6 redenen waarom we openbare kunst nodig hebben

Mijn God, help me deze dodelijke liefde te overleven door Dmitri Vrubel, 1990 (links); met A Surge of Power door Marc Quinn, 2020 (rechts)

Openbare kunst reikt verder dan de galerieruimte en de echte wereld in, waarbij een groot publiek uit alle lagen van de bevolking wordt aangesproken. Niet langer beperkt tot herdenkingsbeelden met mannen en paarden, hebben hedendaagse kunstenaars de reikwijdte van openbare kunst verbreed tot een breed scala aan media, van gespiegelde abstracties tot daden van politiek protest. Omdat publiek geld vaak de productie van openbare kunst financiert, kunnen de meningen verdeeld worden, zeker als de kunst het gebruik van de openbare ruimte verandert.

Maar veel van de beste openbare kunst van vandaag is gericht op rechtstreeks contact met gemeenschappen en het belichten van lokale of nationale kwesties - sommige openbare kunstwerken hebben zelfs geleid tot stadsvernieuwingsprojecten of sociale hervormingen. Er zijn verschillende stichtingen opgericht om de voortdurende ontwikkeling van tijdelijke en permanente openbare kunstprojecten aan te moedigen, waaronder: Het Openbare Kunstfonds in New York, The Greater Des Moines Public Art Foundation in Iowa en De Vereniging voor Openbare Kunst in Filadelfia. Hieronder staan ​​6 redenen waarom we openbare kunst nodig hebben in de moderne samenleving.

Een korte geschiedenis van openbare kunst

Generaal Ulysses S. Grant door Daniel Chester en Edward C. Potter , 1897, via The Association for Public Art, Philadelphia

Openbare kunst bestaat al sinds de oudheid. Enkele van de vroegste vormen in de Romeinse en Renaissance waren metselwerk of standbeelden ter herdenking van keizers , royalty's of mythische personages als goddelijke figuren die vanuit de hoogte op het publiek neerkijken. de 18een 19eeeuwen voortgezet met deze traditie van voornamelijk mannelijke leiders als geïdealiseerde en intimiderende totems van absolute macht, waarvan er vele nog steeds bestaan ​​in steden over de hele wereld, hoewel sommige de meest problematische figuren uitbeelden zijn vernield, verwijderd of vernietigd.

Tijdens de 20een 21steeuw werd de reikwijdte van de openbare kunst enorm uitgebreid. Een groter politiek doel werd geïnvesteerd in openbare kunstprojecten, zoals te zien is in de idealistische propagandakunst van het Sovjet-socialistisch realisme, nationalistische Mexicaanse muurschilderingen ,en Chinese kunst rond de Culturele Revolutie. Een van de meest prominente en omstreden locaties voor geïmproviseerde openbare kunst was de Berlijnse Muur, waarvan een deel nog steeds bestaat als een openluchtlocatie die bekend staat als de East Side Gallery bewaard door de Berlin Wall Foundation.

Mijn God, help me deze dodelijke liefde te overleven door Dmitry Vrubel , 1990, East Side Gallery Berlijnse Muur, via Lonely Planet

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Op weg naar de latere 20eeeuw de opkomst van land kunst , straatkunst , performance en graffiti vormden een geheel nieuwe benadering van openbare kunst, waarbij het ontoegankelijke gemonteerde monument werd vervangen door betrokkenheid en interactiviteit. De Duitse kunstenaar Joseph Beuys deed tijdelijke interventies om ons ecologische geweten weer wakker te maken, zoals: 7.000 eiken, 1982. Feministische artiesten, waaronder: Barbara Kruger en de guerrillameisjes verkende posters in propaganda-stijl die kijkers tot actie aanzetten. Keith Haring's briljant gekleurde muurschilderingen gericht op stadsvernieuwing. Sindsdien breiden de vele rollen van openbare kunst zich steeds verder uit in nieuwe richtingen, maar bijna altijd met een moreel of sociaal geweten. Laten we eens kijken naar enkele van de belangrijkste redenen waarom we deze democratische en politiek bewuste kunstvorm vandaag nog steeds nodig hebben.

Openbare ruimtes verlevendigen

Robert Towne door Sarah Morris , 2006-07, via Public Art Fund, New York

Een van de meest toegankelijke en boeiende taken van openbare kunst vandaag de dag is het verlevendigen of vernieuwen van openbare ruimtes. Naast het transformeren van sites door middel van levendige kleuren en oogverblindende patronen, nodigen veel openbare kunstvormen ook uit tot diepere theoretische beschouwing van de omgeving eromheen. De site-specifieke installatie van Sarah Morris Robert Towne, 2006-07, bedekte het plafond op de open begane grond van Lever House in Park Avenue in New York.

