Textielkunst: Top 6 artiesten die je moet kennen

Handwerken bestaat al heel lang, maar het idee dat naaien en borduren als kunst kan worden beschouwd, is vrij nieuw. Door de geschiedenis heen werd textielkunst gezien als een mindere vorm van kunst in vergelijking met schilderkunst of beeldhouwkunst. Het was een passende hobby voor vrouwen, maar niet iets dat bij een galerie hoorde. Hoe beklemmend ook, het bood ook een ruimte voor creatieve verkenning. Het was deze dubbele aard van naaien en borduren die feministische kunstenaars in de VS en het VK inspireerde om in de jaren zeventig en tachtig hun politieke ideeën te uiten door middel van textielkunst. Tegenwoordig zijn de stoffenwerken van grote kunstenaars zoals Louise Bourgeois te vinden in musea en galerijen over de hele wereld.

1. Textielkunst van Louise Bourgeois (1911-2010)

Hysterisch door Louise Bourgeois , 2001, via Kunstforum

Er zijn maar weinig vrouwelijke artiesten die ooit tot hetzelfde niveau van internationale beroemdheid zijn gestegen als Louise Bourgeois . Hoewel er verschillende redenen zijn voor de gebrek aan vrouwelijke kunstenaars in de kunstgeschiedenis en zelfs hedendaagse musea en galerijen, de invloed van Bourgeois op de bredere kunstwereld is onmiskenbaar. Met een carrière van zeven decennia en twee continenten, was de in Frankrijk geboren kunstenaar een van de meest productieve creatieve krachten van haar tijd. Haar beroemdste werken behoren tot wat Rosalind Krauss noemde het uitgebreide veld van de beeldhouwkunst, maar ze was ook een ervaren schilder, graficus en vooral voor ons hier, textielkunstenaar. Bourgeois wordt vaak geassocieerd met Surrealisme , en ze exposeerde bij verschillende gelegenheden met de abstracte expressionisten, maar ze was nooit officieel lid van een beweging en haar artistieke stijl was zeer uniek.

In haar grootschalige sculpturen en installatiekunst experimenteerde Bourgeois met verschillende materialen die pas in de tweede helft van de twintigste eeuw als artistiek werden beschouwd. Rubber, siliconen, wol en draad komen voor in het hele oeuvre van Bourgeois, dat sterk werd beïnvloed door haar vroege jeugdervaringen.

De kunstenaar werd geboren in 1911 in Parijs, Frankrijk. Haar ouders hadden een atelier voor het restaureren van antieke wandtapijten, dus Bourgeois had ervaring uit de eerste hand in textielwerk, ook al ging ze eerst wiskunde studeren aan de Sorbonne. In 1938 had ze haar kunstopleiding afgerond en opende ze haar eigen galerie in Parijs. In hetzelfde jaar ontmoette ze haar levenslange partner, kunsthistoricus Robert Goudwater, en verhuisde met hem naar New York, waar haar kunstcarrière zou blijven bloeien.

Louise Bourgeois door Robert Mapplethorpe , 1982 (gedrukt in 1991), via Tate Museum, Londen

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

De herinneringen van Louise Bourgeois aan de tijd die ze in de werkplaats van haar ouders doorbracht, en hun complexe familierelaties bleven echter inspirerend voor haar werken. Ideeën die waren ontwikkeld dankzij de ontdekking van psychoanalyse laten zien in de meeste van haar werken - noties van het onderbewustzijn, seksualiteit uit de kindertijd, verlangen, tederheid, pijn, moederschap en dood zijn prominent aanwezig in haar werk. De afbeelding van de spin , het beroemdst afgebeeld in de grootschalige openbare sculptuur Maman uit 1999, werd door Louise Bourgeois zelf uitgelegd als een afbeelding van haar moeder: slim, subtiel, weloverwogen en geduldig. Dit samenspel tussen weven en moederschap is ook een belangrijk aspect van haar textielwerken.

