Kunst en mode: 9 beroemde jurken in de schilderkunst die de stijl van vrouwen vooruitstreven

Portret van Madame X door John Singer Sargent, 1883-1884 (links); met De muzikant door Tamara de Lempicka, 1929 (midden); en Symphony in White No.1: The White Girl door James McNeill Whistler, 1862 (rechts)

Voor deze vrouwen werd alles, van hun rijkdom, karakter en politieke/maatschappelijke standpunten, indicatief voor wie ze waren op basis van deze schilderijen. Of ze het wisten of niet, ze beïnvloedden modetrends, maakten critici woedend en gebruikten mode om zichzelf te presenteren aan de wereld om hen heen. Hieronder staan ​​negen schilderijen met beroemde jurken die variëren van de Renaissance helemaal tot aan de moderne tijd .

Renaissanceschilderijen met beroemde jurken

De Renaissance was een tijd van culturele en artistieke heropleving, zoals classicisme maakte een revolutionaire comeback in Europese samenlevingen . Deze periode zag echter ook belangrijke veranderingen in de mode; kijk hoe beroemde jurken in schilderijen de mode beïnvloedden tijdens de Renaissance.

Het Arnolfini-portret (1434) door Jan Van Eyck

Het Arnolfini-portret door Jan Van Eyck , 1434, via The National Gallery, Londen

Jan Van Eyck 's Arnolfini Huwelijksportret is een nietje in de studie van stof in portretten. Van Eycks techniek laat niets aan de verbeelding over, aangezien zijn benadering van het schilderen van stof een realistische en driedimensionale ervaring creëert. Het met juwelen getinte smaragdgroen van haar wollen kledingstuk en met hermelijn gevoerde mouwen laten de status van de families zien, aangezien alleen rijke klanten de hierboven afgebeelde stoffen konden betalen.

Wol, zijde, fluweel en bont waren zeldzaam en duurder om te produceren in vergelijking met katoen of linnen, en waren een statussymbool van hoeveel men kon betalen om te kopen. Het toont ook de rijkdom van haar man, omdat het laat zien dat hij het zich kon veroorloven om vele meters stof te kopen om haar jurk te maken. Een van de meest besproken vragen rond het schilderij is of de afgebeelde vrouw (vermoedelijk de vrouw van Arnolfini) al dan niet zwanger is. Renaissancerokken waren zo vol en zwaar dat vrouwen hun rokken optilden zodat ze gemakkelijker te bewegen waren.

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

De zeer rijke uren van de hertog van Berry april door The Limbourg Brothers , 1412-16, in Musée Condé, Chantilly, via The Web Gallery of Art, Washington D.C. (links); met De zeer rijke uren van de hertog van Berry De tuin van Eden Door de gebroeders Limburg , 1411-16, in Musée Condé, Chantilly, via The Web Gallery of Art, Washington D.C. (rechts)

De toegevoegde wulpse plooien van haar japon onthullen ook een trend in het afbeelden van vrouwen met een ronder buik omdat het de hoop toonde om kinderen te verwekken tijdens het huwelijk. Een ander voorbeeld hiervan zijn de gebroeders Limburg De zeer rijke uren van de hertog van Berry. Op beide afbeeldingen zijn vrouwtjes afgebeeld met rondere buiken. De afbeelding aan de linkerkant toont een bruiloft en is vergelijkbaar met het portret van Arnolfini, aangezien beide vrouwen het beeld van het moederschap projecteren in afwachting van een zwangerschap. Zonder met een moderne lens naar het schilderij te kijken, kan men dit zien als een verslag van wat vrouwen droegen en wat belangrijk was voor mensen om aan anderen te onthullen.

Barok- en rococo-schilderijen

De Barok en Rococo perioden kunnen worden gekenmerkt door uitgebreide decoratie, decadentie en speelsheid. Deze trends werden niet alleen gezien in de kunst, maar ook in de mode door middel van ingewikkelde versieringen en weelderige jurken. Bekijk enkele van de beroemde jurken die zijn geïnspireerd op kunstwerken.

