9 keer de geschiedenis van kunst geïnspireerde modeontwerpers

Linda Evangelista in een 'Warhol Marilyn'-jurk van Gianni Versace, 1991; met jurk The Mondriaan van Yves Saint Laurent, herfst/wintercollectie 1965; en een jurk uit de resortcollectie van Alexander McQueen, 2013

Door de geschiedenis heen gingen mode en kunst hand in hand, waardoor een geweldige mix ontstond. Veel modeontwerpers hebben voor hun collecties ideeën ontleend aan kunststromingen, waardoor we mode als een vorm van kunst kunnen interpreteren. Kunst dient ons vooral om ideeën en visies uit te drukken. Als een prachtige ode aan de geschiedenis van de kunst, zijn hieronder negen draagbare kunstwerken bedacht door visionaire modeontwerpers van de20ste eeuw.

Madeleine Vionnet: een modeontwerper die de oude geschiedenis heeft gekanaliseerd

De gevleugelde overwinning van Samothrace , 2e eeuw BCE, via het Louvre, Parijs

Geboren in het noorden van Frankrijk in 1876, Mevrouw Vionnet stond bekend als de architect van de kleermakers.Tijdens haar verblijf in Rome was ze gefascineerd door de kunst en cultuur van de Griekse en Romeinse beschavingen en geïnspireerd door oude godinnen en beelden.Op basis van deze kunstwerken vormde ze haar stijlesthetiek en combineerde ze elementen van de Griekse beeldhouwkunst en architectuur om een ​​nieuwe dimensie aan het vrouwelijk lichaam te geven. Met haar meestervaardigheid van gedrapeerde en vooringesneden jurken , bracht ze een revolutie teweeg in de moderne mode. Vionnet wendde zich vaak tot kunstwerken zoals de gevleugelde overwinning van Samothrace voor haar creatieve collecties.

De gelijkenis tussen het meesterwerk vanHellenistischkunst en de muze van Vionnet is opvallend.De diepe drapering van de stof in de stijl van de Griekse chiton zorgt voor verticale lichtbanen die langs de figuur stromen.Het beeld is gemaakt als eerbetoon aan Nike, de Griekse godin van de overwinning, en wordt bewonderd om zijn realistische weergave van beweging. De vloeiende draperie van het ontwerp van Vionnet lijkt op de beweging van de golvende stof die zich vastklampt aan het lichaam van Nike.Jurken kunnen zijn als levende wezens met een ziel, net als het lichaam. Zoals de Gevleugelde overwinning van Samothrace , Vionnet creëerde jurken die mensen wakker maken. Het classicisme, zowel als esthetische als als ontwerpfilosofie, gaf Vionnet het vermogen om haar visie in geometrische harmonie over te brengen.

Friesjurk in bas-reliëf van Madeleine Vionnet , gefotografeerd door George Hoyningen-Huene voor de Franse Vogue, 1931, via Condé Nast

Vionnet was ook gefascineerd door moderne kunststromingen, zoals Kubisme . Ze begon op te nemen geometrische vormen in haar creaties en ontwikkelde een andere methode om ze te snijden, de zogenaamde bias cutting. Natuurlijk heeft Vionnet nooit beweerd dat ze de bias cut heeft uitgevonden, maar alleen breidde het gebruik ervan uit . Toen vrouwen aan het begin van de 20e eeuw grote vooruitgang boekten in de strijd voor hun rechten, verdedigde Vionnet hun vrijheid door het langdurige Victoriaanse korset uit de dagelijkse kleding van vrouwen af ​​te schaffen. Daarom werd ze een symbool van vrouwen bevrijding van de vernauwing van bustiers , enlanceerde in plaats daarvan nieuwe, lichtere stoffen die warendrijvend op vrouwelijke lichamen.

