Modernisme definiëren door middel van 5 feiten en 12 kunstwerken

Dans door Henri Matisse , 1909-1910, via Hermitage Museum, Sint-Petersburg; met Compositie met rood, blauw en grijs door Piet Mondriaan, 1927; en Vrouwen II. door Willem de Kooning, 1952

Zoals elke andere beschrijving van een tijdperk in de kunst, zijn ‘modernisme’ en ‘moderne kunst’ moeilijk precies te definiëren. De reden is dat dergelijke categorieën in zekere zin subjectief zijn en daarom altijd controversieel zullen blijven. Met de term ‘modernisme’ spreken we meestal van een mondiale beweging die zich zowel sociaal als cultureel aan het eind van de 19e en het begin van de 20e eeuw in de landen van de westerse wereld voordeed. Vooral in de beeldende kunst betekende de term een ​​breuk met bijna alles wat er eerder in de kunst gebeurde. En het beschrijft de zoektocht naar nieuwe expressiemiddelen.

Nummer 14 door Jackson Pollock , 1951, via Tate, Londen

Omsloten door grote sociale, culturele en politieke omwentelingen, wordt 'modernisme' beschouwd als een periode van innovatie en experimenten. De term 'modernisme' in de kunst varieert grofweg van het realisme van kunstenaars als Gustave Courbet tot de abstractie van de jaren zestig. Hieronder lichten we ‘modernisme’ nader toe aan de hand van 5 feiten en 12 kunstwerken.

1. Modernisme beschrijft niet één enkele stijl

De Japanse voetgangersbrug door Claude Monet , 1899, via National Gallery of Art, Washington D.C.

Meestal wordt de beschrijving van een tijdperk gemaakt op basis van de overeenkomsten in de kunstwerken die in een speciale periode zijn gemaakt. hedendaagse kunst , is echter niet zo eenvoudig te beperken - integendeel. In plaats van één stijl ontstonden er in de modernistische periode veel verschillende stijlen en kunstvormen. Veel van de nieuwe kunstvormen en stijlen hebben één ding gemeen: veel hebben het achtervoegsel -isme op hun naam. Deze omvatten bijvoorbeeld Impressionisme , die werd gevolgd door Expressionisme . Maar ook Kubisme en fauvisme vallen in de categorie van 'modernisme'.

Viool en werper door George Braque , 1910, via Kunstarchief

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

In deze sectie zie je één werk van elk van de kunstenaars Claude Monet en George Braque . Op het eerste gezicht kunnen deze kunstwerken niet meer van elkaar verschillen. Zowel de techniek als de kleuren en motieven zijn fundamenteel verschillend. De twee werken hebben echter meer gemeen dan je in eerste instantie zou vermoeden. Beide schilderijen zijn ontstaan ​​tijdens de modernistische periode in de kunst. Wat hen nog steeds verenigt, zal worden getoond in de volgende uitleg.

2. Modernistische kunstenaars betwijfelden of verwierpen zelfs conservatieve waarden

Het tijdperk van het modernisme in de kunst werd ingeluid toen steeds meer kunstenaars klassieke kunstprincipes verwierpen en traditionele ideeën over kunst steeds meer verwierpen. Kunstenaars als Claude Monet onthielden zich van het zo realistisch mogelijk afbeelden van de wereld in hun schilderijen, zoals dat werd geleerd in de Renaissance voordat. In plaats daarvan was hij, net als veel andere kunstenaars, bezig met een subjectieve uitdrukking van perceptie. Dit betekende ook dat kunstenaars als Monet vragen stelden over het zien als zodanig. Een objectief idee van zien werd op de proef gesteld en werd steeds meer vervangen door een subjectief idee van zien.

De Schreeuw door Edvard Munchu , 1893, via het Munch Museum, Oslo

Laten we eens kijken naar Edvard Munch het beroemde schilderij De Schreeuw (1893). Met dit kunstwerk laat Edvard Munch zien hoe plotselinge opwinding al onze zintuiglijke indrukken verandert. Alle lijnen in het schilderij leiden naar het schreeuwende hoofd in het midden van het schilderij. De wilde mengeling van felle kleuren en organische lijnen versterken de indruk van de uitbarsting van emotie. In dit schilderij van de Noorse kunstenaar wordt iets heel duidelijk: schilderen in het ‘modernisme’ gaat noch over waarheden van de natuur, noch over de presentatie van ideale schoonheden. Wat telt is de pure uitdrukking van emotie, zelfs als dit betekent dat een figuur wordt vervormd tot op het punt van lelijkheid.

3. Modernisme staat voor innovatie en experiment

Moderne kunst werd sterk beïnvloed door de sociale en politieke gebeurtenissen van de late 19e en vroege 20e eeuw. De eeuwwisseling vertegenwoordigt een van de grootste historische omwentelingen voor westerse samenlevingen. In deze periode kwam de industrialisatie echt op gang, het kapitalisme kreeg steeds meer voet aan de grond, er waren uitvindingen zoals de spoorlijn en de Eerste Wereldoorlog. Dit alles confronteerde mensen met het onvoorziene. Deze ontwaking en omwenteling was ook voelbaar in de kunst. Er waren veel innovaties en mensen experimenteerden met vormen, kleuren, lijnen en motieven zoals ze nog nooit eerder hadden gedaan.

