Surrealistische kunst en hun kunstenaars
De bedreigde moordenaar door René Magritte, 1927, MoMA
Surrealisme was een avant-garde artistieke en literaire beweging die ontstond in het begin van de 20e eeuw. Het richtte zich op diepe emotionele expressie door middel van artistieke creatie en vrije associatie. Het leunde zwaar op de psychoanalyse, die in het onderbewustzijn dook om onderdrukte driften of trauma's te identificeren. Surrealisme vertegenwoordigde een keerpunt in het modernisme en de functie van kunst in de samenleving, aangezien het afweek van de traditionele esthetiek ten gunste van zelfanalyse. Hieronder staan 10 beroemde schilderijen van de beweging en hun kunstenaars.
Dada en vroege surrealistische kunst
Het surrealisme werd sterk beïnvloed door de avant-garde beweging genaamd dadaïsme . Net als het surrealisme moedigde het dadaïsme niet-traditionele artistieke stijlen, ironie en verkeerde beelden aan. André Breton , de grondlegger van het surrealisme, was ook een belangrijk lid van de dadaïst beweging en creëerde de automatische methode: van vrije associatie, wat een belangrijke invloed zou hebben op de surrealistische kunst en literatuur.
Celebes (1921) door Max Ernst
Celebes door Max Ernst , 1921, Tate
Max Ernst was een Duitse kunstenaar, beeldhouwer en dichter die een belangrijk lid was van zowel de dada- als de surrealistische beweging. Zijn werk staat bekend om zijn experimenten met illusie en het irrationele en hij werd een vooraanstaand lid in het gebruik van Automatisme . Hij pionierde ook een methode genaamd ' wrijven ', wat erin bestond papier op oneffen oppervlakken te leggen en er vervolgens een potlood over te wrijven om het silhouet van het oppervlak te creëren.
Celebes toont een Soedanese maisbak die is omgevormd tot een mechanisch olifantachtig monster. Zoals veel surrealistische schilderijen, speelt het stuk zich af in een uitgestrekt, desolaat landschap. Op de voorgrond van het stuk is een onthoofde vrouwenfiguur. Er zijn talloze elementen van onsamenhangende iconografie, waaronder vliegende vissen, olieblikken en een paal alsof het afbeeldingen uit een droom zijn. Deze ogenschijnlijk willekeurige elementen zijn producten van surrealistisch automatisme en de vrije associatie van de onbewuste geest.
Geniet je van dit artikel?
Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren
Dank je!Carnaval van Harlequin (1924-25) door Joan Miró
Carnaval van Harlekijn door Joan Miro , 1924-25, Albright-Knox Art Gallery
Joan Miro was een Spaanse kunstenaar en een prominent lid van de 20e-eeuwse avant-garde. Zijn werk kenmerkte zich door fel kleurgebruik, geometrische vormen en perspectiefverschuivingen. Hij gebruikte deze elementen om simplistische maar suggestieve abstracte stukken te creëren. Er zijn twee musea gewijd aan zijn werk, één in Barcelona getiteld Stichting Joan Miró en de andere in Mallorca genaamd Stichting Pilar I Joan Miró.
Het carnaval van de harlekijn richt zich op een gefragmenteerde harlekijn op een carnavalsscène. Het kleurenpalet bevat primaire kleuren tegen een grijze achtergrond. Het is een voorbeeld van de symboliek en vrije associatie van het surrealisme met losgekoppelde elementen die samenkomen om een samenhangend stuk te vormen. Het achtergrondvenster heeft een geometrische, geabstraheerde zon en berg. Veel van de figuren op het schilderij zijn antropomorf en lijken te dansen, wat het onzinnige karakter van de scène benadrukt.
Surrealistische kunst en de verkenning van het onbewuste
Beïnvloed door de psychoanalytische theorie, gebruikten surrealisten kunst om in het onbewuste te graven. Dit was een methode van zelfanalyse, het ontsluiten van onderliggende attitudes, verlangens of trauma's en deze symbolisch omzetten in kunst. Het gebruik van psychoanalyse resulteerde in zeer emotionele, viscerale en vaak schokkende beelden.
