4 artiesten die hun klanten openlijk haatten (en waarom het geweldig is)

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) door Daniele da Volterra , waarschijnlijk ca.1545; Diego Rivera in Detroit , 1932-1933, via The Detroit News; Zelfportret door Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson , begin 19e eeuw, via The Hermitage Museum, Sint-Petersburg; Portret van Édouard Manet

Historisch gezien hebben veel artiesten hoofden gestoten bij hun klanten—dat doen ze nog steeds. Of het nu gaat om verschillen in ideologie of smaak, kunstenaars hebben de neiging om overhaaste en soms hilarische beslissingen te nemen om een ​​punt te maken. Van de renaissance tot de moderne kunstbeweging, van Italië tot Mexico hebben kunstenaars er nooit licht over gedaan dat hun werk werd beledigd of hun overtuigingen werden uitgedaagd, en dat geldt ook voor de mensen die ontdekt moeten worden.

1) Michelangelo Buonarroti: de onaantastbare renaissancekunstenaar

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) door Daniele da Volterra , waarschijnlijk ca.1545, via het Metropolitan Museum of Art, New York

Michelangelo staat bekend om vele geweldige stukken- van zijn David naar zijn schilderijen op de Sixtijnse Kapel ’s plafond – waardoor hij een virtuoos van de beeldende kunst werd, maar zijn vaardigheid was niet het enige dat zijn werken zo groot maakte. In Het Laatste Oordeel , in de Sixtijnse Kapel staat een gewaagde uitspraak van de kunstenaar over een specifiek iemand.

Was het de persoon die hem opdracht gaf, paus Clemens VII (Giulio di Giuliano de' Medici)? Nee, maar het was iemand die dicht bij de paus stond. Michelangelo had een langdurige en over het algemeen plezierige relatie met de Medici-familie (exclusief de tijd dat hij hen verraadde, wat hem werd vergeven), en diende in totaal vier grote namen. Drie van hen waren pausen tijdens het bewind van de Medici , dat was tijdens de tijd dat Michelangelo in de Sixtijnse Kapel werkte - wat de klachten van Biagio Martinelli des te amusanter maakte.

Biagio Martinelli was de waarnemend pauselijke ceremoniemeester onder de eerste en tweede Medici-pausen, paus Leo X (Giovanni di Lorenzo de' Medici) en paus Clemens VII, die oude klasgenoten van Michelangelo waren. Het Laatste Oordeel werd voltooid onder het bewind van paus Paulus III (Alessandro Farnese), die werd opgeleid aan het hof van de Medici en de opvolger van paus Clemens VII. De nutteloosheid van wat hij later probeert te doen, is des te amusanter vanwege de connectie tussen al deze mannen.

Gedeelte rechtsonder van Het Laatste Oordeel door Michelangelo, 1536-1541, via Musei Vaticani, Vaticaanstad

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Volgens Norman E. Land's Een beknopte geschiedenis van het verhaal van Michelangelo en Biagio da Cesena , Martinelli was geen fan van De Laatste oordeel tijdens de conceptie, waarin staat dat er onnodige hoeveelheden naaktheid waren en veroordeelde het.

Michelangelo vatte dat niet licht op.

Hij besloot Martinelli in de hel af te schilderen, volledig naakt met een slang die in zijn geslachtsdelen bijt, en om nog erger te maken, maakte hij een punt om de pauselijke meester demonische trekken te geven. Het was Michelangelo's manier om publiekelijk de man af te wijzen die zijn werk durfde te beledigen. Martinelli probeerde te krijgen Dat specifiek gedeelte verwijderd door paus Paulus III, maar net als paus Clemens VII vóór hem stond paus Paulus III op goede voet met Michelangelo en verdedigde hij Het Laatste Oordeel .

Hij vertelde Martinelli in wezen dat zijn macht niet tot in de hel reikte, dus er was niets aan te doen om de pauselijke meester van daaruit terug te halen, wat absoluut verbazingwekkend is. Wat de paus letterlijk zei was:

Messer Biagio, u weet dat ik van God macht heb in hemel en op aarde; maar mijn gezag reikt niet tot in de hel, en je moet geduld hebben als ik je daar niet kan bevrijden.

Absoluut brutaal . Martinelli diende vier pausen, maar geen enkele had hem zo minachtend behandeld. Wat Martinelli had moeten beseffen, was dat op dit punt in de carrière van Michelangelo, met zijn enorme connecties, de man onaantastbaar was.

