4 iconische kunst- en modesamenwerkingen die de 20e eeuw hebben gevormd

Drie cocktailjurken, eerbetoon aan Piet Mondriaan door Eric Kocho , 1965, via Vogue Frankrijk

De verbindingen tussen kunst en mode bepalen specifieke momenten in de geschiedenis. Beide mediums weerspiegelen de sociale, economische en politieke veranderingen van de roaring twenties tot de flamboyance van de jaren tachtig. Hier zijn vier voorbeelden van kunstenaars en modeontwerpers die met hun werk de samenleving hebben helpen vormgeven.

1. Halston en Warhol: een modebeurs

Vier portretten van Halston , Andy Warhol, 1975, Privécollectie

De vriendschap tussen Roy Halston en Andy Warhol is er een die de artistieke wereld definieerde. Zowel Halston als Warhol waren leiders die de weg vrijmaakten om van de kunstenaar/ontwerper een beroemdheid te maken. Ze verwijderden het pretentieuze stigma van de kunstwereld en brachten mode en stijl naar de massa. Warhol gebruikte zeefdruk om afbeeldingen meerdere keren te produceren. Hoewel hij het proces zeker niet heeft uitgevonden, heeft hij wel een revolutie teweeggebracht in het idee van massaproductie. Halston gebruikte stoffen en ontwerpen die eenvoudig en elegant waren, maar glamoureus met zijn gebruik van pailletten, ultrasuede en zijde. Hij was een van de eersten die Amerikaanse mode toegankelijk en begeerlijk maakte. Beiden hebben een definitief stempel gedrukt op kunst en stijl tot in de jaren 60, 70 en 80, die tot op de dag van vandaag voortduurt.

Samenwerking en commercieel succes

Bloemen door Andy Warhol , 1970, via Princeton University Art Museum (links); met Liza door Andy Warhol , 1978, via Christie's (midden); en Bloemen door Andy Warhol , 1970, via Tacoma Art Museum (rechts)

Zowel Halston als Warhol werkten samen aan veel verschillende projecten. Warhol zou advertentiecampagnes maken met de kleding van Halston en zelfs Halston zelf. In een meer directe samenwerking gebruikte Halston de bloemenprint van Warhol op sommige van zijn kledingstukken, van een avondjurk tot een loungeset.

Halston zou eenvoudige ontwerpen in zijn kleding gebruiken, waardoor ze zeer succesvol waren. Ze waren simplistisch en gemakkelijk te dragen, maar voelden toch luxueus aan door zijn gebruik van stoffen, kleuren of prints. Warhol zou ook zijn materialen en proces vereenvoudigen, waardoor het gemakkelijker werd om zijn werken te reproduceren en ze beter verkoopbaar te maken.

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Avondjurk door Halston , 1972, via Indianapolis Museum of Art (links); met Jurk en bijpassende cape door Halston , 1966, via FIT Museum, New York City (midden); en Lounge Ensemble door Halston , 1974, via Universiteit van Noord-Texas, Denton (rechts)

Commercieel succes had zijn uitdagingen voor beide ontwerpers. Halston zou in 1982 als eerste samenwerken met een winkelketen, JCPenney, die bedoeld was om klanten een goedkopere optie voor zijn ontwerpen te geven. Dit was niet succesvol voor zijn merk, omdat het goedkoper leek, maar het maakte wel de weg vrij voor toekomstige ontwerpers om hetzelfde te doen. Warhol kreeg ook kritiek omdat zijn productie als oppervlakkig en oppervlakkig werd beschouwd. Beiden hebben echter het gebruik van retail en marketing in hun respectievelijke ruimtes gemoderniseerd om merken te creëren die aan de massamarkt kunnen worden verkocht.

De glitter en glamour

Schoenen met diamantstof door Andy Warhol , 1980, via Monsoon Art Collection, Londen (links); met Damesjurk, pailletten door Halston , 1972, via LACMA (rechts)

Zowel Warhol als Halston waren frequente bezoekers van Studio 54. Ze feestten, ontwierpen en produceerden werk voor beroemdheden als Liza Minnelli, Bianca Jagger en Elizabeth Taylor. Deze uitstapjes worden weerspiegeld in hun werken omdat ze het discotijdperk van de jaren 70 inspireerden en definieerden.