Louise Bourgeois was al vroeg in nauw contact met textiel en voelde een emotionele band met verschillende soorten stoffen, en naaien was een herstellende, helende activiteit. Ze verzamelde haar hele leven verschillende stukjes textiel en veranderde ze uiteindelijk in diep intieme en soms autobiografisch kunstwerken. Textiel komt voor in haar tekeningen, met de hand genaaid geïllustreerd stoffen boeken en figuratieve sculpturen. Terwijl haar tweedimensionale textielkunstwerken voornamelijk abstract, geometrisch en contemplatief waren, zachte sculpturen waren zeer organisch en vaak zelfs expliciet in hun relatie tot het lichaam, seksualiteit en voortplanting.

Door tientallen jaren te proberen haar eigen jeugd, intieme leven en onderbewustzijn te deconstrueren, had Louise Bourgeois een diepgaand effect op een veel grotere schaal - de weg vrijmakend voor generaties kunstenaars die niet alleen verschillende soorten materialen zouden gaan verkennen, maar ook verschillende soorten onderwerpen in de kunst. Hoewel ze geen lid was van een groep of beweging, was Louise Bourgeois een spilfiguur in feministische kunst, textielkunst en hedendaagse beeldhouwkunst.

2. Jaren Albers (1899-1994)

Wandtapijt van Anni Albers , 1948, via Musem of Modern Art, New York

Geboren Annelise Fleischmann Anni Albers was een Duits-Amerikaanse textielkunstenaar en graficus, een van de eersten die de gebruikelijke tweeledigheid tussen kunst en ambacht doorbrak. Als jonge vrouw die geïnteresseerd was in schilderen, werd Albers ontmoedigd om kunst na te streven door Oskar Kokoshka, maar desondanks schreef ze zich in aan de Bauhaus-school in Weimar in 1922. Destijds was de school niet erg liberaal als het ging om de kunsteducatie van vrouwen , en Albers kon niet deelnemen aan de workshop die ze wilde met haar man Joseph Albers .

Aanvankelijk ongeïnteresseerd in wat volgens haar de overdreven vrouwelijke en eenvoudige werkplaats van weven was, begreep Albers al snel het volledige potentieel van deze tactiele kunstvorm. Textielkunst zou gedurende vier decennia haar belangrijkste uitdrukkingsvorm worden, en haar werken zouden uiteindelijk de weg vrijmaken voor andere textielkunstenaars om erkenning te krijgen en het medium verder te verkennen. Albers’ retrospectieve tentoonstelling uit 1949 in het Museum of Modern Art in New York was de eerste tentoonstelling in die instelling die uitsluitend aan een textielkunstenaar was gewijd. Zelfs haar latere prentkunstpraktijk werd sterk beïnvloed door de inzichten die ze opdeed tijdens het weven, haar abstracte lithografieën met een griezelige gelijkenis met de geometrische patronen van wandtapijten.

Zowel de wandtapijten als de prenten van Albers zijn geïnspireerd op Bauhaus en haar nabijheid tot kunstenaars zoalsPaul Kleeen Walter Gropius . Met een delicaat gevoel voor textuur en de haptische eigenschappen van materialen, verwerkte Anni Albers natuurlijke en synthetische draden, metaal en plastic in haar werk, waardoor ze zowel grootschalige als kleinschalige wandtapijten creëerde met geometrische patronen, hoog contrast en vaak uitgebalanceerde symmetrie. Haar ontwerpen werden zorgvuldig bestudeerd en geschetst ter voorbereiding op het werk, en deze aandacht voor detail en gevoel voor evenwicht is terug te vinden van haar vroege textielwerken tot haar volwassen verkenningen van lithografie en zeefdruk.