Als Martinelli het werk van Michelangelo niet zo grof had berispt, zouden we niet zo'n hilarisch verhaal hebben gekregen dat is verbonden met een even hilarisch deel van een meesterwerk.

2) Édouard Manet: de rijken ondermijnen

Lunch op het gras door Édouard Manet , 1863, via Musée d'Orsay, Parijs

Wie waren dat precies? Manet klanten? Nou, het waren de rijken en verfijnden. De kunstenaar schilderde veel controversiële stukken tijdens de Realisme Beweging , en de enige reden waarom ze controversieel waren, is omdat ze de rijken blootlegden. Manet had een hekel aan de economische ongelijkheid tussen arm en rijk en hij haatte het feit dat de rijken dachten dat ze boven alles stonden- onaantastbaar. Zijn stukken probeerden duidelijk te maken hoe onwaar dat was.

Manet's Lunch op het gras werd geschilderd om sociaal bewustzijn te brengen, zoals veel van zijn stukken. Dit stuk was bedoeld om de hogere klasse uit te dagen en hen bijna voor de gek te houden. Hij wilde dat dit stuk een weerspiegeling zou zijn van de mensen die het zouden bekijken- de juiste en rijken die ik eerder noemde. De realismebeweging verwierp de klassieke normaliteiten in de kunst en zocht een ruwe en ruwe benadering.

Ten eerste zien de mensen in het stuk er niet eens uit alsof ze in het omringende landschap thuishoren. Ze zijn natuurgetrouw geschilderd, zeker, maar ze zien er niet zo uit behoren in de setting vanwege hun vlakheid tegen de achtergrond. Dan komt de vrouw die in het water baadt, een van de twee grotere problemen in het stuk dat de rijken afschrikte. Het perspectief van de badende vrouw is ver weg, maar Manet besloot haar groter te maken en meer op de achtergrond te laten opvallen.

Dit komt omdat hij zout in de wond wilde wrijven. Niet alleen was het stuk niet klassiek geproportioneerd, maar de vrouw op de achtergrond was niet echt aan het baden. Op de vraag wat deze vrouw aan het doen was, zou Manet zelfs zeggen dat ze aan het plassen was, om nog erger te maken. Hij schilderde haar op zo'n manier dat hij de grandioze mensen die de Salon bezochten, choqueerde.

De blonde Odalisk door François Boucher , 1752, via Alte Pinakothek Gallery, München

De tweede belediging was zeker de naakte vrouw die nonchalant zat met twee geleerde heren met haar onderbroek verspreid over de picknick. Manet maakte een punt om de vrouw op de voorgrond als naakt weer te geven, niet naakt. Een naakt is het idyllische lichaam in zijn natuurlijke staat, zoiets als Francois Boucher 's rococo schilderen De blonde Odalisk , bijvoorbeeld. Ter vergelijking: Manets vrouw poseert suggestief en wenkt de kijker om mee te lunchen.

De enige reden waarom hij een naakte vrouw in het stuk heeft, is omdat mensen klaagden dat hij niet genoeg naakten schilderde, dus het jaar ervoor Lunch op het gras was voltooid, zei hij tegen zijn vriend Antonin Proust , Prima, ik zal ze naakt doen ... Dan denk ik dat ze me echt aan stukken scheuren .... Ach, ze kunnen zeggen wat ze willen. Het kon deze man niet schelen wat de rijken over zijn stukken te zeggen hadden en dat was te zien.

Hij koos ervoor om te satiriseren wat mensen normaal gesproken in de Salon zouden zien in tegenstelling tot hoe de rijken hun tijd daadwerkelijk doorbrachten. Hij trok zelfs een Ingres en keek haar aan vuile voet naar het publiek toe als zijn bedoeling niet duidelijk genoeg was geweest. Dit stuk was technisch gezien geen eye-opener, maar uit de reactie van de kijkers bleek dat er sprake was van een diepgewortelde maatschappelijke hypocrisie. Jammer dat het werd afgewezen door de Salon.

Olympia door Édouard Manet , 1863, via Musée d'Orsay, Parijs

Een ander werk dat de rijken en gewaardeerden tot in hun kern schokte, was dat van Manet Olympia. Dit was een stuk dat deed maken het in de Salon en de toeschouwers waren verontwaardigd. Het stuk was berucht en moest hoger in de Salon worden opgehangen, zodat het niet zou worden mishandeld door mecenassen. De Olympia moest een eerlijke interpretatie zijn van een meer prestigieuze en opgeleide prostituee, een courtisane.