Halston staat bekend om het maken van avondkleding met pailletten. Hij zou pailletten horizontaal op de stof leggen. Dit creëert een glinsterend effect van het materiaal, dat hij zou gebruiken om ombre- of patchworkontwerpen te maken. Zijn ontwerpen waren eenvoudige silhouetten die voor gemak en beweging zorgden om te dansen. Zijn gebruik van pailletten was erg populair onder sterren, waaronder Liza Minnelli, die zijn ontwerpen zou dragen voor optredens en uitstapjes naar Studio 54 .

Warhol's Diamond Dust Shoes-serie is ook een voorbeeld van het nachtleven van Studio 54 en de invloed van beroemdheden. Diamond Dust gebruikte hij bovenop zeefdrukken of schilderijen, waardoor het stuk een extra diepte-element kreeg. Warhols schoenafdrukken waren aanvankelijk het idee voor een advertentiecampagne voor Halston. Hij gebruikte zelfs enkele van Halstons eigen schoenontwerpen als inspiratie.

De ontwerper die een beroemdheid werd, begon met Warhol en Halston. Het ging niet alleen om wat voor soort kunst en kleding ze maakten, maar ook om hun sociale leven. Tegenwoordig zijn er modeontwerpers en kunstenaars die beroemdheden zijn en het draagt ​​bij aan het succes van hun merken.

2. Sonia Delaunay: waar kunst mode wordt

Sonia Delaunay met twee vrienden in de studio van Robert Delaunay, 1924, via Bibliothèque Nationale de France, Parijs

Sonia Delaunay bracht niet alleen een revolutie teweeg in een nieuwe vorm van Kubisme maar voorzag ook de verbindingen tussen kunst en mode. Zowel Delaunay als haar man pionierden orfisme en experimenteerde met verschillende vormen van abstractie in de kunst. Ze was de eerste in haar soort die haar eigen artistieke stijl gebruikte en overstapte naar de modewereld met haar originele textielontwerpen, prints of patronen. Ze wordt meer herinnerd om haar kunst en connectie met haar man dan om haar mode. Haar kledingstukken waren in de jaren twintig van de vorige eeuw toonaangevend in de verandering in dameskleding. Haar kledingcatalogus wordt meer herinnerd aan foto's en verwijzingen naar haar kunst dan aan de fysieke kledingstukken zelf. Voor Delaunay is er geen grens tussen kunst en mode. Voor haar zijn ze één en hetzelfde.

Simultane en rebelse mode

Gelijktijdige jurken (drie vrouwen, vormen, kleuren) door Sonia Delaunay , 1925, via Thyssen-Bornemisza Nationaal Museum, Madrid (links); met Gelijktijdige jurk door Sonia Delaunay , 1913, via Thyssen-Bornemisza Nationaal Museum, Madrid (rechts)

Delaunay begon haar modebedrijf in de jaren 1920 door kleding voor klanten te maken en stoffen te ontwerpen voor fabrikanten. Ze noemde haar label Tegelijkertijd en haar gebruik van kleur en patroon op verschillende media verder ontwikkeld. Simultanisme speelde een belangrijke rol in haar ontwerpproces. Haar gebruik van de techniek lijkt erg op een patchwork quilt of textiel uit Oost-Europa. Kleuren overlappen elkaar en patronen worden gebruikt om harmonie en ritme te creëren. Gemeenschappelijke thema's van haar zijn vierkanten/rechthoeken, driehoeken en diagonale lijnen of bollen - die elkaar allemaal overlappen in haar verschillende ontwerpen.