Elizabeth Clarke Freake (mevrouw John Freake) en Baby Maria (1674)

Elizabeth Clarke Freake (mevrouw John Freake) en Baby Maria door een onbekende artiest , 1674, Worcester Kunstmuseum

De aandacht voor detail en de focus op kleding van deze onbekende kunstenaar maken dit schilderij tot een belangrijk levensverslag voor New England puriteinen . Op deze afbeelding is Elizabeth uitgedost in fijne stoffen en accessoires uit het Amerika van de jaren 1600. Haar witte kanten kraag is een indicatie van het populaire Europese kant dat onder aristocratische vrouwen wordt gevonden. Uit haar jurk prijkt een gouden geborduurde fluwelen onderrok en haar mouwen zijn versierd met linten. Ze is versierd met sieraden van de parelhalsband, gouden ring en granaatarmband. Dit schilderij biedt een unieke kijk in het puriteinse leven van Elizabeth en haar familie.

De kunstenaar weet beelden van hun rijkdom samen te smelten in een ingetogen setting. Het schilderij toont duidelijk de rijkdom van Elizabeth terwijl ze ervoor kiest om haar beste kledingstuk en sieraden te dragen. Het weerspiegelt ook de rijkdom van haar man, John Freake, om zich deze luxe te kunnen veroorloven en zowel dit portret als een van zijn eigen portretten te laten maken. Het schilderij zou ook hun puriteinse houding van dankbaarheid jegens God symboliseren, want zonder Zijn zegen zouden ze deze luxe niet kunnen hebben.

De schommel (1767) door Jean-Honore Fragonard

De schommel door Jean-Honore Fragonard , 1767, via The Wallace Collection, Londen

Jean Honoré Fragonard 's De schommel is een voorbeeld van de rococostijl in Franse aristocratische kringen. Het schilderij was een privéopdracht waarbij een Franse hoveling aan Fragonard vroeg om dit schilderij van zichzelf en zijn minnares te maken. Terwijl het schilderij achter gesloten deuren werd geplaatst, onthult het de luxe, frivoliteit en clandestiene aard van het Franse koninklijke hof.

De pastelroze jurk valt op tussen de weelderige tuin en is de centrale focus van het stuk. Fragonard schildert de jurk met losse penseelstreken die de zwierige rokken en het gegolfde lijfje van haar jurk nabootsen. Zijn losse penseelvoering valt samen met zijn onderwerp van dit idyllische tuintafereel dat gevuld is met kokette en grillige beelden. Met alle vernauwingen van korsetten, drukte en omhulsels van vrouwelijke kledingstukken, was de enige plek die er geen had de onderkant van een vrouwenrok. Fragonard gebruikte dit in zijn voordeel toen hij de vrouw portretteerde die op de perfecte plek zwaait, zodat haar minnaar haar rok kan opzoeken. Dankzij de privécommissie kon Fragonard experimenteren met zijn onderwerp en konden de kijkers ontdekken hoe het leven zou zijn geweest voor de rijkste mensen aan het hof.

Franse jurk, een jurk uit het 18e-eeuwse Frankrijk , 1770, via het Metropolitan Museum of Art, New York

Zijn schilderij toont ook trends aan het Franse hof voor mode. Rococo overstijgt mode, kunst en architectuur om iets te creëren dat uniek Frans is. Rococo-mode omvatte de meest luxueuze stoffen, waaronder pastelkleurige zijde, fluweel, kant en bloemmotieven. Het bevatte ook een buitensporige hoeveelheid strikken, juwelen, ruches en decoratieve versieringen om looks te creëren die de aandacht trekken aan het hof. Stijl definieerde het verschil tussen arm en rijk, aangezien de aristocratie zich de luxe van fijne stoffen en versiering kon veroorloven. Voor de vrouwen die dergelijke rococo-opsmuk dragen, is het schilderij de belichaming van het Franse koninklijke hof vóór de revolutie.

Beroemde jurken in 19e-eeuwse schilderijen

In de 19e eeuw vond een artistieke verschuiving plaats van Neoclassisme in het vroege modernisme en maakte plaats voor stijlen en denkrichtingen. Deze eeuw zag ook veranderingen in de mode; lees verder om te zien hoe schilderijen de introductie van beroemde jurken en stijlen beïnvloedden die opmerkelijk moderner waren dan voorheen.