De grote masturbator (1929) door Salvador Dalí
De grote masturbator door Salvador Dali , 1929, Reina Sofia National Art Center Museum
Salvador Dali was een Spaanse kunstenaar en een vooraanstaand lid van de surrealistische beweging. Zijn werk stond bekend om zijn droomachtige landschappen en bizarre beelden. Hij werd sterk beïnvloed door de freudiaanse psychoanalyse en gebruikte kunst om door middel van symboliek in het onbewuste te graven. Terwijl hij zijn carrière uitbreidde naar andere kunststromingen, waaronder: Kubisme en gebruikte media zoals beeldhouwkunst, prentkunst en schrijven, stond hij vooral bekend om zijn surrealistische beeldende kunst.
De grote masturbator toont een grote, amorfe figuur gebaseerd op een Catalaanse rotsformatie. Een profiel dat lijkt op Dalí's vrouw Gala steekt uit de bovenkant van de figuur en wordt omringd door andere groteske lichaamsvormen. Kleine figuren staan onder de grote formatie in het kenmerkende Catalaanse landschap van Dalí. Zoals veel surrealistische schilderijen, suggereert de combinatie van individuele elementen vrije associatie, die allemaal samen Dalí's gezamenlijke fascinatie en afkeer van geslachtsgemeenschap vertegenwoordigen.
The Broken Column (1944) door Frida Kahlo
De gebroken kolom door Frida Kahlo , 1944, Dolores Olmedo-museum
Frida Kahlo was een Mexicaanse schilder en een prominente bijdrage aan de surrealistische beweging. Ze stond vooral bekend om haar zeer autobiografische zelfportretten. Deze portretten belichtten vaak haar levenslange worsteling met ziekte en handicap, met zeer persoonlijke en soms verontrustende beelden. Haar werk putte ook veel inspiratie uit de Mexicaanse cultuur en omvatte vaak traditionele Mexicaanse iconografie of kleding, felle kleuren en bloemen.
De gebroken kolom staat voor de beperkingen van een handicap in het leven van Kahlo. Op 6-jarige leeftijd kreeg ze polio, waardoor ze permanent mank liep. Ze was later betrokken bij een busongeluk, waarbij een metalen paal haar bekken spietste en haar voor de rest van haar leven invalide maakte. Op het schilderij daagt ze een rugbrace uit, die ze na haar ongeluk moest dragen. Haar ruggengraat wordt gesymboliseerd door een oude Griekse zuil die gefragmenteerd is in haar lichaam om haar fysieke kwetsbaarheid na haar ongeluk te vertegenwoordigen. Ze wordt ook gepenetreerd door vele nagels, die haar constante pijn en kwetsbaarheid vertegenwoordigen.
Object in Fur (1936) door Meret Oppenheim
Object in Fur door Meret Oppenheim , 1936, MoMA
Meret Oppenheim was een Zwitsers-Duitse kunstenaar en een prominente bijdrage aan de surrealistische beweging. Haar werk was gericht op feminisme en de onderwerping van vrouwen in de samenleving door de versnippering van vrouwelijke lichamen. Ze was nauw verbonden met andere avant-gardekunstenaars en poseerde voor Man straal en samenwerken met Pablo Picasso . Ze stond ook bekend om het experimenteren met niet-traditionele materialen in de kunst.
Object in Fur is een theekopje en lepel sculptuur bedekt met dierenbont. Het werd geïnspireerd door een gesprek tussen Oppenheim, Picasso en Dora Maar in een café in Parijs, waar de kunstenaars het erover eens waren dat bont elk voorwerp kon bedekken, ongeacht de alledaagsheid. Het is een voorbeeld van de dada en surrealistische ‘ gevonden object ' sculptuurtype, dat niet-traditionele of gewone objecten gebruikte en combineerde als artistieke sculpturen. Object in Fur staat bekend om zijn combinatie van huiselijkheid en erotiek en blijft een van de meest invloedrijke kunstwerken van de 20eeeuw.
Henry Ford-ziekenhuis (1932) door Frida Kahlo
Henry Ford-ziekenhuis door Frida Kahlo , Dolores Olmedo-museum
Henry Ford-ziekenhuis portretteert Kahlo die in een ziekenhuisbed ligt na een miskraam. Ze staat centraal op het schilderij, bloedend en omringd door afbeeldingen van vruchtbaarheid, gezondheid en bevalling. Achter haar staan beelden van stedelijk industrialisme. Een busongeluk tijdens haar jeugd had haar bekken en ruggengraat verbrijzeld, haar voor het leven uitgeschakeld en haar onvruchtbaar gemaakt. Het stuk verbeeldt daarom haar blijvende gevoelens van kwetsbaarheid, hulpeloosheid en pijn die werden veroorzaakt door haar ongeluk en haar worsteling met vrouwelijkheid en onvruchtbaarheid.