Bord 14 van Sonia Delaunay: Haar schilderijen, haar objecten, haar gelijktijdige stof, haar mode door Sonia Delaunay , 1925, via National Gallery of Victoria, Melbourne

Delaunay was een jonge vrouw tijdens de Edwardiaans tijdperk waar korsetten en conformiteit de norm waren. Dit veranderde in de jaren twintig toen vrouwen rokken boven de knie droegen en losse, nauwsluitende kledingstukken. Dit aspect zie je terug in de ontwerpen van Delaunay en ze was gepassioneerd door het creëren van kleding die aan de behoeften van vrouwen voldoet. Ze ontwierp zwemkleding waarmee vrouwen beter konden deelnemen aan sporten die voorheen de manier waarop ze ze speelden belemmerden. Ze plaatste haar textiel op jassen, schoenen, hoeden en zelfs auto's, waardoor elk oppervlak haar canvas werd. Haar ontwerpen creëerden vrijheid van beweging en expressie door kleur en vorm.

Delaunay's overgang naar film en theater

Le P'tit Parigot door René Le Somptier , 1926, via IMDB (links); met Kostuum voor 'Cleopatra' in de Ballets Russes-productie van 'Cleopatra' door Sonia Delaunay, 1918, via LACMA (rechts)

Delaunay maakte tijdens haar carrière de overstap naar film en theater. Ze ontwierp de kostuums voor de film uit 1926 Le P'tit Parigot ('De kleine Parijse') door Rene Le Somptier. Zowel Delaunay als haar man hebben bijgedragen aan de film en haar man heeft bijgedragen aan decorontwerpen die in de films worden gebruikt. Links is de Roemeense danseres Lizicai Codreanu afgebeeld in een van de kostuums ontworpen door Delaunay. Haar gebruik van bollen, zigzaglijnen en vierkanten is een ander voorbeeld van simultanisme. De zigzaglijnen van de achtergrond vermengen zich met de leggings van de kostuums. De schijf rond het gezicht van de danseres was een terugkerend thema in de mode van Delaunay.

Ze maakte ook ontwerpen voor 'Cleopatra' , door de Ballets Russes. Net als bij haar samenwerkingen in film, creëerde ze de kostuums en werkte haar man aan het decorontwerp. Beiden werkten met elkaar samen om een ​​harmonieuze ervaring voor de kijker te creëren. Cleopatra's kostuum heeft veelkleurige strepen en halve cirkels die haar abstracte stijl uit de jaren 1920 vermengen met traditioneel ballet.

3. De samenwerkingen van Elsa Schiaparelli en Salvador Dalí

Schiaparelli hoedvormige schoen door Elsa Schiaparelli en Salvador Dalí , 1937-38, via Vogue Australia

de voorhoede van surrealistische kunst wordt op surrealistische wijze vergeleken met de leider. Salvador Dali en modeontwerper Elsa Schiaparelli werkten samen en inspireerden elkaar gedurende hun respectievelijke carrières. Ze creëerden iconische beelden zoals de Kreeft Jurk , De schoenenhoed (Dalí's vrouw, Gala hierboven gezien), en De traanjurk , die het publiek schokte en inspireerde in zowel kunst als mode. Dalí en Schiaparelli maakten de weg vrij voor toekomstige samenwerkingen tussen modeontwerpers en kunstenaars, omdat ze de kloof overbrugden tussen wat als draagbare kunst wordt beschouwd en mode.

De kreeft en Dalí

Avondjurk voor dames door Elsa Schiaparelli en Salvador Dali , 1937, via Philadelphia Museum of Art (links); Salvador Dali door George Platt Lynes , 1939, via het Metropolitan Museum of Art, New York City (rechts)

Hoewel een kreeft schijnbaar ongevaarlijk is, is hij in werkelijkheid doordrenkt van controverse. Dalí gebruikte kreeften als een terugkerend thema in zijn werk en was geïnteresseerd in de anatomie van de kreeft. Zijn schaal fungeert als een skelet aan de buitenkant en het heeft een zachte binnenkant aan de binnenkant, het omgekeerde van mensen. De kreeft in Dalí's werk heeft ook seksuele tonen, voortkomend uit de vrouwelijk-mannelijke dynamiek.