3. Judith Scott (1943-2005)

Ongetiteld door Judith Scott , 2002, via Museum of Modern Art, New York

De verhaal van Judith en Joyce Scott is een van de meest aangrijpende verhalen in de kunstwereld. Geboren met het syndroom van Down, werd de nu internationaal geprezen beeldhouwer Judith Scott op zevenjarige leeftijd gescheiden van haar twee-eiige tweeling Joyce. Vanwege een niet-gediagnosticeerd gehoorverlies in de vroege kinderjaren, werd de kunstenaar bestempeld als onopvoedbaar en van haar familie weggestuurd naar een particuliere zorginstelling. Omdat er op dat moment geen dieper begrip was van handicaps en geestelijke gezondheid, bracht Judith Scott meer dan drie decennia gescheiden van haar zus door, verstoken van enige educatieve of esthetische stimulatie. In 1985 werd haar zus Joyce echter haar wettelijke voogd en besloot ze haar naar haar huis in Californië te brengen. Twee jaar later werd Judith ingeschreven in de Kunstcentrum voor creatieve groei in Oakland, waar ze uiteindelijk haar talent voor vezelkunst ontdekte.

Draad, wol, stof en gevonden voorwerpen werden een nieuw ontdekte taal voor Judith Scott, en al snel begon ze uitgebreide, grootschalige stoffen sculpturen te maken. Het Art Center herkende haar talent meteen en gaf haar de ruimte en vrijheid om alle beschikbare materialen te gebruiken voor haar kleurrijke coconachtige totems en grote abstracties . Alsof ze eindelijk de middelen had om haar gedachten en gevoelens te uiten, werkte Judith Scott tot het einde van haar leven vijf dagen per week aan haar sculpturen en produceerde ze in totaal zo'n 200 stukken. Haar werken zijn nu te vinden in vele musea en galerijen over de hele wereld, geassocieerd met bewegingen als buitenstaander kunst of Art Brut . De erfenis van Judith Scott heeft echter meer diepgaande implicaties voor de kunstwereld in het algemeen, en stelt een aantal essentiële vragen over wie toegang krijgt tot kunst en het maken van kunst.

4. Chiharu Shiota (1972)

Onzekere reis door Chiharu Shiota , 2019 via de Chiharu Shiota-website

Chiharu Shiota is een hedendaagse Japanse kunstenaar werkzaam op het gebied van performance en installatiekunst. Ze is het meest herkenbaar voor haar gebruik van rode en zwarte draad in meeslepende installaties . Betekenende verbindingen en menselijke relaties, lange lijnen van rode draad worden in webben gesponnen en verweven met verschillende objecten zoals deuren, sleutels, jurken, boeken of boten, waardoor abstracte maar suggestieve ruimtes worden gecreëerd in galerijkamers en musea.

De Japanse kunstenaar, geboren in Osaka, studeerde in Kyoto, Canberra en later Berlijn, waar ze de kans kreeg om te werken met en te leren van de Duitse installatiekunstenaar Rebecca Horn , evenals pionier op het gebied van performancekunst Marina Abramović . Shiota verwierf al in de jaren 2000 zowel publieke erkenning als lovende kritieken voor haar werken, maar ze verwierf internationale faam nadat ze had geëxposeerd voor de Japans paviljoen op de 56e Biënnale van Venetië in 2015.

Gevuld met symboliek en subtiele poëtische betekenissen, onderzoeken de textielkunstwerken van Chiharu Shiota de onderwerpen herinnering, emotie, intimiteit, vrouwelijkheid, verleden en erfgoed. Shiota's grootste soloshow ooit, De ziel beeft , georganiseerd door het Mori Art Museum, toert momenteel de wereld rond. De tentoonstelling toont enkele van haar meest succesvolle werken, zoals: Onzekere reis , In stilte , Weerspiegeling van ruimte en tijd , en Kleine herinneringen verbinden . Terwijl haar kenmerkende netwerken van draden een rol spelen in elke installatie, gaat elk werk over verschillende kwaliteiten van de menselijke ervaring, van het vrouwelijk lichaam tot het verstrijken van de tijd.