Beroemde motieven van surrealistische kunst
De verkenning van de surrealistische geest leverde abstracte, droomlandschapsbeelden op met paradoxale onderwerpen en symboliek. Om deze onzinnige scènes met elkaar te verbinden, gebruikten surrealisten herhaalde motieven alsof ze deel uitmaakten van een terugkerende droom. Deze motieven werden herkenbare en zelfs iconische symbolen van de surrealistische kunst.
De lamp van de filosoof (1936) door René Magritte
De lamp van de filosoof door René Magritte , prive collectie
René Magritte was een Belgische kunstenaar en een productief lid van de surrealistische beweging. Hij heeft talloze surrealistische meesterwerken gecreëerd en bleef gedurende zijn hele carrière een blijvende bijdrage leveren aan de periode. Zijn kunst stond bekend om zijn elementen van illusionisme, ironie en humor. Hij introduceerde ook verschillende iconische motieven in de beweging, waarvan de meest bekende een tabakspijp is. Hij werd beïnvloed door collega-kunstenaars Max Ernst en Giorgio de Chirico .
De lamp van de filosoof kenmerkt Magritte's gebruik van het pijpmotief. Het is een zelfportret dat het profiel van Magritte voorstelt met een tafel op de achtergrond. Magrittes neus steekt, bijna als een olifantenslurf, in de pijp, alsof hij de intelligentie van de filosoof parodieert. Op de tafel achter hem staat een kaars die zich uitstrekt als een slang, een worm of een snoer van een elektrische lamp. Het stuk zit vol met humoristische ironie en onrealistische elementen, die de satirische aard van het surrealisme illustreren.
De volharding van het geheugen (1931) door Salvador Dalí
De volharding van het geheugen door Salvador Dali , 1931, MoMA
De volharding van het geheugen is een van de bekendste surrealistische meesterwerken en introduceert het smeltende klokmotief van Dalí in het 20e-eeuwse modernisme. Het stuk speelt zich af langs een Catalaanse kustlijn met de zee op de achtergrond. Centraal op het schilderij staat een slappe vorm die lijkt op een gezichtsprofiel, omringd door smeltende klokken en een stopwatch. Het vestigt de aandacht tussen noties van tijd en werkelijkheid, verwijzend naar de oneindige metamorfose van de wereld waarin we leven.
Gradiva (1939) door André Masson
Materialen door André Masson , 1939, privécollectie
André Masson was een Franse kunstenaar die verbonden was met het surrealisme, hoewel hij zich nooit formeel identificeerde als onderdeel van de beweging. Zijn werk stond bekend om zijn oude Grieks-Romeinse iconografie en de weergave van grotesk gewelddadige en erotische beelden. Hij was ook een pionier van het automatisme en blijft een van de belangrijkste invloeden.
Materialen vertegenwoordigt een personage uit de roman van Wilhelm Jensen uit 1902 'Materialen' die gecentreerd rond een jonge archeoloog die waanideeën van een oud standbeeld ervaart. Gradiva, het object van de obsessie van de archeoloog, werd vervolgens door Freud en de surrealisten geadopteerd als een symbool van verlangen. Het schilderij toont een scène uit de roman in Pompeii, waarin Gradiva in steen verandert. Het bevat metamorfe, gewelddadige en erotische beelden en vertegenwoordigt een moment van seksuele voltooiing. Hoewel Materialen Massons beroemdste voorbeeld van Grieks-Romeinse beeldspraak in de schilderkunst is, herhaalde hij het thema in zijn oeuvre.
De Mensenzoon (1964) door René Magritte
De Mensenzoon door René Magritte , 1964, privécollectie
De Mensenzoon is een zelfportret van Magritte voor de zee, gekleed in een pak en bolhoed. Zijn gezicht wordt verduisterd door een groene appel, maar de kijker kan zijn ogen over de rand zien uitsteken. Het thema van het verduisterde gezicht komt voor in twee van Magrittes andere schilderijen die in dezelfde periode zijn gemaakt, De grote Oorlog (1964) en De smaak van het onzichtbare (1964). Het is een van Magrittes meest bekende schilderijen en wordt voortdurend herhaald in de moderne popcultuur.