Hoewel het gebouw, ontworpen door Gordon Bunshaft in 1951, wordt erkend als een iconisch monument, veroorzaakte zijn keuze om de hele begane grond als een open arcade voor openbaar gebruik te verlaten, controverse, waarbij velen het als te donker, gevaarlijk en onbruikbaar bestempelden. Morris' oogverblindend heldere installatie brengt deze eens zo sombere, brutalistische site tot leven met elkaar kruisende scherven van kleur en lijn geïnspireerd door de architectuur en kleur van L.A. Daarbij nodigt ze ons uit om vergelijkingen te maken tussen de twee toonaangevende maar architectonisch diverse steden New York en L.A. In een verdere knipoog naar L.A. noemde ze het werk naar de legendarische Hollywood-schrijver, regisseur, producent en acteur Robert Towne.

Een politiek doel ontsteken

Berlijn Project door Ai Weiwei , 2017, Berlijn, via International Business Times

Sinds de jaren zestig hebben veel kunstenaars guerrilla-achtige openbare kunstprotesten ondernomen ter ondersteuning van politieke doelen, van postercampagnes tot geïmproviseerde uitvoeringen en pop-upinterventies. En zoals ze hebben bewezen, is kunst een van de krachtigste en meest suggestieve middelen om de aandacht te trekken. Chinese kunstenaar Ai Weiwei is geen onbekende in controverse en heeft carrière gemaakt door politiek activisme te combineren met kunst. In 2017 verzamelde hij 14.000 afgedankte oranje reddingsvesten die ooit door vluchtelingen waren gedragen en hing ze aan de buitenpilaren van Concertzaal van Berlijn in Duitsland. Hij droeg de provocerende installatie op aan vluchtelingen die op zee waren omgekomen in een poging om het door oorlog verscheurde Midden-Oosten en Noord-Afrika te ontvluchten, waardoor hij bewust werd gemaakt van de onbegrijpelijke omvang van de humanitaire crisis.

Een stroomstoot door Marc Quinn , 2020, met demonstrant Jen Reid in Bristol, via The London Economic

Meer recent, toen een Black lives matter groep demonstranten haalde een standbeeld van slavenhandelaar Edward Colston in Bristol, Engeland 2020 neer, ze lieten een lege sokkel achter. Britse artiest Marc Quinn zag een kans en greep die, waarbij ze snel een sculptuur van hars en staal produceerde van de jonge zwarte vrouwelijke activist Jen Reid met haar arm uitdagend omhoog. Zonder op toestemming te wachten, sloop Quinn midden in de nacht naar buiten en installeerde zijn sculptuur van Reid op de lege sokkel, met de opmerking: het is nu tijd voor directe actie. Hoewel het beeldhouwwerk van Quinn later werd verwijderd, werd zijn boodschap luid en duidelijk gehoord, wat een razernij van media-aandacht trok.

Een waarschuwing over de toekomst

Ijs horloge door Olafur Eliasson , 2018, Londen, via Phaidon Press

Gezien de enorme omvang van de klimaatveranderingscrisis, is het misschien geen verrassing dat kunstenaars ervoor hebben gekozen om het onderwerp aan de orde te stellen via openbare kunst. Een van de meest directe en confronterende projecten was de Deens-IJslandse kunstenaar Olafur Eliasson's Ijs horloge, die hij tussen 2014 en 2018 maakte voor locaties in Kopenhagen, Parijs en Londen. Om het werk te maken, hakte hij twaalf enorme blokken gletsjerijs van de Groenlandse ijskap en vervoerde ze naar prominente stedelijke locaties voordat hij ze in een klokformatie rangschikte. Terwijl het ijs langzaam smelt, worden kijkers geconfronteerd met de tastbare realiteit van smeltend poolijs dat voor altijd verdwijnt, terwijl de klokopstelling het onvermijdelijke verstrijken van de tijd versterkt.

Een spektakel maken

Cloud Gate door Anish Kapoor , 2004, Chicago, via de website van Anish Kapoor

Enkele van de meest gedenkwaardige openbare kunst is wild, speels en belachelijk, waardoor we het gewone kunnen overstijgen in een kinderlijk rijk van spektakel en verwondering. Anish Kapoor's immens beeldhouwwerk Cloud Gate , 2004, oftewel de boon is gemaakt voor Chicago's Millennium Park van maar liefst 168 roestvrijstalen platen en is meer dan 10 meter hoog en 20 meter breed. Ondanks zijn kolossale afmetingen geeft het gespiegelde oppervlak het iconische herkenningspunt van Kapoor een heldere, gewichtloze kwaliteit, terwijl de gebogen contouren het stadsbeeld eromheen uitrekken en vervormen tot constant veranderende patronen van kleur en licht.

