Expressionisme: 10 iconische schilderijen en hun kunstenaars

Het dessert: harmonie in rood door Henri Matisse (ook bekend als Red Room of Harmony in Red), 1908, Hermitage Museum

Het expressionisme als kunststroming kan heel breed en moeilijk te karakteriseren zijn. Het strekt zich uit over verschillende landen, media, bewegingen en periodes. expressionistische kunst werd daarom niet gedefinieerd door een reeks esthetische principes, maar eerder als een instrument van expressie en maatschappelijk commentaar. Hieronder staan ​​10 iconische schilderijen die de suggestieve en dynamische aard van de expressionistische periode vertegenwoordigen.

De schreeuw (1893) door Edvard Muncho

De Schreeuw door Edvard Munchu , 1893, Nationale Galerie van Oslo

Edvard Munch wordt beschouwd als een van de belangrijkste en invloedrijkste artiesten van modernisme . Hij maakte deel uit van de symbolistische beweging en pionierde de expressionistische schilderkunst. Hij werd beïnvloed door impressionisten en post-impressionisten in Parijs zoals Claude Monet , Vincent van Gogh en Paul Gauguin . Zijn carrière duurde bijna 60 jaar en leverde talrijke moderne meesterwerken op.

De Schreeuw is een van de meest iconische moderne kunstwerken ter wereld. Het staat bekend om de belichaming van het diepe gevoel van angst en angst dat het vroege modernistische tijdperk doordrong. Het schilderij is grotendeels autobiografisch omdat het is gebaseerd op de ervaring van Munch toen hij een doordringende 'schreeuw van de natuur' hoorde nadat hij werd achtergelaten door twee van zijn vrienden, die op de achtergrond van het stuk verschijnen. Er zijn twee versies van het schilderij; een bevindt zich in het Munch Museum in Oslo en een in de Oslo National Gallery.

The Blue Rider (1903) door Wassily Kandinsky

De Blauwe Ruiter door Wassily Kandinsky , 1903, WikiArt (privécollectie)

Wassily Kandinsky was een pionier op het gebied van abstractie in de modernistische kunst en sloeg een allesomvattende brug tussen post-impressionisme en expressionisme. Zijn werk onderging verschillende stilistische veranderingen, evolueerden van realistisch en organisch naar geometrisch en geabstraheerd. Hij stichtte ook De blauwe rijder (The Blue Rider) groep in München in 1911, die een van de vroegste formele groepen expressionistische kunstenaars werd.

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

De Blauwe Ruiter is een uitstekend voorbeeld van Kandinsky's verschuiving tussen impressionistische en expressionistische schilderstijlen. Hoewel het duidelijk impressionistische invloeden heeft in techniek en stijl, zijn de zware impasto, gedurfde kleuren en enigszins ruwe penseelstreken elementen van het vroege expressionisme. Het geabstraheerde karakter van het stuk nodigde ook uit tot interpretatie van de kijker; sommigen hebben beweerd een baby in de armen van de berijder te zien.

Dans rond het gouden kalf (1910) door Emil Nolde

Dans rond het gouden kalf door Emil Nolde , 1910, State Gallery of Modern Art, München

Emil Nolde was een expressionistische schilder en een deel van de Duitse De brug (The Bridge) groep expressionistische kunstenaars. Hij wordt herinnerd als een van de grootste coloristen van het 20e-eeuwse modernisme, waarbij hij grote, ruwe lijnen en contrasterende tinten gebruikte om dynamische stukken te creëren. De verhoogde aard van zijn werk roept emotionele reacties op bij de kijkers, waardoor een relatie ontstaat tussen kunstenaar en publiek.

Dans rond het gouden kalf toont een passage uit het boek Exodus. Volgens het verhaal in het Oude Testament maakten de Israëlieten het Gouden Kalf om de mensen te paaien toen Mozes naar de berg Sinaï reisde, omdat ze vreesden dat hij niet zou terugkeren. Het schilderij beeldt de ongekunstelde mensen af ​​die een votiefdans uitvoeren rond het idool, zich niet bewust van de valsheid ervan. De ruige penseelstreken en felle kleuren benadrukken de verhoogde emotionaliteit van het stuk.