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Valentino en Hieronymus Bosch

De tuin der lusten door Hieronymus Bosch , 1490 – 1500, via Prado Museum, Madrid

Pierpaolo Piccioli is de hoofdontwerper van Valentino. De religieuze kunstwerken uit de Middeleeuweneen groot beroep op hem doen.Het uitgangspunt van inspiratie voor hem is het overgangsmoment van de middeleeuwen naar de noordelijke renaissance. Hij werkte samen met Zandra Rhodes en samen ontwierpen ze in het voorjaar van 2017 een inspirerende collectie. Piccioli wilde de punkcultuur van eind jaren 70 verbinden met humanisme en middeleeuwse kunst, dus ging hij terug naar zijn wortels en de renaissance, inspiratie opdoen in Hieronymus Bosch' schilderen De tuin der lusten .

De beroemde Nederlandse schilder was een van de meest opvallende vertegenwoordigers van de noordelijke renaissance gedurende de 16e eeuw. In de tuin der lusten dat Bosch vóór de Reformatie schilderde, wilde de kunstenaar de hemel en de schepping van de mensheid, de eerste verleiding met Adam en Eva, en de hel, vooruitlopend op de zondaars, uitbeelden. In het middenpaneel lijken mensen hun honger te stillen in een wereld van genot. De iconografie van Bosch valt op door zijn originaliteit en sensualiteit. Het hele schilderij wordt geïnterpreteerd als een allegorie voor de zonde.

Modellen op de catwalk tijdens de Valentino Spring Summer 2017-modeshow tijdens Paris Fashion Week , 2016, Parijs, via Getty Images

In de mode wereld , won het schilderij aan populariteit doordat verschillende modeontwerpers gecharmeerd waren van de motieven. Door tijdperken en esthetiek te combineren, herinterpreteerde Piccioli symbolen van Bosch door zwevende transparante jurken, terwijl Rhodes de romantische prints en geborduurde patronen creëerde, met een subtiele knipoog naar het originele kunstwerk. Kleuren maakten zeker deel uit van de boodschap die modeontwerpers wilden overbrengen. Zo is de collectie zwevende dromerige jurken gebaseerd op het noordelijke kleurenpalet van appelgroen, lichtroze en roodborstje eiblauw.

Dolce & Gabbana en de barok van Peter Paul Rubens

Venus voor de spiegel door Peter Paul Rubens , 1615, via de Prinselijke Collecties van Liechtenstein, Wenen; met Dolce & Gabbana modecollectie voor herfst/winter 2020 gefotografeerd door Nima Benati , via de Nima Benati-website

Peter Paul Rubens vrouwen meesterlijk geschilderd, ‘ met liefde, geleerdheid en ijver .’ Hij presenteerde zijn Venus voor de spiegel als het ultieme symbool van schoonheid. Rubens bracht uitzonderlijk haar lichte huidskleur en licht haar in beeld dat contrasteert met de donkere meid. De spiegel is het ultieme symbool van schoonheid , die de vrouw omlijst als een portret, terwijl de naaktheid van de figuur subtiel wordt benadrukt. De spiegel die Cupido de godin voorhoudt, onthult de weerspiegeling van Venus, als een weergave van seksueel verlangen. Rubens, een van de oprichters van Barokke kunst , en zijn concept waarin kleuren belangrijker zijn dan lijnen, beïnvloedde verschillende modeontwerpers, waaronder Dolce & Gabbana. De Barokke stijl afgeweken van de geest van Renaissance , verliet de rust en de zachtheid en streefde in plaats daarvan elegantie, opwinding en beweging na.

