Graham Sutherland's katholiek geïnspireerde kunst: het onbekende tot leven brengen

Graham Sutherland's schildercarrière begon pas rond 1930. Hij maakte een keuze om zijn schildertalent te omarmen na een bezoek aan Pembrokeshire in 1935. De geïsoleerde landschappen in Pembrokeshire werden Sutherland's inspiratiebron.

Samen met John Piper en Henry Moore werd Sutherland een van de toonaangevende oorlogskunstenaars in Groot-Brittannië. Hij werd een gerenommeerd neoromantisch kunstenaar en later in zijn carrière (na de Tweede Wereldoorlog) werd hij de mentor van Francis Bacon. Als een kunstenaar die zich later bekeerde tot het katholicisme, maakte Sutherland uiteindelijk de overstap naar kunstwerken met een religieus thema.

Wie was Graham Sutherland?

Graham Sutherland is een van de meest over het hoofd geziene Britse kunstenaars van de 20e eeuw. Vergeleken met het werk van zijn tegenhangers, heeft Sutherland's kunstwerk de afgelopen jaren minimale aandacht gekregen. Als een landschapskunstenaar , maakte hij schilderijen die onmetelijke extases waren. De mogelijke impact van het katholicisme op zijn kunstwerken blijft onbestudeerd. Ondanks de bestempeling van zijn werk als neo- Romantisch , heeft sommige kunst van Sutherland een 'religieuze' ondertoon, ook al is die niet altijd duidelijk katholiek of christelijk. Sutherland vond een manier om katholieke theologische leringen te verzoenen met modernisme .

Van begin tot midden jaren twintig studeerde Sutherland etsen en graveren aan de Goldsmiths School of Art onder leiding van Frederick Landseer Griggs (1876–1938), een Engelse katholieke bekeerling en tekenaar. Naarmate de tijd verstreek, veranderde er iets aan Sutherland; zijn nieuwe kunstwerken werden anders dan zijn eerdere; ze waren anders qua grootte (ze waren groter), ze gebruikten eenvoudige kleuren en hadden nieuwe thema's.

Lady Flavia de Gray (Flavia Irwin), een langdurige Chelsea-student, schilder en echtgenote van Roger de Gray, voormalig president van de Royal Academy, zei het volgende over Graham Sutherland :

“Hij was een vreselijk aardig persoon, zo gevoelig, zo begaafd... Zijn afhankelijkheid van techniek was zo groot dat studenten alles heel voorzichtig inpakten – zorg voor de juiste kleuren. Hij zegt dat hij alles deed vanuit observatie. Hij had nauwelijks les gegeven toen ik langskwam. Hij was een zeer sfeervolle schilder. Hij wilde dat je je eigen weg vond. Hij droeg [tolereerde] de gruwelijke kleuren die ik gebruikte. Over zijn eigen werk sprak hij nauwelijks. Slechts twee of drie uur met deze man, het zou je klaarstomen voor de wereld. Hij was erg op de hoogte - hij kende zijn materialen. Hij gebruikte bijna uitsluitend gouache. Hij liet de leerlingen de kleuren gebruiken die ze wilden.” (Bewerkt naar een gesprek van Flavia de Gray met Sara Morgan, Tate Library, 2005)

De katholieke context

Sutherland bekeerde zich tot het katholicisme een jaar voordat hij met zijn katholieke vrouw Kathleen (née Barry) Sutherland trouwde. Na hun huwelijk bekende Sutherland aan kunstcriticus Robert Melville dat bekering tot het katholicisme voor hem vanzelfsprekend was. Gedurende de jaren dertig en veertig ontwikkelde Sutherland zijn eigen vocabulaire voor het parafraseren en objectiveren van de essentie van zijn katholieke geloof, dat het belangrijkste aspect van zijn kunstwerken werd.

Sutherland zei dat hij door het bijwonen van de mis getuige was van mysteries die hem verrukten; in zijn exacte woorden, zei hij, “De kerk objectiveert het mysterieuze en het onbekende. Het gaf mijn aspiraties naar bepaalde doelen een duidelijker gedefinieerde richting dan ik ooit alleen had kunnen vinden. Het gaf me een idee van een systeem waarin alle geschapen dingen, menselijk en anderszins, tot aan het kleinste atoom - en zijn bestanddelen - zijn geïntegreerd. Het verbreedde en verdrong mijn vage pantheïsme. Het gaf me ook een gevoel van traditie en lid zijn van de samenleving. Zelfs nu nog kan ik geen kerk op het vasteland binnengaan zonder een merkwaardige opwinding te voelen bij de opvoering van mysteries, die in praktisch elk land ter wereld op precies dezelfde manier worden opgevoerd, vaak tegelijkertijd. Het gevoel van de kanalisatie van gedachten en energieën op zo'n grote schaal verbijstert me. Wat betreft het effect op mijn werk - wie zal het zeggen?

Hoewel specifieke plaatsen een bron van inspiratie waren voor Sutherland, was het nooit zijn bedoeling om een ​​schilderij te maken dat een specifieke tijd of plaats vertegenwoordigde. In wezen inspireerden de natuur en de oorsprong van actieve materie hem; hij maakte zich echter zorgen over hoe zijn afzonderlijke ontdekkingen en manier van interpreteren van specifieke organische creaties konden worden aangepast en geschikt konden worden gemaakt voor Europese kunstliefhebbers. Hij bouwde zijn carrière eigenlijk rond de Europese markt.