Waarom beledigde dit de opdrachtgevers? Nou, omdat het iets te dicht bij huis kwam. Zij was de echtgenoot van high-society vrouwen eigenlijk geld uitgegeven aan, tijd doorbracht met, en soms meer gekoesterd dan hun vrouwen. Het schilderij laat zien dat, zelfs als ze niet de mooiste en meest elegante is, zij degene is waar hun echtgenoten naar toe rennen omdat ze meer is dan waar de high-society die vrouwen in had gevormd. Manet hield zich niet in en dat is het ook mooi . Hij heeft een versierde prostituee die loungen als Titiaan 's Venus van Urbino alsof ze wil zeggen: Ja, ze is beter dan jij en dat weet ze. Hij verhief moeiteloos een courtisane tot een godin en verlaagde de kijkers tot niets anders dan louter volgelingen van haar grillen en verleidingen.

Manet speelde niet rond toen hij zijn mening gaf over de rijken en hun idealen. Deze stukken komen ongegeneerd hard aan en zijn fenomenaal in hun hilariteit en zelfvoldaanheid!

3) Diego Rivera: communistische symboliek

Man op het kruispunt plannen door Diego Rivera , 1932, via MoMA, New York

Diego Rivera ontwierp en begon een muurschildering voor de Rockefellers in New York City. Hij heeft ze zeker een mooi kunstwerk gegeven. Maar tegen de tijd dat hij ermee moest stoppen, gaf hij de Rockefellers niet noodzakelijkerwijs wat hij hen had verkocht. Hij moest een muurschildering schilderen in het Rockefeller Center die de macht van het kapitalisme over het socialisme vertegenwoordigde. De Rockefellers waren volledig verkocht aan het idee en nadat ze Rivera's schets hadden goedgekeurd, Man op het kruispunt , begon hij zijn fresco voor hen. Ze wisten dat Rivera een... communistisch maar ze dachten niet dat het een probleem zou zijn, ze wilden alleen maar een populaire artiest om mee te werken voor hun gebouw.

In alle opzichten hadden ze gelijk en Rivera gaf ze wat ze wilden, totdat de... New York World-Telegram , zei dat het stuk inherent anti-kapitalistisch was. Grote fout van hun kant, gezien het feit dat het uiteindelijk een verspilling van tijd en middelen was. Rivera, net als de gekleineerde kunstenaar die hij was, negeerde uiteindelijk de krant en schilderde Lenin en de Sovjet-Russische Mayday Parade in het stuk. Dat werkte uiteindelijk averechts omdat de Rockefellers het niet goed vonden dat hij dat in de lobby van hun plaats zette gebouw.

Man, Beheerser van het Universum door Diego Rivera , 1934, via Museum van het Paleis voor Schone Kunsten, Mexico-Stad

De Rockefellers vroegen hem om het te veranderen, maar hij gaf geen krimp. Het origineel werd hierdoor vernietigd, omdat Rivera aandrong op een fresco, dus het was niet iets dat zomaar kon worden verplaatst. Wat er over is van het oorspronkelijke concept is in zijn Man, Beheerser van het Universum , die hij in Mexico schilderde.

De Rockefellers hebben een van de grootste fortuinen ter wereld en kunnen gemakkelijk worden beschouwd als kapitalistische royalty's, dus natuurlijk Rivera maakte van de gelegenheid gebruik om communistische propaganda in een van hun gebouwen te plaatsen. Hij kwam niet per se terug op hen, maar hij bewees een punt voor de media. Blijkbaar, zei Rivera, als je het communisme wilt, zal ik het communisme schilderen. Klinkt bekend, toch? Manet deed absoluut precies hetzelfde met zijn Lunch op het gras . De kunstenaar draaide de media om en het kapitalisme zelf de spreekwoordelijke vogel.

Natuurlijk zou het de Rockefellers beledigen, aangezien kapitalisme de basis is van hun rijkdom en succes, maar het kon hem niet schelen. De durf Rivera had is verbazingwekkend. Net als Manet was hij niet bang voor de gevolgen, omdat hun reacties waarschijnlijk alleen maar zijn punt bewezen. Ze waren bang voor de communistische ideologie, iets waarvan Diego Rivera trouw geloofde dat het een goede zaak was, dus ging hij door en schilderde het in Mexico om te bewijzen dat hij nooit zijn overtuigingen zou veranderen en dat hij geen spijt had van zijn beslissing. Wat een machtsbeweging.