Vrede omarmt overvloed door Peter Paul Rubens , 1634, via Yale Centre for British Art, New Haven; met Dolce & Gabbana modecollectie voor herfst/winter 2020, gefotografeerd door Nima Benati , via de Nima Benati-website

De modeontwerpersDomenico Dolce en Stefano Gabbana wilde een campagne creëren die de sensuele maar ook de romantische kant van vrouwelijke schoonheid zal verheerlijken. Peter Paul Rubens was de meest geschikte inspiratiebron. De creaties van het iconische duo kwamen in grote harmonie met de kunst van de Vlaamse schilder. In deze collectie poseerden modellen met grote adel, alsof ze zo uit een van Rubens’ schilderijen waren gesprongen. Het landschap is ontworpen om de barokke spiegels en borduurdetails te herinneren. De gratie van de figuren en het pastelkleurenpalet benadrukten de brokaatroze jurk perfect. De keuze van de modeontwerpers om diverse modellen nog meer op te nemen, promootte het lichaamstype van die tijd. De ronde lijnen die Dolce en Gabbana gebruikten, gingen in tegen de discriminatie van verschillende lichaamstypes in de mode-industrie.

Portret van Anne van Oostenrijk door Peter Paul Rubens , 1621-25, via Rijksmuseum, Amsterdam; with Model Lucette van Beek op de landingsbaan van Dolce & Gabbana, herfst 2012 , gefotografeerd door Vittorio Zunino Celotto, via Getty Images

Dolce en Gabbana's herfst 2012 damescollectie vertoont veel kenmerken van de Italiaanse barokke architectuur. Deze collectie valt perfect samen met de zeer sierlijke kenmerken van de Siciliaanse barokstijl . De modeontwerpers richtten zich op de barokke architectuur zoals die te zien is in de katholieke kerken van Sicilië. Het referentiepunt was het schilderij van Rubens Het portret van Anne van Oostenrijk . In haar koninklijk portret , Anne van Oostenrijk is vertegenwoordigd in Spaanse mode. Anne's zwarte jurk is versierd , met verticale stroken groen borduursel en gouden details. De klokvormige huls, bekend als de Spaanse Great-Sleeve is ook een handtekening in Spaanse stijl, evenals de gegolfde kanten kraag. Kunstig ontworpen jurken en capes gemaakt van luxe textiel zoals kant en brokaat stalen de Dolce and Gabbana-show.

Geschiedenis van kunst en mode: het maniërisme van El Greco en Cristobal Balenciaga

Fernando Nino de Guevara door El Greco (Domenikos Theotokopoulos), 1600, via The Met Museum, New York

Christopher Balenciaga kan worden omschreven als een ware modemeester die in de 20e eeuw de damesmode hervormde. Geboren in een klein dorpje in Spanje, bracht hij de essentie van de Spaanse kunstgeschiedenis over in zijn hedendaagse ontwerpen. Gedurende zijn hele carrière was Balenciaga onder de indruk van de Spaanse Renaissance . Hij zocht vaak inspiratie bij Spaanse vorsten en leden van de geestelijkheid. Balenciaga transformeerde de kerkelijke stukken en monastieke kledingstukken uit die tijd in draagbare modemeesterwerken.

Een van zijn grote inspiratiebronnen was de maniëristische El Greco, ook bekend als Dominikos Theotokopoulos. Kijken naar El Greco's Kardinaal Fernando Nino de Guevara , er is een overeenkomst tussen de cape van de kardinaal en het ontwerp van Balenciaga. Het schilderij toont de Spaanse kardinaal Fernando Niño de Guevara uit de tijd van El Greco in Toledo. De ideeën van El Greco waren afgeleid van het neoplatonisme van de Italiaanse Renaissance, en in dit portret, presenteert de kardinaal als het symbool van Gods genade . Het maniërisme is overal in het schilderij aanwezig. Het is merkbaar in de langgerekte figuur met het kleine hoofd, in de sierlijke maar bizarre ledematen, de intense kleuren en de afwijzing van klassieke maten en proporties.

