De meest schokkende en controversiële kunst ooit gemaakt

Stuart Brisley, And For Today ... Nothing, 1972, performance, Gallery House, Goethe Institute, Londen

Door de geschiedenis heen hebben kunstenaars gezocht naar manieren om traditie op te schudden en de rol van kunst in vraag te stellen. Hun moed is spannend geworden nieuwe wegen in de kunst en veranderde onze manier van kijken naar de wereld op verrassende en onverwachte manieren. Maar risico's nemen brengt een prijs met zich mee en loont niet altijd, althans niet tijdens het leven van de kunstenaar. Enkele van de meest revolutionaire kunstenaars aller tijden zijn publiekelijk beschaamd, naar de gevangenis gestuurd of bijna gestorven in naam van grote kunst. Laten we een kijkje nemen in de kunstgeschiedenis naar enkele van de meest schokkende en controversiële kunst die ooit is gemaakt.

1. Michelangelo, Het laatste oordeel, De Sixtijnse Kapel, 1541

Michelangelo, Het Laatste Oordeel (detail), 1541, via NY Post

Vanaf het moment van de onthulling in 1541, de wild chaotische wirwar van naakte menselijke lichamen in Michelangelo's Het Laatste Oordeel verbaasd en geschokt publiek in gelijke mate. Naakte lichamen waren al eerder in de kunst verschenen Michelangelo, maar wat de bezoekers het meest choqueerde, was de uitgebreide weergave van naaktheid over de hele linie, van gewone mensen tot heiligen en martelaren. Als klap op de vuurpijl nam hij zelfs volledig zichtbare, grafische genitaliën op, wat kardinaal Oliviero Carafa ertoe bracht hem te beschuldigen van immorele obsceniteit. Vijgenbladeren en lendendoeken werden over blootgestelde lichaamsdelen geschilderd, waardoor de aard van het originele kunstwerk veranderde. Ze bleven op dit controversiële kunstwerk tot een restauratie van de Sixtijnse Kapel honderden jaren later, in 1980. Maar tegen die tijd had Michelangelo's revolutionaire vertoon van menselijk vlees al een diepgaande invloed gehad op de kunstgeschiedenis, van maniëristische en Barok decadentie naar de ongefilterde naaktheid van de hedendaagse tijd.

2. Edouard Manet, Olympia, 1863

Olympia door Edouard Manet, 1863, via Musée d'Orsay

Franse realistische schilder Edouard Manet's iconische Olympia , 1865 schudde de samenleving tot op het bot. Voor het eerst weergegeven bij de Parijs Salon in 1865 toont het schilderij van Manet een naaktmodel dat over een bank ligt terwijl een bediende haar bloemen aanbiedt. Manet imiteerde bewust de compositie van Titiaan bekend Venus van Urbino, 1534, maar hij gaf zijn versie een reeks controversiële updates. De directe, confronterende blik van zijn model schokte het publiek dat gewend was passieve, ingetogen vrouwen te zien. Dat Manet een echt model had gebruikt, Victorine Meurent, in plaats van een mythologische muze was ook schokkend genoeg, maar hij deed een reeks suggesties dat ze een prostituee was - de naam Olympia werd vaak geassocieerd met sekswerkers in het Parijs van de jaren 1860, terwijl haar omgeving echode de stijl van een Parijse boudoir. De gebogen zwarte kat aan de voet van Olympia's bed was ook een bekend symbool voor seksuele promiscuïteit. Edouard Manet werd gemeden door de Parijse Salon, maar zijn doorbraken leidden ertoe dat een generatie impressionisten en modernisten volgde.

3. Pablo Picasso, De dames van Avignon, 1907

Pablo Picasso, De jonge dames van Avignon, 1907, via MoMA

Picasso bewaard De dames van Avignon , 1907, lange tijd verborgen in zijn atelier. Zelfs zijn eigen vrienden waren geschokt toen ze het eindelijk zagen. De agressieve scherven van hoekige, kunstmatige kleur en gebroken, vervormd perspectief waren schokkend genoeg, maar toen de ware omvang van zijn onderwerp eenmaal werd onthuld, was het publiek geschokt. Een naakte groep van vijf vrouwen poseert als klassieke naakten, maar dit zijn geen geïdealiseerde schoonheden. In plaats daarvan schildert hij ze met overdreven gezichten, geïnspireerd op de Afrikaanse maskers die hij in Parijs zag. Etnografisch Museum. Door hun lichamen te reduceren tot een reeks scherpe, dreigende vormen, krijgen ze een dreigende kwaliteit, net als hun kille, onwankelbare blikken. Avignon was een bekende straat in de Parijse rosse buurt, het lijdt geen twijfel dat deze vrouwen prostituees waren. Hoekig met elkaar botsen kubistisch vormen en confronterende onderwerpen, verbrak Picasso eigenhandig de conventies en luidde een nieuwe golf van hedendaagse kunst . Kunstcriticus Jonathan Jones schrijft: Les Demoiselles d'Avignon is de kloof, de breuk die het verleden en de toekomst scheidt.