Symphony in White No.1: The White Girl (1862) door James McNeill Whistler

Symphony in White No.1: The White Girl door James McNeill Whistler , 1862, via The National Gallery of Art, Washington D.C.

Kunst om de kunst raakte verbonden met Symphony in White No.1: The White Girl net zo James McNeill Whistler bedoelde dat het schilderij een spirituele betekenis zou hebben. Critici zagen het echter niet zo, want de geportretteerde vrouw is Joanna Hiffernan (destijds zijn minnares). Wat nog belangrijker is, het was het kledingstuk dat Whistler koos om Hiffernan in te schilderen dat de deal bezegelde en deze jurk deed opvallen tussen zijn andere schilderijen.

Dit portret was destijds schandalig vanwege Whistler's weergave van de puur witte jurk van de vrouwen. Tijdens de 19e eeuw omvatte de kleding van een vrouw vaak een crinoline kooi onderrok van staal om hun rokken drijvend te houden. Vrouwen droegen ook korsetten tussen tal van andere onderkleding om bredere rokken te kunnen creëren.

De vrouw in het wit is precies het tegenovergestelde van die standaard van respectabele kleding in die tijd. Haar theejapon is een kledingstuk dat alleen haar man (of minnaar) zou mogen zien omdat het gemakkelijk kan worden verwijderd. Het was een dagjurk die privé werd gedragen en zou pas in het begin van de 20e eeuw populairder worden voor dagelijks gebruik.

Voor Whistler was zijn muze bedoeld om deel uit te maken van een algehele scène die een lust voor het oog was. Hij portretteerde Hiffernan zoals hij haar zag en voor de kijkers in die tijd was het schilderij zowel verwarrend als een beetje onfatsoenlijk.

Portret van juffrouw Lloyd (1876) en Juli: exemplaar van een portret (1878) door James Tissot

Portret van juffrouw Lloyd door James Tissot , 1876, via The Tate, Londen (links); met Juli: Specimen van een portret door James Tissot , 1878, via Cleveland Museum of Art (rechts)

James Tissot maakte aan het einde van de 19e eeuw talloze schilderijen met damesmode. Hij liep de Europese mode voor en staat bekend om het schilderen van zijn onderwerpen met de laatste modetrends. Damesmode begon aan het eind van de 19e eeuw een wending te nemen onder de jonge dames in Parijs en Londen. De brede en zware rokken van hun Victoriaanse voorgangers werden vervangen door smallere rokken en volle rokken aan de achterkant. Wat deze specifieke jurk doet opvallen, is het voortdurende gebruik ervan door Tissot in zijn schilderijen. Tissot gebruikt het in een ander van zijn schilderijen De galerij van HMS Calcutta (Portsmouth) en in alle drie gebruikt hij het in totaal verschillende contexten.

Links draagt ​​juffrouw Lloyd de jurk zoals die in de samenleving gedragen zou worden. Deze jurk zou destijds in de mode zijn geweest aangezien de strakke taille en zandloperfiguur geaccentueerd worden door haar jurk. De rechte lijnen van haar jurk tonen ook de stijfheid van haar pose in tegenstelling tot het portret aan de rechterkant.

Rechts is een portret van Kathleen Newton (zijn toenmalige metgezel) te zien in een intieme setting tijdens de zomermaanden. In vergelijking met het eerste portret straalt alles aan de manier waarop hij de jurk heeft geportretteerd loomheid en verleiding uit. Newton wordt gezien loungen op een bank en haar jurk lijkt slordig en ongedaan gemaakt. Haar rokken vloeien vrij op de bank en verschillende strikken en gespen zijn losgemaakt.

Beide vrouwen hebben hun eigen charme en mysterie om zich heen. De jurk zelf betekent de verschillen in de populaire cultuur in die tijd. De ene is traditioneel en conventioneel, terwijl de andere schaamteloos intiem en toch schandalig is voor de kijkers in de 19e eeuw.