Een model in een rode avondjas door Cristóbal Balenciaga, Paris Fashion Week, 1954-55, via Google Arts and Culture

Balenciaga's passie voor historische kleding komt duidelijk naar voren in deze extravagante avondjas uit zijn collectie uit 1954. Hij had de visie en het vermogen om vormen opnieuw uitvinden in hedendaagse mode . De overdreven statement-kraag van deze jas bootst de wijdheid van de kardinaalscape na. De rode kleur in de kleding van de kardinaal symboliseert bloed en zijn bereidheid om te sterven voor het geloof. De levendige rode kleur werd door de beroemde ontwerper als buitengewoon beschouwd, omdat hij vaak de voorkeur gaf aan gedurfde kleurencombinaties en felle tinten. Zijn grote innovatie was het elimineren van de taille en het introduceren van vloeiende lijnen, eenvoudige snitten en driekwartmouwen. Door dit te doen, heeft Balenciaga een revolutie teweeggebracht in de damesmode.

De ontwerper introduceerde ook de mouwen tot op de armband, waarmee vrouwen konden pronken met hun sieraden. In de jaren zestig, terwijl de geleidelijke introductie van vrouwen in de arbeidssector gebeurde, had Balenciaga het idee om comfort, vrijheid en functionaliteit te geven aan de vrouwen die hij kleedde. Hij promootte losse, comfortabele jurken die in contrast stonden met de strakke silhouetten van die tijd.

Alexander McQueen en de symboliek van Gustav Klimt

Vervulling door Gustav Klimt , 1905, via MAK – Museum voor Toegepaste Kunsten, Wenen; met Jurk uit de resortcollectie van Alexander McQueen , 2013, via Vogue Magazine

Oostenrijkse schilder, meester van Symboliek , en oprichter van de Vienna Afscheiding beweging, Gustav Klimt markeerde de kunstgeschiedenis van de 20e eeuw. Zijn schilderijen en artistieke esthetiek zijn al lang een inspiratie voor modeontwerpers . Onder anderen zoals Aquilano Rimoldi, L'Wren Scott en Christian Dior, de ontwerper die rechtstreeks naar Klimt verwees, was Alexander McQueen. In de resortcollectie voor de lente/zomercollectie van 2013 ontwierp hij unieke stukken die geïnspireerd lijken te zijn door het werk van de schilder . Kijkend naar de zwierige zwarte jurk met het herhalende gouden patroon erop, denk je misschien aan een specifiek schilderij. McQueen nam abstracte, geometrische en mozaïekpatronen in brons- en goudtinten over en nam ze op in zijn ontwerpen.

In 1905 schilderde Gustav Klimt Vervulling , een voorstelling van een stel gevangen in een tedere omhelzing, dat een symbool van liefde werd. De Oostenrijkse schilder staat bekend om zijn gouden schilderijen, maar ook om de perfecte mix van abstractie en kleur die in deze werken aanwezig is. Alle mozaïeken hebben rijke gouden tinten met caleidoscopische of van de natuur afgeleide decoraties die een grote invloed hebben gehad op de mode. Dit schilderij is levendig door de contrasterende geometrische vormen tussen de kleding van de twee geliefden. Het kledingstuk van de man bevat zwarte, witte en grijze vierkanten, terwijl de jurk van de vrouw is versierd met ovale cirkels en bloemmotieven. Op die manier Klimt meesterlijk illustreert het verschil tussen mannelijkheid en vrouwelijkheid .

Christian Dior, De Ontwerper van de dromen, En die van Claude Monet Impressionistische schilderijen

De tuin van de kunstenaar in Giverny door Claude Monet , 1900, via Museum voor Decoratieve Kunsten, Parijs

De oprichter van Impressionisme en een van de grootste Franse schilders in de kunstgeschiedenis, Claude Monet een groot artistiek oeuvre achtergelaten. Monet gebruikte zijn huis en tuin in Giverny als inspiratiebron en legde het natuurlijke landschap vast in zijn schilderijen. In het bijzonder op het schilderij genaamd De kunstenaarstuin in Giverny, hij slaagde erin het natuurlijke landschap naar zijn behoefte te manipuleren. Het contrast van het bruine modderige pad tegen de levendige kleur van de bloemen vult het tafereel aan. De beroemde impressionist koos vaak de irisbloem vanwege zijn paarse kleur om het effect van een felle zon te geven. Dit schilderij is vol leven, terwijl de bloemen bloeien en de lente omarmen. De bloembladen van rozen en seringen, irissen en jasmijn maken deel uit van een kleurrijk paradijs, weergegeven op een wit canvas.