Les Demoiselles d'Avignon door Pablo Picasso, 1907, via MoMA, New York

Een goed voorbeeld van deze ontwikkeling is het kunstwerk van Pablo Picasso De dames van Avignon (1907). Als je vandaag naar dit schilderij kijkt, zou je bijna kunnen denken dat Picasso dit werk schilderde om de westerse schilderkunst van de grond af te veranderen. Hier speelt de kunstenaar niet alleen met de vorm van het vrouwelijk lichaam door het te combineren met geometrische vormen, maar de gezichten van de vrouwen werden geïnspireerd door Afrikaanse kunst . Beide kunnen worden gezien als elementen van een picturale revolutie.

Volwassenheid door Hilma af Klint , 1907, via Hart & Kunst

Ook de abstractie vond in de tijd van het modernisme zijn weg naar de kunst. De Zweedse artiest Hilma van Klint wordt vandaag beschouwd als een pionier van abstracte kunst , samen met artiesten als Wassily Kandinsky . In haar kunst maakte ze een picturale ontwikkeling door van naturalistische kunst naar abstracte kunst. Hilma af Klint schilderde haar eerste abstracte schilderijen al rond 1906.

4. De nadruk lag vaak op materiaal, kleur, techniek en proces

Compositie met rood, blauw en grijs door Piet Mondriaan , 1927, via Sotheby's

Of het nu gaat om de penseelstreken van een Claude Monet, de kleurvlakken op een werk van Piet Mondriaan of verfspatten op een action painting van Jackson Pollock – in de tijd van het modernisme kwamen materiaal, kleur, techniek en schilderkunstige procedé op de voorgrond in het werk van vele kunstenaars.

Toch hoeven de schilderijen op geen enkele manier te worden overladen. Vaak is het zelfs de totale reductie die voor een bijzondere focus zorgt. Enkele goede voorbeelden hiervan zijn de monochrome werken van de Franse kunstenaar, Yves Klein .

Zonder titel Blauw Monochroom (IKB 239) door Yves Klein , 1959, via Sotheby's

Yves Klein wordt beschouwd als een kunstenaar van de avant-garde . Vooral zijn monochrome beeldcomposities, die hij creëerde in een door hemzelf ontwikkeld ultramarijnblauw, zijn beroemd geworden. De kleur draagt ​​de officiële naam International Klein Blue. In zo'n blauwe foto wordt de kleur het enige motief en trekt zo meteen de aandacht van de kijker.

5. Clement Greenberg: een belangrijke theoreticus van het (abstracte) modernisme

Een naam die zeker de moeite waard is in verband met moderne kunst is Clement Greenberg. De kunstcriticus Clemens Greenberg is zoiets als het hoofd van de laatmoderne schilderkunst. Greenberg was ervan overtuigd dat kunst teruggebracht moest worden tot de meest basale elementen: tot het oppervlak en de kleur ervan. Zo propageerde de Amerikaanse theoreticus voornamelijk Abstract expressionisme en kleur oppervlakte schilderen.

Een nobele heldhaftige man door Barnett Newman , 1950/51, via MoMA, New York

Kunstenaars als Jackson Pollock, Willem de Kooning en Barnett Newman danken hun bekendheid en internationale erkenning aan de invloed en steun van Clemens Greenberg . Een van de beroemdste geschriften van Clement Greenberg is: Op weg naar een nieuwer Laocoon (1940). De titel verraadt het al: Greenberg verwijst met zijn schrijven naar een beroemde tekst van Gotthold Ephraim Lessing. Net als Lessing wilde ook Greenberg de kunsten scheiden in hun disciplines. Hij noemt de beeldende kunst de hoogste kunst. De kracht van de schilderkunst, legt hij uit in zijn essay, wordt pas zichtbaar als ze afstand doet van alle verhalen. Dat is precies wat de avant-garde zich in zijn schilderkunst heeft gesteld, zoals we op de vorige schilderijen kunnen zien.

Vrouwen II. door Willem de Kooning , 1952, via MoMA, New York

Laten we dus opmerken: ‘modernisme’ is de term voor een periode aan het einde van de 19e en het begin van de 20e eeuw. In die tijd droegen grote sociale en culturele veranderingen ertoe bij dat de kunst op het punt stond te veranderen. Moderne kunst is geenszins te herleiden tot een paar gelijkaardige kenmerken. Er zijn echter enkele kenmerken waarmee moderne kunst kan worden gedefinieerd. Er was een geest van een nieuw begin in de kunst en de moed om te experimenteren. Tijdens het modernistische tijdperk trokken kunstenaars conservatieve waarden en traditionele opvattingen over kunst in twijfel. Ze drukten zich uit met kleur, vormen, lijnen en technieken en baanden zo de weg naar abstractie. Een belangrijke theoreticus in de ontwikkeling van de moderne kunst is de Amerikaanse kunstcriticus Clement Greenberg. Zijn geschriften geven beslissende antwoorden op de vraag hoe moderne kunst eruit moet zien.