Portret van Madame X (1883) door John Singer Sargent

Portret van Madame X door John Singer Sargent , 1883-1884, via het Metropolitan Museum of Art, New York

Wie er voor staat Mevrouw X is verrast door de gestalte en uitstraling van haar portret. John Singer Sargent creëerde een beeld van een vrouw die, hoewel het voor zijn tijd onaanvaardbaar was, een van zijn meest herkenbare en gerespecteerde schilderijen is geworden. Het is een portret van Madame Pierre Gautreau, een Amerikaanse schoonheid gemengd in de Franse high society. Het veroorzaakte zo'n schandaal dat John Singer Sargent zelf Parijs moest verlaten naar Londen.

Hoewel jurken vergelijkbaar met die van haar als kostuums of voor feestjes werden gedragen, werden ze in de dagelijkse samenleving niet versleten. Er zijn bepaalde details die deze jurk zo schandalig maken. Haar korset is extreem gericht naar de onderste helft van haar buik. De scherpe, diepe v-halslijn en bandjes met kralen bedekken nauwelijks haar schouders en laten de intieme delen van een vrouw zien, daarom ongepast om in het openbaar te laten zien.

Avondjurk ontworpen door Hoschedé Rebours , 1885, via het Metropolitan Museum of Art, New York

Nadat Sargent het schilderij had ingediend bij de Parijse Salon van 1884, veroorzaakte het verontwaardiging onder critici en kijkers. Het veroorzaakte controverse voor een getrouwde vrouw van haar klasse om op zo'n provocerende manier in het openbaar te worden gezien. Voor kijkers van de Salon leek het alsof ze onderkleding droeg in plaats van een echte jurk. Het schilderij was schadelijk voor Mme. Gautreau's reputatie als mensen zag haar portret als een weerspiegeling van een wellustige persoonlijkheid.

Het was oorspronkelijk niet de bedoeling dat het een letterlijke vertaling van Mme. Gautreaus karakter. Sargent koos zelf de jurk en haar houding uit, en de rekwisieten lijken op antieke Romeinse beelden zinspelend op Diana, godin van de jacht en de maan . Deze creatie zou hun beide reputaties schaden. Sargent verwijderde uiteindelijk haar naam van het portret en hernoemde het Mevrouw X .

Beroemde jurken in 20e-eeuwse schilderijen

Kunst in de 20e eeuw gericht op abstractie en expressie, ingrijpende veranderingen ondergaan met nieuwe stijlen en thema's. Dit bracht ook de verkenning van nieuwe vormen met zich mee en syntheses van mode en kunst . Hier zijn beroemde jurken te zien op schilderijen tijdens de innovatieve eeuw.

Portret van Adele Bloch-Bauer I (1907) Door Gustave Klimt

Adele Bloch-Bauer I door Gustav Klimt , 1907, via New Gallery, New York

De gouden jurk van Adele Bloch-Bauer shows Gustav Klimt ’s portret van een vrouw die zich niet laat weerhouden door de wereld om haar heen. Vergeleken met andere portretten van high-society dames van haar tijd, valt dit portret op tussen de rest. In plaats van een vrouw uit de hogere klasse te schilderen die in tuinen luiert of op banken leest, transformeert Klimt Adele in een buitenaardse figuur. Haar jurk is een wervelende figuur gevuld met driehoeken, ogen, rechthoeken en iconografie. Er zijn geen tekenen van rechte korsetten of lagen op kledinglagen. In plaats daarvan wordt ze geïllustreerd als ongeremd terwijl ze zweeft in haar wereld van goud. Art Nouveau bevat thema's van de natuur en mythische beelden. Het heeft ook betrekking op de bohemienmode die Klimt zelf droeg en in verschillende andere schilderijen gebruikte.

Emilie Flöge en Gustav Klimt in de tuin van Villa Oleander in Kammer aan de Attersee , 1908, via het Leopold Museum, Wenen

Klimt schilderde vaak ontwerpen van de modeontwerper Emilie Flöge . Ze is niet zo bekend als haar tijdgenoten of voorgangers in de modewereld, maar ze zette klinkende stappen in het creëren van mode voor de vrouwen van haar tijd. Soms was het een gezamenlijke inspanning, aangezien Klimt haar beroemde jurken ook in veel van zijn andere schilderijen gebruikte. De jurken van Flöge hebben losse silhouetten en wijde mouwen, zonder korsetten of andere beperkende onderkleding. De werken van zowel Klimt als Flöge bevorderden een bohemien manier van leven met vage grenzen tussen het traditionele en onconventionele zoals te zien is in het portret van Adele Bloch-Bauer.