5. Sheila Hicks (1934)

Onderzoekszuil/Soepele Kolom door Sheila Hicks , 2013-2014, via Museum of Modern Art, New York

Sheila Hicks is een Amerikaanse kunstenaar gevestigd tussen Parijs, Frankrijk en New York City. Ze is vooral bekend om haar grote, felgekleurde sculpturale textiel, experimentele wandtapijten en innovatieve benadering van weven en stoffenkunst. Net als Chiharu Shiota en Louise Bourgeois, werd de artistieke carrière van Hicks gevormd door reizen naar andere delen van de wereld. Geboren in de VS in de nasleep van de crash op Wall Street, bracht ze het grootste deel van haar jeugd op de weg door, met haar vader op zoek naar werk. Ze raakte geïnteresseerd in weven als een vorm van culturele expressie tijdens haar jaren aan de Yale University en ontving uiteindelijk een Fulbright-beurs om oude weeftechnieken in Chili te bestuderen. Ze bracht vele jaren door in zowel Chili als Mexico, waar ze leerde van traditionele textielambachtslieden en haar eigen workshops gaf. Voor Hicks vertegenwoordigen weven en textielkunst een universele taal die geografieën en grenzen overstijgt.

Sheila Hicks verzamelde traditionele kennis uit verschillende delen van de wereld en ontwikkelde haar eigen unieke stijl, bestaande uit gedurfde kleuren, ruwe materialen en innovatieve benaderingen. Haar vroege textielkunstwerken zoals Blue Letter (1959) waren overwegend tweedimensionale wandtapijten met vlakke kleurvlakken en verschillende weeftechnieken, terwijl haar latere werken steeds meer sculpturaal werden. Haar kolossale installatie Escalade voorbij chromatische landen tentoongesteld in de Biënnale van Venetië van 2017 toonde zowel haar ervaring als reiziger/textielantropoloog als een academische schilder die geïnteresseerd was in kleurentheorie. Pijler van onderzoek (2013-2014) verlegde ook de grenzen tussen textielkunst, beeldhouwkunst en immersieve installatie , door zachte, losse draden naast de architectonische elementen van het museumgebouw te plaatsen. Geïnspireerd door inheemse praktijken, zijn haar werken nu aanwezig in collecties van grote musea van de VS tot Europa en Azië.

6. Textielkunst van El Anatsui (1944)

Zonder titel door El Anatsu i, 2017, via de El Anatsui-website

El Anatsui is een Ghanese beeldhouwer en graficus gevestigd in Nigeria, meestal geassocieerd met de kunstenaars van de Nsukka Group . Hoewel hij niet rechtstreeks met dezelfde soorten materialen werkt als andere textielkunstenaars, neemt El Anatsui naaien op in zijn praktijk. De werken die deze Afrikaanse kunstenaar onder de aandacht van het internationale publiek brachten, zijn zijn grootschalige textielkunstprojecten zoals wandtapijten/wandkleden gemaakt van aluminium kroonkurken en soortgelijke metaaldeeltjes, aan elkaar gebonden door koperdraad.

In zijn praktijk combineert El Anatsui een interesse in traditionele Afrikaanse kennis en ambachten zoals weven en houtsnijwerk met westerse tradities van abstracte beeldhouwkunst en prentkunst. Zijn installaties met flessendop zijn in de hele westerse wereld tentoongesteld in instellingen zoals het Metropolitan Museum of Art, het Brooklyn Museum en de Biënnale van Venetië, waardoor een aantal misvattingen over Afrikaanse kunst en kunstenaars is veranderd. Gevonden en gerecyclede materialen zijn sinds de jaren negentig aanwezig in zijn werken, in een poging de culturele, economische en ecologische ongelijkheden van de hedendaagse samenleving en haar consumptieve traject te onderstrepen. Ze zijn ook gerelateerd aan de geschiedenis van Afrika, de Europese koloniale expansie en de gevolgen daarvan, van de slavenhandel tot de opkomst van rum in Afrika. Ondanks de stevige aard van de materialen, creëert de praktijk van het aan elkaar naaien van elk element flexibele, kleurrijke en dynamische wandtapijten die in verschillende omstandigheden en iteraties kunnen worden tentoongesteld. Werken als Bleeding Takari II en Ink Splash (2007) hebben dezelfde visuele uitstraling van golvende stof alsof ze van draad of wol zijn gemaakt.