Miss Dior-jurk van Christian Dior Haute Couture , 1949, via Museum voor Decoratieve Kunsten, Parijs

In dezelfde geest, Christian Dior , een pionier van de Franse couture, heeft een enorme stempel gedrukt op de modewereld die nog steeds voelbaar is. In 1949 ontwierp hij een Haute Couture-collectie voor het lente-/zomerseizoen. Een van de hoogtepunten van die tentoonstelling was de iconische Miss Dior jurk, geheel geborduurd met bloemblaadjes in verschillende tinten roze en violet. Dior illustreerde perfect de twee werelden van kunst en mode en imiteerde de esthetiek van Monet in deze functionele jurk. Hij bracht veel tijd door op het platteland en tekende zijn collecties in zijn tuin in Granville , net zoals Monet deed. Op die manier heeft hij definieerde de elegante ‘Dior’-stijl , waarbij hij het kleurenpalet en de bloemenpatronen van Monet in zijn creaties verwerkt.

Yves Saint Laurent, Mondrian And De Stijl

Compositie met rood, blauw en geel door Piet Mondriaan, 1930, via Kunsthaus Zürich Museum; met De Mondriaan-jurk van Yves Saint Laurent , herfst/wintercollectie 1965, via Met Museum, New York

Mondriaan was een van de eerste kunstenaars die in de 20e eeuw abstracte kunst schilderde. Geboren in Nederland, in 1872, begon hij een hele kunstbeweging genaamd de De Stijl . Het doel van de beweging was om combineer moderne kunst en leven . De stijl, ook bekend als neoplasticisme, was een vorm van abstracte kunst waarin alleen geometrische principes en primaire kleuren, zoals rood, blauw en geel, werden gecombineerd met neutrale tinten (zwart, grijs en wit). De innovatieve stijl van Mondriaan van de vroege jaren 1900 zorgde ervoor dat modeontwerpers dit pure type abstracte kunst repliceerden. Het beste voorbeeld van een schilderij van De Stijl is de Compositie met Rood Blauw en Geel .

Als liefhebber van kunst verwerkte de Franse modeontwerper Yves Saint Laurent de schilderijen van Mondriaan in zijn haute couture-creaties. Hij werd voor het eerst geïnspireerd door Mondriaan toen hij een boek las over het leven van de kunstenaar dat zijn moeder hem voor Kerstmis gaf.

Mondriaanjurken in het Museum of Modern Art door Yves Saint Laurent, 1966, via Khan Academy

Yves Saint Laurent zei zelfs: ‘’Mondriaan is puurheid, verder kom je niet in de schilderkunst. Het meesterwerk van de twintigste eeuw is een Mondriaan.

De ontwerper toonde zijn waardering voor Mondriaan in zijn herfstcollectie van 1965, bekend als de Mondriaan collectie . Geïnspireerd door de geometrische lijnen en gedurfde kleuren van de schilder, presenteerde hij zes cocktailjurken die markeerde zijn iconische stijl en de jaren zestig in het algemeen. Elk van de Mondriaan jurken varieerden een beetje, maar ze hadden allemaal gemeen de eenvoudige A-lijn en de mouwloze knielengte die elk lichaamstype flatteerde.