De Lobster-jurk is een samenwerking tussen de twee kunstenaars waarbij Dalí de kreeft schetst die op de jurk moet worden gebruikt. Het zorgde voor veel controverse toen het voor het eerst debuteerde in Mode . Ten eerste heeft het een doorschijnend lijfje en een rok gemaakt van witte organza. Deze puurheid, die het nauwelijks zichtbare beeld van het lichaam van het model laat zien, was iets geheel nieuws in de mode dat op grote schaal wordt gezien. Ook het gebruik van de witte stof contrasteert met het rood van de kreeft. Wit kan als maagdelijk worden beschouwd of staat voor zuiverheid in vergelijking met rood, wat seksualiteit, macht of gevaar kan betekenen. De kreeft is handig op de rok geplaatst om het bekkengebied van een vrouw te bedekken. Deze plaatsing is vergelijkbaar met de foto van Dalí hierboven, die verder de seksualiteit van vrouwen aangeeft versus de reactie van mannen erop.

Het model dat het kledingstuk droeg Mode was Wallis Simpson, de vrouw van Edward VIII, die afstand deed van de Engelse troon om met haar te trouwen. Dit is nog een ander voorbeeld van het nemen van een controversieel figuur of beeld in de cultuur en er iets van maken om te vereren.

Botverkoelende stijl

Vrouw met een hoofd van rozen door Salvador Dalí , 1935, via Kunsthaus Zürich (links); met De skeletjurk door Elsa Schiaparelli , 1938, via het Victoria and Albert Museum, Londen (rechts)

Skeletten zijn een ander thema dat wordt gezien in surrealistische kunst en werd gebruikt in meer samenwerkingen tussen Dali en Schiaparelli. De skeletjurk was de eerste in zijn soort vanwege het onderwerp, maar ook vanwege de techniek. Schiaparelli gebruikte een techniek genaamd gewatteerd waarbij twee lagen stof aan elkaar worden genaaid en een omtrek vormen. Watten worden in de omtrek ingevoegd, waardoor een verhoogd effect ontstaat. Deze techniek creëert een gestructureerd oppervlak op de platte stof, waardoor de illusie wordt gewekt dat menselijke botten door de jurk steken. Het veroorzaakte een schandaal omdat de jurk was gemaakt van een plakkerig materiaal dat aan de huid plakte. De verbeeldingen van Dali's schilderijen en tekeningen werden gerealiseerd in de fysieke driedimensionale wereld door Schiaparelli's kledingstukken. Dali was, zoals eerder vermeld, geïnteresseerd in anatomie, en dit vertaalt zich ook in zijn werk.

4. Yves Saint Laurent: waar kunst en inspiratie samenkomen

Op Picasso geïnspireerde jurk van Yves Saint Laurent door Pierre Guillaud , 1988, via Times LIVE (links); met De vogels door Georges Braque, 1953, in het Louvre, Parijs (rechts)

Waar ligt de grens tussen imitatie en waardering? Critici, kijkers, kunstenaars en ontwerpers hebben moeite om te bepalen waar die grens wordt getrokken. Echter, bij het bespreken van Yves Saint Laurent , waren zijn bedoelingen niets minder dan vleierij en bewondering voor de kunstenaars en schilderijen die hij als inspiratie gebruikte. Door naar zijn uitgebreide portfolio te kijken, werd Saint Laurent geïnspireerd door culturen en kunst van over de hele wereld, en hij verwerkte dit in zijn kledingstukken.

Hoewel Yves Saint Laurent de kunstenaars die hem inspireerden nooit heeft ontmoet, weerhield dit hem er niet van om werken te maken als eerbetoon aan hen. Laurent liet zich inspireren door artiesten als Matisse , Mondriaan, Van Gogh, Georges Braque ,en Picasso . Hij was een kunstverzamelaar en had schilderijen van Picasso en Matisse in zijn eigen huis. Het beeldmateriaal van een andere kunstenaar als inspiratiebron gebruiken, kan soms als controversieel worden beschouwd. Saint Laurent zou echter soortgelijke thema's als deze kunstenaars gebruiken en deze in draagbare kledingstukken opnemen. Hij nam een ​​tweedimensionaal motief en transformeerde het in een driedimensionaal kledingstuk dat een eerbetoon is aan enkele van zijn favoriete artiesten.