De grote blauwe paarden (1911) door Franz Marc

De grote blauwe paarden door Franz Marc , 1911, Walker kunstcentrum

Franz Marc was een Duitse kunstenaar die ook een van de oprichters was van de groep Der Blaue Reiter (The Blue Rider). Zijn werk maakte gebruik van felle kleuren en een opmerkelijk meer kubistische stijl dan sommige van zijn tijdgenoten. Marc beeldde dieren in zijn kunst vaak af met een diep maar ingetogen gevoel van emotie, en verwierf destijds bekendheid bij andere invloedrijke kunstenaars.

De grote blauwe paarden was te zien in de eerste tentoonstelling van Der Blaue Reiter in 1911. Het stuk heeft mannelijke heldere, contrasterende primaire kleuren. De blauwe kleur en zachte kromming van de centrale paarden vormen een gevoel van harmonie, rust en balans tegen het grimmige rood van de heuvels op de achtergrond. Marc verklaarde dat dit contrast de nevenschikking tussen rustige spiritualiteit en geweld weergeeft, wat een gevoel van transcendentie oproept.

Zelfportret met Chinese lantaarnplant (1912) door Egon Schiele

Zelfportret met een Chinese lantaarnplant door Egon Schiele , 1912, Leopoldmuseum

Egon Schiele was een Oostenrijkse expressionistische schilder en mentee van collega-kunstenaar Gustav Klimt . Ondanks een korte carrière en leven, wordt Schiele herinnerd als een productieve vroegmodernistische invloed. Zijn werk staat bekend om zijn dynamische expressies, ongeraffineerde seksualiteit en ongebruikelijke lichaamsvormen die kenmerkend zijn voor de vroege expressionistische stijl.

Zelfportret met Chinese lantaarnplant heeft een diepte van emotie ondanks de eenvoud van het stuk. De kunstenaar zit schuin en kijkt de toeschouwer met een sceptische blik aan. Zijn hoofd en gelaatstrekken zijn vergroot en het lichaam is onnatuurlijk verwrongen, wat een subtiele spanning insinueert die het stuk doordringt. De plant op de achtergrond strekt zich ook uit naar de zijkant en bootst de lichaamskromming van de kunstenaar na. Het gezicht wordt weergegeven met intense kleurdiepte en gespierde details, in tegenstelling tot de omringende kleding en achtergrond, wat een acuut psychologisch aspect aan het stuk suggereert.

Straat, Berlijn (1913) door Ernst Ludwig Kirchner

Straat, Berlijn door Ernst Ludwig Kirchner , 1913, MoMA

Ernst Ludwig Kirchner was samen met Emil Nolde lid van de Die Brücke-groep van Duitse expressionisten. Zijn werk werd gekenmerkt door levendige blokkleuren, brede, contrasterende penseelstreken en scherpe, hoekige vormen. Zijn expressieve kleurgebruik is geïnspireerd op het werk van post-impressionistische en vroeg-expressionistische schilders Vincent van Gogh , Albrecht Dürer en Edvard Munch .

Straat, Berlijn geeft Kirchners minachtende kijk op het leven in Berlijn weer. Dit blijkt uit de intense, scherpe penseelstreken en verontrustende kleurcontrasten van het stuk. De gezichten van de onderwerpen zijn bijna niet van elkaar te onderscheiden, wat de lege oppervlakkigheid van het hoge leven van Berlijn benadrukt. De figuren staan ​​op een schuine ondergrond en vloeien bijna uit het schilderij zelf, waardoor een gevoel van claustrofobie en desoriëntatie ontstaat.

De nacht (1918-19) door Max Beckmann

De nacht door Max Beckmann , 1918-19, kunstcollectie Noordrijn-Westfalen

Max Beckmann was een Duitse schilder, schrijver en beeldhouwer die bekend stond om het gedramatiseerde nachtleven, mythische of bijbelse taferelen in zijn werk. Hoewel hij algemeen wordt bestempeld als een expressionistische schilder, verwierp hij de beweging en ontkende hij er deel van uit te maken. Beckmann beeldde in zijn werk vaak zijn eigen gezicht af, te herkennen aan een fronsend gezicht met een groot hoofd.

