij de spoorlijn in de Schilderijen van 19 levende Amerikanen tentoonstelling. Deze tentoonstelling was de eerste van de MoMA's met uitsluitend Amerikaanse kunst. De MoMA's conceptie was in 1928 en was een van de eerste musea in de Verenigde Staten die uitsluitend gewijd was aan moderne kunst. 1930, Stephen C. Clark (een kunstverzamelaar) schonk Hopper's Huis bij de spoorlijn naar het MoMA. Huis bij de spoorlijn was de eerste Amerikaanse werk binnen de collectie .

Hij wordt niet gezien als een productieve artiest

Nachtramen door Edward Hopper , 1928, via MoMA, New York

Het bepalen van de productiviteit van een kunstenaar is moeilijk vanwege de betrokken variabelen. Er is de totale productie tijdens hun leven, hoe lang ze kunstenaar waren en hoe lang ze leefden. Ondanks het maken van ergens rond de 800 werken , velen beschouwen hem niet als productief. In feite schilderde hij slechts ongeveer 366 schilderijen. Edward Hopper begon al op jonge leeftijd met schilderen en bleef zijn hele leven kunst maken, maar het was een tijdrovend proces. Het vormen van ideeën voor nieuw werk ging hem niet gemakkelijk af; hij maakte vaak meerdere concepten van ideeën voordat hij zelfs maar begon te schilderen. Tegen het einde van zijn leven bleef zijn productie afnemen. Toen hij in de 70 was, maakte hij slechts ongeveer 5 schilderijen per jaar.

Edward Hopper's Nighthawks Was baanbrekend bij het definiëren van het modernisme

Nighthawks door Edward Hopper , 1942, via The Art Institute of Chicago

Edward Hopper's Nighthawks is een van zijn meest populaire en erkende schilderijen . Volgens Josephine Hopper's documentatie van Nighthawks , Hopper voltooide het werk slechts enkele weken voor het bombardement op Pearl Harbor . Ontegenzeggelijk werd deze cruciale gebeurtenis in de Amerikaanse geschiedenis vaak geassocieerd met het schilderij. Het benadrukt de gevoelens van vervreemding in oorlogstijd. Voor de aanval op Pearl Harbor, Verenigde Staten waren niet direct betrokken bij de Tweede Wereldoorlog . Dit werk loopt op de grens tussen de modernistisch beweging en de Amerikaans realisme beweging. Het gaat in op de kilte van isolatie en de impact die isolatie heeft. Een van de redenen waarom Hopper zijn succes behaalde tijdens de Grote Depressie en de Tweede Wereldoorlog was dat zijn werk herkenbaar werd voor Amerikanen. Dit was een tijd van nood en naderend onheil. De gevoelens die uit de Tweede Wereldoorlog voortkwamen, leidden tot de opkomst van Abstract expressionisme , Kubisme , en meer als pogingen om de wreedheid van oorlog te rationaliseren en te overdenken.