Elsa Schiaparelli en Salvador Dali

Drie jonge surrealistische vrouwen met in hun armen de huiden van een orkest van Salvador Dalí 1936, via The Dali Museum, St. Petersburg, Florida

Geboren in 1890 in een aristocratische familie gevestigd in Rome, Elsa Schiaparelli al snel sprak haar liefde voor de modewereld. Ze zou beginnen met het ontwikkelen van haar revolutionaire stijl geïnspireerd door het futurisme, dadaïst , en Surrealisme . Naarmate haar carrière vorderde, verbonden met bekende surrealisten en dadaïsten als Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp en Jean Cocteau. Ze werkte zelfs samen met de Spaanse kunstenaar Salvador Dali. Zijn esthetische en surrealistische absurditeit maakte Dali tot de beroemdste schilder van de Surrealistische beweging .

The Tears Dress van Elsa Schiaparelli en Salvador Dali , 1938, via Victoria and Albert Museum, Londen

Een van de grootste samenwerkingen in de modegeschiedenis was die van Dali en Elsa Schiaparelli. Deze jurk is gemaakt samen met Salvador Dali , als onderdeel van Schiaparelli's Circuscollectie van de zomer van 1938. De jurk verwijst naar Dali's schilderij, waarin hij vrouwen met verscheurd vlees afbeeldde.

Een foto van Salvador Dalií en Elsa Schiaparelli , ca.1949, via het Dalí-museum

Voor surrealistische kunstenaars, de zoektocht naar de ideale vrouw was gedoemd te mislukken , aangezien het ideaal alleen in hun verbeelding bestond, en niet in werkelijkheid. Het was echter niet de bedoeling van Dali om vrouwen afbeelden realistisch, dus hun lichamen zijn helemaal niet esthetisch. Schiaparelli wilde experimenteren met dit spel van verhulling en onthulling van het lichaam, waardoor de illusie van kwetsbaarheid en blootstelling ontstaat. De Tear-Illusie Jurk was gemaakt van lichtblauwe zijden crêpe en de print is ontworpen door Dalí om op de drie vrouwen uit zijn schilderij te lijken. De tranen onthullen de roze onderkant van de stof, met een donkerder roze zichtbaar in de gaten.

Modeontwerpers en popart: Gianni Versace en Andy Warhol

Marilyn Diptiek van Andy Warhol , 1962, via Tate, Londen

De Pop Art tijdperk was waarschijnlijk de meest invloedrijke periode voor modeontwerpers en kunstenaars in de kunstgeschiedenis. Andy Warhol pionierde met een combinatie van popcultuur en high fashion die hem een ​​iconisch maakte symbool van de Pop Art-beweging . In de jaren zestig begon Warhol zijn kenmerkende techniek, de zeefdruk, toe te passen.

Een van zijn vroegste en ongetwijfeld beroemdste werken was Het Marilyn-diptiek . Voor dit kunstwerk liet hij zich niet alleen inspireren door de popcultuur, maar ook uit de kunstgeschiedenis en schilders van het abstract expressionisme. Warhol veroverde de twee werelden van Marily Monroe, het openbare leven van de Hollywood-ster, en de tragische realiteit van Norma Jeane, de vrouw die worstelde met depressie en verslaving. Het tweeluik versterkt links de levendigheid, terwijl het rechts vervaagt in duisternis en vergetelheid. In een poging om presenteren een samenleving van consumentisme en materialisme , schilderde hij individuen af ​​als producten in plaats van mensen.

Linda Evangelista in een 'Warhol Marilyn'-jurk van Gianni Versace , 1991

De Italiaanse ontwerper Gianni Versace had een langdurige vriendschap met Andy Warhol. Beide mannen waren gecharmeerd van de populaire cultuur. Om Warhol te herdenken, droeg Versace zijn lente-/zomercollectie uit 1991 aan hem op. Een van de jurken was voorzien van Warhols Marilyn Monroe-prints. Hij verwerkte felgekleurde, gezeefdrukte portretten van Marilyn en James Dean uit de jaren zestig op rokken en maxi-jurken.