De nacht was een product van de Neue Sachlichkeit, of Nieuwe Zakelijkheidsbeweging, die werd opgericht als een anti-expressionistische opstand. Het stuk bevat scherpe hoeken en chaotische, overlappende figuren als een uitdrukking van Beckmanns ontgoocheling over het leven in het naoorlogse Duitsland. Het stuk portretteert gruwelijke elementen van seks, dood en geweld en vestigt de aandacht op de overprikkeling en obsceniteit van de moderne samenleving.

Liggend naakt (1919) door Amedeo Modigliani

Liggend naakt door Amedeo Modigliani , 1919, MoMA

Amedeo Modigliani was een Italiaanse schilder en kunstenaar die in Frankrijk woonde en werkte. Hij staat bekend om zijn naaktportretten van vrouwen die worden gekenmerkt door langgerekte nekken en lichamen, blanco gezichtsuitdrukkingen en oogcontact met de kijker. Zijn werk werd niet goed ontvangen tot aan zijn dood, maar vandaag blijft hij een van de meest productieve schilders van zijn tijd.

Liggend naakt maakt deel uit van een serie naaktportretten van Modigliani die begon in 1916. De portretten werden beïnvloed door afbeeldingen van Venus in het oude Grieks-Romeinse en Italiaanse renaissancekunst , en de vrouwen worden vaak als zodanig geïdealiseerd. Het gebruik van zachte huidskleur valt op tegen donkere, interieurachtergronden, wat duidt op een gevoel van intimiteit tussen onderwerp en kunstenaar. Het onderwerp in Liggend naakt ligt ontspannen achterover alsof hij ontspannen is in het bijzijn van de schilder.

Portret van een man (1919) door Erich Heckel

Portret van een man door Erich Heckel , 1919, MoMA

Erich Heckel was een Duitse schilder en een ander stichtend lid van de expressionistische groep Die Brücke. Hij stond ook bekend om zijn houtsnede, met hoekige vormen, sterk lijnenwerk en simplistische kleurenschema's. Zijn schilderij bevatte zachter, minder rigide lijnenwerk en een verscheidenheid aan kleurmengsels, met invloeden van Vincent van Gogh .

Portret van een man is een geschilderde houtsnede compositie. Net als zijn andere houtsnedeportretten heeft het stuk scherpe, gedefinieerde kenmerken. De figuur belichaamt het trauma en de onzekerheid die het naoorlogse Duitsland in die tijd teisterde. Hij zit met zijn ogen opzij en zijn handen bij zijn kin gevouwen, wat een dubbel gevoel van verslagenheid en verwachting uitstraalt. Het koele, ruw geschilderde kleurenschema geeft ook aan dit gevoel van angst.

Kasteel en zon (1928) door Paul Klee

Kasteel en zon door Paul Klee , 1928, WikiArt (privécollectie)

Paul Klee was een Zwitserse kunstenaar wiens eclectische schilderstijl elementen van het expressionisme bevatte, surrealisme en kubisme . Zijn werk kenmerkte gedurfde kleurblokken en geometrische vormen. Hij experimenteerde gedurende zijn hele carrière met kleur-, vorm- en ontwerptheorie, en zijn geschriften over dit onderwerp worden beschouwd als een integraal onderdeel van het begrip van het modernisme.

Kasteel en zon toont ofwel een middeleeuws kasteel of een modern stadsbeeld, met kleinere driehoeken overschaduwd door een skyline van torens. Zoals veel van Klee's schilderijen, Kasteel en zon wordt weergegeven in een geometrische kleurblokstijl, met heldere, contrasterende details tegen een dieprode achtergrond. De zon op de achtergrond lijkt ook alsof het een maan zou kunnen zijn. Het gebruik van onduidelijke beelden zorgt voor een dualiteit die alomtegenwoordig is in het stuk, en nodigt de kijker uit om zijn eigen conclusie te trekken over wat het schilderij voorstelt.