De Londense Mastaba door Christo , 2018, Londen, via Wallpaper Magazine

Dezelfde kwaliteit van spektakel werd omarmd door het overleden artistieke duo Christo en Jeanne-Claude van de jaren zestig tot het overlijden van Christo in 2020. De enorme Londen Mastaba, 2018, werd geïnstalleerd in Serpentine Lake in Londen en gemaakt van een verbazingwekkende stapel van meer dan 7.000 geverfde, gestapelde vaten in een duizelingwekkende reeks zuur-heldere kleuren. De vaten waren op een stalen frame geplaatst om te lijken op de mastaba's of vroege constructies met platte daken uit de oude stad Mesopotamië . Maar uiteindelijk beweert Christo dat het de formele kwaliteiten zijn die er het meest toe doen, en merkt op: de kleuren zullen veranderen met de veranderingen in het licht en de weerspiegeling ervan op het Serpentine-meer zal als een abstract schilderij zijn.

Hoop brengen

Meisje Met Ballon door Banksy , 2002, Londen, via Moco Museum, Amsterdam

Naast grootse gebaren en vurige politiek, speelt veel van de hedendaagse openbare kunst in op onze meest kwetsbare behoeften en verlangens, door krachtige boodschappen van hoop of geruststelling over te brengen. Veel gevierde graffitikunstenaar Banksy's gestencilde muurschildering Meisje met ballon, 2002 is een van de meest populaire en iconische motieven van de 21steeuw. Oorspronkelijk gemaakt voor de South Bank Bridge in Londen toont het een jong meisje dat reikt naar een rode, hartvormige ballon die wordt weggevaagd door de wind, vergezeld van de eenvoudige slogan er is altijd hoop. De onschuld van het jonge meisje en het schitterende rood van haar hartvormige ballon vormden onze diepgewortelde behoefte aan liefde, veiligheid en vrijheid. Hoewel het originele werk een daad van vandalisme was die later werd verwijderd, leeft het beeld voort via digitale reproducties.

Werk nr. 203: ALLES KOMT GOED door Martin Creed , 1999, via Tate, Londen

Zoals Banksy, Britse artiest Martin Creed onderzoekt de open emotionele resonantie van tekst in openbare kunst. Zijn neontekstkunstwerk Werk nr. 203: ALLES KOMT GOED, 1999, is ontworpen voor de gevel van de Clapton Portiek in Hackney , Oost-Londen, maar hij heeft sindsdien verdere versies van het werk opnieuw geconfigureerd voor een reeks andere locaties. Deze oorspronkelijke locatie in de Portico huisvestte ooit het Londense weeshuis voordat het werd gekocht door het Leger des Heils, maar in recentere tijden was het gebouw in een staat van verval geraakt.

De tekstkunst van Creed bood hoop voor deze verlaten site en het gebouw is sindsdien omgebouwd tot een deel van de Clapton Girls Academy. Maar zoals bij veel van Creeds werk, schuilt er een hint van onderliggende onzekerheid onder zijn tekst, wat de behoefte aan geruststelling benadrukt. Zoals schrijver Dave Beech opmerkt, zegt de neon dat alles goed komt, maar de kunst is niet zo zeker.

Gedenktekens uit het verleden

Holocaustmonument Judenplatz door Rachel Whiteread , 2000, Wenen, via Widewalls

De meest traditionele rol van openbare kunst als herdenkingsmonument bestaat nog steeds en dient als een krachtige en soms schrijnende herinnering aan het verleden. De plechtige en sfeervolle Britse beeldhouwer Rachel Whiteread Holocaustmonument Judenplatz , 2000, in Wenen, ook wel bekend als de naamloze bibliotheek, beschrijft hoe openbare kunst deze gewichtige positie van collectieve herinnering kan dragen. Opgedragen aan de duizenden slachtoffers van het nazisme, ziet deze enorme, sobere plaat van beton eruit als een gesloten, ontoegankelijk gebouw met rij na rij boeken die naar binnen zijn gekeerd tegen de muur, zodat we alleen hun gesloten pagina's zien.

Dit griezelig stille, geheimzinnige monument lijkt op de privévertrekken van een ondergrondse militaire bunker en laat zien hoeveel verhalen onverteld en ongelezen zullen blijven. Maar het is een blijvend, permanent bewijs van het onoverkomelijke verlies van mensenlevens en, zoals schrijver Adrian Searle opmerkt, zal het niet verdwijnen in vergetelheid of het alledaagse. Het is een plek waar herinneringen gebeuren.

Erfenis van openbare kunst

De reikwijdte van openbare kunst blijft zich uitbreiden in ongekende richtingen terwijl kunstenaars voortbouwen op de krachtige en emotionele erfenis van hun voorgangers. Door de steun en financiering van openbare kunststichtingen en de lokale overheid, blijven kunstenaars steeds avontuurlijkere tijdelijke en permanente kunstprojecten in de open lucht brengen in steden en openbare ruimtes over de hele wereld. Buiten de traditionele galerij kan kunst op een meer direct, confronterend en intiem niveau communiceren en contact maken met het publiek, en ons uitnodigen om de wereld om ons heen op nieuwe en onverwachte manieren te zien.