Pop Art en de revolutie van de jaren 60

Cocktailjurk gedragen door Muriel, hommage aan Piet Mondriaan, haute couture collectie herfst-winter 1965 door Yves Saint Laurent, gefotografeerd door Louis Dalmas , 1965, via Musée Yves Saint Laurent, Parijs (links); met Avondjurk gedragen door Elsa, Hommage aan Tom Wesselmann, haute couture-collectie herfst-winter 1966 door Yves Saint Laurent, gefotografeerd door Gerard Pataa, 1966 , via Yves Saint Laurent Museum, Parijs (rechts)

De jaren zestig waren een tijd van revolutie en commercie en waren een nieuw tijdperk voor mode en kunst. De ontwerpen van Saint Laurent kregen commercieel succes toen hij inspiratie begon te putten uit pop-art en abstractie. In 1965 creëerde hij 26 jurken, geïnspireerd op de abstracte schilderijen van Piet Mondriaan. De jurken belichaamden Mondriaans gebruik van simplistische vormen en gedurfde primaire kleuren. Saint Laurent gebruikte een techniek waarbij er geen naden zichtbaar zijn tussen de lagen stof, waardoor het lijkt alsof het kledingstuk uit één stuk bestaat. Saint Laurent nam de kunst van Mondriaan uit de jaren twintig en maakte het draagbaar en herkenbaar aan de jaren zestig.

De jurken in mod-stijl zijn klassieke voorbeelden van de stijl van de jaren 60, waar praktische zaken een groter probleem voor vrouwen werden. Ze waren vergelijkbaar met de kledingstukken uit de jaren 1920, die minder strak waren en mouwen en zoomlijnen hadden die meer huid vertoonden. De boxy silhouetten van Saint Laurent zorgden voor gemak en beweging voor vrouwen. Dit leidde ook tot zijn inspiratie van popart-artiesten zoals Tom Wesselmann en Andy Warhol. Hij creëerde een lijn van op pop-art geïnspireerde ontwerpen met silhouetten en uitsnijdingen op zijn kledingstukken. Het ging over het doorbreken van de beperkingen van wat abstractie was in kunst en het commercialiseren van design. Laurent bracht deze twee ideeën samen om kleding voor vrouwen te creëren die bevrijdend en aantrekkelijk was voor de moderne vrouw.

Kunstzinnigheid in haute couture-mode

Avondensembles, hommage aan Vincent van Gogh, gedragen door Naomi Campbell en Bess Stonehouse, haute couture-collectie lente-zomer 1988 door Yves Saint Laurent, gefotografeerd door Guy Marineau , 1988, via Yves Saint Laurent Museum, Taken

De Vincent Van Gogh Jassen van Saint Laurent zijn een voorbeeld van hoe Saint Laurent inspiratie van andere kunstenaars en zijn eigen ontwerptalenten combineerde. Net als zijn andere kledingstukken werden de thema's met betrekking tot kunstenaars niet gekopieerd en geplakt op de kleding van Saint Laurent. In plaats daarvan koos hij ervoor om ze als inspiratie te gebruiken en stukken te maken die zijn eigen stijl weerspiegelden. De jas is representatief voor de jaren 80-stijl met zijn sterke schouders en een zeer gestructureerde boxy-look. Het is een collage van zonnebloemen geborduurd in de schilderkunstige stijl van Van Gogh.

Zonnebloem jas-detail door Yves Saint Laurent , 1988, via Christie's (links); met Zonnebloemen-detail door Vincent van Gogh , 1889, via het Van Gogh Museum, Amsterdam

Yves Saint Laurent werkte samen met het huis van Lesage Huis , een leider in haute couture borduurwerk. Het zonnebloemjasje is geborduurd met buiskralen langs de randen van het jasje en zonnebloembloemblaadjes en stengels. De bloemen zijn gevuld met verschillende tinten oranje en gele pailletten. Dit creëert een multidimensionaal textuurstuk vergelijkbaar met Van Goghs techniek om dikke verf op canvas aan te brengen. Het wordt geschat op een van de duurste stukken haute couture die ooit is gemaakt, met een verkoopprijs van 382.000 euro van Christie's. Saint Laurent overbrugde de weg voor hoe men mode als een kunstwerk op zich kon dragen.