De muzikant (1929) Door Tamara Lempicka

De muzikant door Tamara de Lempicka , 1929, via Christie's

Tamara Lempicka creëerde portretten die vrouwelijkheid en onafhankelijkheid in de jaren 1920 verkenden. De art-decoschilder werd bekend door haar portretten van beroemdheden die een gestileerde en gepolijste vorm van Kubisme dat werd haar handelsmerk. Ira Perrot (een goede vriend en liefhebber van Lempicka's) wordt gezien als een letterlijke manifestatie van muziek in De muzikant . Wat het schilderij opvalt, is haar weergave van de blauwe jurk. Lempicka's techniek om scherpe schaduwen te werpen met haar verzadigde kleurenpalet geeft beweging aan de jurk, zodat het lijkt alsof ze in de lucht zweeft. De korte zoomlijn en trapsgewijze plooien van de jurk doen nog steeds denken aan: mode uit de jaren 1920 , wat een keerpunt was in de damesmode. Vrouwen droegen beroemde jurken die hun benen en armen lieten zien, terwijl ze geplooide rokken droegen die het gemakkelijker maakten om in te dansen.

Lempicka werd geïnspireerd door en bestudeerde de werken van meester-renaissancekunstenaars en gebruikte vergelijkbare thema's met een moderne benadering. Traditioneel is de kleur blauw te zien op de gewaden van de Maagd Maria in middeleeuwse of renaissanceschilderijen. Ultramarijnblauw was zeldzaam en werd spaarzaam gebruikt voor belangrijke schilderijen. Hier is Lempicka niet bang om de kleur als dominant brandpunt in het portret te gebruiken. Het is dit blauw, samen met haar uitzonderlijk sterke gebruik van gladde verf, dat de helderheid en gratie van haar vloeiende jurk versterkt.

De twee Frida's (1939) door Frida Kahlo

De twee Frida's door Frida Kahlo , 1939, in Museum of Modern Art, Mexico City, via Google Arts and Culture

Het kleurrijke en handgeweven textiel van Mexico is verweven met de erfenis van Frida Kahlo . Ze omarmde deze kledingstukken als onderdeel van haar erfgoed en draagt ​​ze in meerdere zelfportretten en foto's. De beroemde jurken getoond in Frida Kahlo's De twee Frida's symboliseren haar connecties met beide kanten van haar Europese en Mexicaanse erfgoed.

De Frida aan de linkerkant weerspiegelt haar opvoeding in een gezin uit de hogere middenklasse. Haar vader kwam oorspronkelijk uit Duitsland en haar huiselijke jeugd kende westerse gebruiken. Het witte kant van haar jurk staat symbool voor de stijl die populair is in de Europese mode. Deze verwesterde versie staat in contrast met de wens van de juiste Frida om haar Mexicaanse afkomst te omarmen door een traditionele Tehuana-jurk te dragen. Deze kleding is iets dat werd aangemoedigd door haar man Diego Rivera , vooral in hun strijd voor verandering in hun land. Het toonde haar trots op het dragen van inheemse en traditionele kleding uit Mexico.

Kahlo's kleding is een belangrijk aspect van haar leven en werk. Nadat ze als kind polio had opgelopen, was een van haar benen korter dan de andere. Haar kleurrijke rokken werden een manier voor haar om haar been te verbergen op een manier die haar beschermde tegen kritisch onderzoek. Haar garderobe omvatte Tehuana-jurken, huipil-blouses, rebozo's, gebloemde hoofddeksels en antieke sieraden. Deze kledingstukken zijn belangrijk om op te merken als je naar werken van Kahlo kijkt, omdat ze een illustratie zijn van haar liefde, pijn en lijden dat ze in haar werk verwerkt.