Tegen het einde van de jaren dertig liet Sutherland zich inspireren door Picasso toen hij het kunstwerk in neoromantiekstijl produceerde, Gaspeldoorn op een zeewering (1939), dat Anthony Blunt, de Britse kunsthistoricus, beschouwde als het belangrijkste religieuze kunstwerk van de twintigste eeuw. Om echter te begrijpen wat Sutherland op papier en canvas probeerde te objectiveren, is het het beste om te beginnen met het bestuderen van zijn openhartig religieuze kunstwerken zoals de Kruisiging , Doornboom , En Doorn Hoofd .

Graham Sutherland's 'Thorn Periode': Kruisiging

Volgens de memoires van Roger Berthoud over Sutherland geloofde een priester in St. Aidan's in East Acton dat hij Sutherland zag bidden om leiding tijdens het schilderen van de kruisiging. Door het schilderij (de Kruisiging ), wilde Sutherland de vreselijke waarheid van de dood benadrukken. Hij wilde niet neigen naar de fysieke betekenis; hij wilde zijn generatie eerder de betekenis van Jezus' kruisiging laten zien.

Wanneer een persoon goed kijkt Kruisiging hij of zij kan de handen zien die op klauwen lijken, de verhoogde ribbenkast en de misvormde schenen; Sutherland deed dit om de figuur er sober en onrealistisch uit te laten zien. Er is een inherente nobelheid aan de dood van Christus, die Sutherland uitbuitte om mensen te laten zien wat zonde de mensheid heeft aangedaan, hoe het het beeld van God in mensen blijft misvormen en hoe God van plan is de wereld te verlossen.

De bakstenen muur aan de onderkant van het kruis benadrukt hoe beschaafd de samenleving was waarin de kruisiging van Christus plaatsvond; men kan niet zeggen dat het gebrek aan beschaving in de samenleving hen ertoe bracht Christus te kruisigen - ze wisten wat ze deden. De kleuren en het ontwerp van het schilderij verbeelden de heiligheid en gratie van de kruisiging van Christus. De achtergrondkleur leidt de geest weg van het hartverscheurende beeld van het misvormde lichaam van Christus. De blauwe kleur inspireert hoop, maar het inspireert mensen ook om te blijven geloven dat de dag zal aanbreken dat de duisternis zal ophouden te bestaan.

Het belangrijkste aspect van de kruisigingsschilderij van St. Aidan betreft de methode van Sutherland om het onbekende te objectiveren, de doornenkroon van Jezus. Als een type neothomist was Sutherland op zijn best wanneer hij aandacht schonk aan iets in het bijzonder - hij kwam tot het besef dat het focussen op een bepaald object zijn werk een diepere betekenis zou geven en het onderwerp zou doen opvallen. Zijn focus op een bepaald onderwerp blijkt uit zijn observatie van doornenkronen en doornen in het algemeen. Kunstliefhebbers zagen hem verschuiven van landschapsschilderijen halverwege de jaren veertig naar stillevens .

Sutherland heeft ooit uitgelegd dat, de Kruisiging fascineerde hem vanwege de symboliek, die goed tot zijn recht komt in zijn olieverf op doek Doorn Hoofd , wat misschien wel zijn grootste prestatie is. De binnenkleuring tussen de doornen imiteert het bloed erin Kruisiging , en de felgekleurde achtergrond compenseert de bloeddorstigheid van de doornen en de extra spikes.

Doornhoofd & Doornbomen

Doorn Hoofd (1945) was het begin van Sutherland's adoptie van de taal van Picasso. Deze artistieke taal verbindt opzettelijk met katholieke interpretatie door zich te concentreren op een bepaald onderwerp. De focus op doornen was al duidelijk bij Sutherland`s Gaspeldoorn op een zeewering vanaf 1939 - de manier waarop de doornen op de gaspeldoorn werden gepersonifieerd, leidde tot de perfecte personificatie van de doornen van Christus' kroon in Doorn Hoofd .

In de inkt en pen schilderij Doorn Bomen (1945), de stam van de boom imiteert het kruisbeeld, een kenmerk dat ontbreekt Gaspeldoorn op een zeewering . Sutherland gebruikte deze kunstwerken van doornen om een ​​post-1945 stemming van wanhoop en angst te tonen, maar hij gebruikte ze ook om mensen te laten zien hoe zonde de mensheid heeft doorboord.

Laatste woorden over Graham Sutherland

Hoewel het werk van Sutherland de laatste tijd duidelijk is verwaarloosd en gemarginaliseerd, kunnen mensen veel leren van zijn kunstwerken. Ontegenzeggelijk vond hij tijdens de groei van zijn artistieke carrière in de jaren dertig en veertig zijn spirituele gezichtsvermogen, dat hem hielp het onbekende te observeren en zijn kunstwerken te actualiseren. Het katholieke geloof van Graham Sutherland speelde zeker een cruciale rol bij de waardering van zijn kunstwerken.