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

4. Marcel Duchamp, Fontein, 1917

Marcel Duchamp, Fontein, 1917 (replica 1964), via Tate, Londen

gegeven experimentator Marcel Duchamp's Fontein , 1917 schreef geschiedenis en stond aan de wieg van de conceptuele kunst. Om het werk te maken Duchamp kocht gewoon een urinoir van een fabriek, ondertekende het met het pseudoniem R. Mutt en diende het in bij de Society of Independent Artists. De samenleving was diep beledigd door het werk, noemde het onfatsoenlijk en immoreel en verklaarde: De fontein kan op zijn plaats een zeer nuttig object zijn, maar zijn plaats is niet in een kunsttentoonstelling en het is in geen geval een kunstwerk . In weerwil van Duchamp had Fontein professioneel gefotografeerd door de beroemde fotograaf Alfred Stieglitz in een galerieomgeving, terwijl een anoniem redactioneel commentaar, hoogstwaarschijnlijk geschreven door Duchamp, werd gepubliceerd in het linkse tijdschrift De blinde man ruzie maken, of meneer Mutt... de fontein heeft gemaakt, doet er niet toe. Hij KIES ervoor. Hij nam een ​​gewoon levensartikel ... en ... creëerde een nieuwe gedachte voor dat object. Dit argument dat elk object een kunstwerk kan worden, heeft een revolutie teweeggebracht in de artistieke praktijken en heeft vandaag nog steeds gevolgen.

5. Carolee Schneemann, vlees vreugde, 1964

Carolee Schneemann, Meat Joy, 1964, prestatiedocumentatie

Amerikaanse performancekunstenaar Carolee Schneemann's Vlees Vreugde , 1964, daagde vrouwonvriendelijke stereotypen uit met volledige frontale naaktheid en kronkelende vertoningen van erotisch vlees. Door wat ze een boodschappenlijstje van ingrediënten noemde, waaronder rauwe vis, kip en worstjes, te combineren met verf, glanzend plastic en touw, bracht ze een groep naakte vrouwen bij elkaar die rondrolden in deze stoffen alsof ze verloren waren in een orgastische extase. De reacties waren extreem; een toeschouwer was zo woedend dat hij zelfs probeerde Schneemann te wurgen, terwijl een ander verklaarde: ik weet niet wat het is, maar het is geen kunst. Maar Schneemanns seksueel bevrijde kunst onthulde aan het publiek een nieuw soort ongedwongen vrouwelijkheid, wat de weg wees voor een golf van feministische kunstenaars in de jaren zeventig.

6. Stuart Brisley, en voor vandaag ... Niets, 1972

Stuart Brisley, En voor vandaag ... Niets, 1972, performance, Gallery House, Goethe Institute, Londen

Britse performancekunstenaar Stuart Brisley's En voor vandaag ... Niets , 1972, werd opgevoerd in de diepten van een vervallen, armoedig gebouw in Londen. Een vies bad was tot de rand gevuld met zwart water en rottend vlees, waar vliegen en maden etterden. Brisley lag twee weken lang elke dag naakt in deze vuile puinhoop, met zijn hoofd net ver genoeg boven het water zodat hij nog kon ademen. Vervolgens werden kleine groepen bezoekers uitgenodigd om het gebouw binnen te gaan en hem in deze kwetsbare, halfdode staat te observeren. Door zijn lichaam aan een bijna ondraaglijke situatie te onderwerpen, vestigde Stuart Brisely de aandacht van de kijkers op de fragiele grens tussen leven en dood, een houding die een diepgaande invloed zou hebben op de hedendaagse kunst dat volgde. Deze uitvoering maakte deel uit van een groepstentoonstelling in Gallery House, Goethe Institution, Londen, maar de geur van koud water gevuld met rottend afval werd zo walgelijk dat alle andere kunstenaars hem dwongen te vertrekken.

7. Judy Chicago, Het diner feestje, 1974-9

Judy Chicago, The Dinner Party, 1974-1979, Brooklyn Museum, geschenk van de Elizabeth A. Sackler Foundation. Foto: Donald Woodman

De monumentale installatie van Judy Chicago Het diner feestje , 1974-9, is een iconisch symbool van het feminisme uit de jaren 70. Een enorm, driehoekig banket wordt opgezet met 39 couverts, elk als eerbetoon aan invloedrijke vrouwen uit de hele geschiedenis. Beschouwd als een vrouwelijk alternatief voor het laatste avondmaal, is het 48 voet lang aan elke kant en duurde het meer dan vijf jaar om te voltooien. Verreweg het meest schokkende aspect van het werk was de openlijke weergave van vrouwelijke genitaliën; elke plaat is versierd met of gevormd in een variatie van een vulvaire vorm. Het werk werd onthuld om San Francisco's Museum voor Moderne Kunst en trok in enorme aantallen, maar de reacties waren venijnig en bestempelden het werk als pornografisch en aanstootgevend. Bedoeld voor een rondreis door de Verenigde Staten, annuleerden andere musea snel. Het heeft tientallen jaren geduurd voordat de kunstwereld dit werk begon te waarderen en de radicaliteit ervan erkende, maar vandaag heeft het een permanent thuis in de Het Sackler Center van het Brooklyn Museum .