4) Anne-Louis Girodet De Roussy-Trioson: The Artist's Revenge

Miss Lange als Venus door Anne-Louis Girodet de Roucy-Trisson, 1798, momenteel te zien in het Museum voor Schone Kunsten Leipzig

Nu, voor de inspiratie voor dit hele artikel, Girodet. De kunstenaar kreeg de opdracht van Mademoiselle Lange om een ​​portret van haar te maken. Hij schilderde Miss Lange als Venus en ze had er een hekel aan. Ik neem aan dat ze het onsmakelijk vond omdat ze bijna narcistisch lijkt in het stuk, Cupido die de spiegel vasthoudt om zijn moeder te helpen, maar ook helpt bij haar eigenliefde en ijdelheid. Er is nooit een duidelijke reden waarom ze een hekel heeft aan het stuk, maar dat is slechts mijn algemene veronderstelling.

De geboorte van Venus door Sandro Botticelli , 1485, via de Galleria degli Uffizi, Florence

Voor een beetje context was Mademoiselle Lange een jonge entertainer die een beetje een goudzoeker was. Ze werkte in het theater en vanwege een productie die royalistische connotaties leek te hebben, werden de acteurs en auteur van het stuk gearresteerd. Na twee jaar opsluiting ontsnapte ze aan de guillotine dankzij vrienden die ze op hogere plaatsen had, waarschijnlijk vanwege haar verleidelijke karakter en haar bereidheid om voor geld te verleiden.

Het toilet van Venus ('De Rokeby Venus') door Diego Velázquez , 1647, via The National Gallery, Londen

Girodet schilderde haar zoals ze was zijn ogen, met behulp van meesterwerken zoals Geboorte van Venus door Sandro Botticelli en Het toilet van Venus door Diego Velázquez als referentie. Hij was een kunstenaar die zich liet inspireren door de klassieke kunst, vanwege: zijn opleiding met de neoclassicistische Jacques-Louis David ,terwijl we nog steeds een voorloper zijn van de Franse romantische kunstbeweging . Met zo'n achtergrond probeerde hij een vleugje eigenzinnigheid aan het stuk te geven terwijl hij een klassieke toon behield, waardoor een prachtig kunstwerk ontstond. In wezen had ze van dit stuk moeten houden, maar in plaats daarvan weigerde ze Girodet te betalen wat hij verschuldigd was en beval hem het te laten verwijderen. Als reactie scheurde Girodet het stuk uit elkaar en stuurde het naar haar terug, en schilderde toen iets absoluuts geweldig.

Mademoiselle Lange als Danaë door Anne-Louis Girodet de Roucy-Trisson , 1799, via Minneapolis Museum of Art

Dit stuk was om haar te pesten. Het was een satirisch schilderij van zijn Venus en het druipt van de symboliek:

Hij beeldt Lange af als een prostituee die gouden munten verzamelt in een blad. De gouden munten zijn parallel aan het verhaal van Danaë en Zeus, wat representatief is voor haar gebrek aan trouw (ze stond erom bekend om geld te trouwen).

Rechtsonder is er een masker met kenmerken die lijken op een minnaar van haar, een heer, met een gouden munt in zijn oog, moet ik nog meer zeggen?

Vervolgens hekelde hij haar man Simmons – haar laatste minnaar – als een Turkije die een trouwring droeg die Jupiter of Zeus , maar hij probeerde haar keuze in minnaar te schande te maken en dat ze hem alleen voor geld trouwde.

Cupido kijkt suggestief naar het publiek dat haar helpt de munten te verzamelen, haar ontrouw aanmoedigt en het publiek uitnodigt om een ​​gemakkelijke vrouw te ervaren.

Dan eindelijk de kapotte spiegel. Het laat zien dat ze zichzelf niet accepteert zoals ze is, zichzelf niet kan zien, en hoe Girodet haar ziet, een overspelige, ijdele en hebzuchtige persoon.

Girodet gehouden niets terug. Deze man was boos en werd absoluut gekleineerd, wat culmineerde in een heerlijk hilarisch stuk met zoveel verwijzingen en symbolen dat ik zeker weet dat de hoofden van de Salon de hoofden draaiden.

Dit is absoluut de voorbeeld van wat er gebeurt als een klant het monster tevoorschijn haalt dat op de loer ligt onder het oppervlak van een geminachte kunstenaar, en waarom het zo is geweldig .