8. Marc Quinn, Zelf, 1991

Marc Quinn, Zelf, 1991, afbeelding via Marc Quinn

Britse artiest Marc Quinn's Zelf , 1991 is een volledige, levensgrote replica van zijn hoofd in zijn eigen bevroren bloed. Tien pinten van zijn bloed waren nodig om het beeld te voltooien, dat alleen in een permanent bevroren staat kan bestaan. Quinn maakte zijn eerste versie van dit werk in een tijd van persoonlijke strijd toen hij aan alcoholisme leed; door zijn afhankelijkheid van alcohol te vergelijken met de behoefte van het hoofd om bevroren te worden, werd het beeld een krachtige reflectie op menselijke afhankelijkheid. Hij bleef meer maken in de serie, nadenkend over zijn veranderende gezicht toen het verouderingsproces zowel zijn uiterlijke verschijning als interne organen verschoof. Drijvend in een levenloze, hangende toestand, verzamelt zich gestold bloed aan het oppervlak van dit lichaam zonder lichaam, wat zorgt voor een grimmige blik. Critici beschuldigden hem van weinig meer dan vampirische sensatiezucht, terwijl anderen de plaats van het werk in een lange traditie van zelfportretten zagen, van Rembrandt naar Cindy Sherman. Hoe dan ook, de verkenning van dergelijk ongemakkelijk intiem materiaal heeft een schat aan nieuwe mogelijkheden geopend in de hedendaagse kunst.

9. Pussy Riot, Punkgebed: Moeder van God, verdrijf Putin, 2012

Pussy Riot, Punk Prayer: Mother of God, Putin Away, 2012

Russische punk-protestgroep Pussy Riot's Punkgebed: Moeder van God, verdrijf Poetin weg , 2012 was een guerrilla-optreden in de kathedraal van Christus de Verlosser in Moskou. Ze stormden de preekstoel van de kerk op, gekleed in lichte kleding en bivakmutsen en ze sprongen, dansten, knielden en kruisten zichzelf totdat bewakers hen grepen en hen uit het gebouw verwijderden. Later diezelfde dag werd aan deze beelden een verschroeiende soundtrack toegevoegd, met teksten die het onderdrukkende regime van Poetin en zijn banden met de Russisch-orthodoxe kerk aanvielen, voordat ze Maria, de moeder van God, riepen om Poetin (om) weg te jagen! De video, die op sociale media werd geplaatst, verspreidde zich als een lopend vuurtje en bereikte binnen enkele dagen een internationaal publiek. Russische functionarissen waren zo woedend dat ze twee prominente leden van de groep Nadezhda Tolokonnikova en Maria Alyokhina tot twee jaar gevangenisstraf veroordeelden, op beschuldiging van hooliganisme ingegeven door religieuze haat. Over de hele wereld ontstonden er ruzies over de harde straf van Pussy Riot, terwijl beroemde stemmen tevergeefs opriepen tot hun vrijlating. Ondanks hun gruwelijke behandeling in de gevangenis, veranderde de ervaring het paar in wereldwijde beroemdheden die vandaag de dag nog steeds succesvolle kunst maken.

10. Maurizio Cattelan, Komiek, 2019

Maurizio Cattelan, Komiek, 2019, Banaan aan de muur geplakt , verkocht voor $ 120.000. Foto: RHONA WISE, EPA-EFE

Gelabeld als de bad boy van de Italiaanse kunst, Maurizio Cattelan 's Komiek , 2019 stak de draak met de pretenties rond de hedendaagse kunstwereld en wordt nu erkend als het iconische kunstwerk van het jaar. Op het Art Basel Miami Beach, Cattelan gaffer plakte een banaan aan de muur en kostte het maar liefst $ 120.000. Nadat het was verkocht, pelde de kunstenaar David Datuna de grijze tape af, haalde de banaan eruit en at hem op, waardoor het origineel werd vernietigd. Het werk is gemakkelijk opnieuw gemaakt en werd later uit de galerij verwijderd om te voorkomen dat er nog meer grappen werden gemaakt. Maar een kunstenaar zag een andere kans, graffiti op de lege ruimte waar het de woorden waren geweest dat Epstein zelfmoord niet pleegde. Cattelan zou de eerste zijn om te beweren dat elke nieuwe wending in zijn verhaal waarde toevoegt aan zijn concept, wat bewijst dat tegenwoordig bijna alles een kunstwerk kan zijn.