Wat is minimalisme? Een overzicht van de visuele kunststijl

Het beeldhouwwerk uit 2000 door Walter DeMaria , 1992, via LACMA

Minimalisme heeft de moderne kunst getransformeerd zoals we die nu herkennen. De sculpturale voorouders Donald Judd, Robert Morris en Sol LeWitt, die sinds de jaren zestig grotendeels gericht waren op muziek en esthetiek, zetten de bal aan het rollen voor een decennialange zoektocht naar creatieve bevrijding. Dit historisch overzicht beschrijft zijn metamorfose door de eeuwen heen.

Wie inspireerde het minimalisme?

Nr. VI / Samenstelling Nr. II door Piet Mondriaan , 1920, via Tate, Londen

De reductionistische tendensen van het modernisme legden een minimalistische basis lang voordat de term werkelijkheid werd. Hoewel New York City uiteindelijk de populariteit van het genre in het midden van de 20e eeuw heeft geïncubeerd, dateert de oorsprong ervan al in 1915, toen de avant-garde kunstenaar Kasimir Malevich zijn eigenzinnige schilderde Zwart vierkant . Samen met Vladimir Tatlin hadden de Russische leiders een specifieke interesse in het samensmelten van opkomende technologie met het dagelijks leven, door gemeenschappelijke objecten samen te stellen om kunst tot zijn ware vorm te scheren. Schilderijen dienden niet langer als objectieve spiegels van een driedimensionale samenleving, maar eerder als zelfreferentiële objecten, die de manieren onderzochten waarop een oppervlak zijn eigen fysieke beperkingen kon overwinnen. Andere pioniers, zoals de Nederlandse abstractionist Piet Mondriaan, wiens eenvoudige maar krachtige schilderijen de vlakheid van het canvas verlichtten, zetten deze praktijk in de jaren twintig voort. Vroege abstracte composities zoals die van hem Nr. VI (1920) onthullen deze generatiewens om figuratieve technieken te elimineren en de werkelijkheid terug te brengen tot een reeks geometrische vormen.

Eerbetoon aan het plein door Josef Albers , 1959, via het Guggenheim Museum, New York

Deze voorlopers zorgden voor een objectieve herwaardering van wat het betekende om kunstenaar te zijn. Dit kan grotendeels worden toegeschreven aan de toejuiching van de jaren twintig van Marcel Duchamp, die zich verzette tegen het idee dat kunst alleen emotioneel gemotiveerd zou moeten zijn. Hij geloofde dat alle revolutionaire kunst de kijkers zou moeten dwingen om machtssystemen verder te ondervragen, en zo een diepere betekenis bloot te leggen. In 1937 testte de proto-minimalistische beeldhouwer Constantin Brancusi dit idee door naar Roemenië te reizen en zijn 30 meter hoge Eindeloze kolom , een ruitvormige toren die hulde brengt aan gevallen lokale soldaten. Schilder Josef Albers heeft vervolgens minimalistische ideeën gecementeerd in het moderne kunstonderwijs door de nadruk te leggen op illusionaire picturale diepte in zijn hele Black Mountain College-positie. Zijn Hommage aan het plein (1950) illustreert deze belangrijke principes door middel van contrasterende kleuren, vormen en schaduwen, verankerd in empirische ontwerpstudies. In navolging van het voorbeeld, Color Field-schilders Ad Reinhardt en Mark Rothko al snel een speerpunt van een nieuwe visuele stijl, met de nadruk op esthetische eenvoud en gepigmenteerde paletten.

Wanneer begon het minimalisme?

Installatieweergave van 16 Amerikanen door Soichi Sunami , 1959, via MoMA, New York

Originele Minimalisten wilden nog meer letterlijke afbeeldingen maken van de wereld om hen heen. Gelovende kunst zou alleen naar zichzelf moeten verwijzen, velen gingen van picturale schilderkunst naar beeldhouwkunst of drukkunst om hun technieken te verbeteren. Frank Stella, algemeen beschouwd als de eerste Amerikaanse minimalist, brak in 1959 met een daverend gekletter de New Yorkse scene binnen dankzij zijn beroemde Zwarte schilderijen. Gepresenteerd op MoMA's baanbrekende 16 Amerikanen tentoonstelling, deze serie gestreepte doeken gespannen over gekartelde houten frames, naast precedenten uit Willem De Kooning en Franz Kline. Zonder enig menselijk teken, nam Stella's abstractie ook de kenmerken van de gegeven ruimte aan, terwijl ze volledig vlak, uitgestreken en gedurfd bleef, verstoken van subjectieve besluitvorming. Hij bevestigde deze eenvoudige zwarte schilderijen slordig maar met overtuiging en beweerde dat ze object waren trots. Zijn iconische 1964 citaat later uitgegroeid tot een theoretische mantra voor minimalisten wereldwijd: wat je ziet is wat je ziet.

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

De Green Gallery-tentoonstelling van 1964

Ongetiteld door Donald Judd , 1963, via The Judd Foundation, New York

Binnen het jaar bloeide een visionaire creatieve line-up op in de Green Gallery in New York. Curator Richard Bellamy coördineerde een cruciale tentoonstellingsreeks Nieuw werk om opkomende stemmen over verschillende media te paraderen. Robert Morris is gemaakt van commercieel multiplex en zwaaide met zijn Zonder titel (Hoekstuk) (1964), om de ruimte vanuit een nieuw gezichtspunt in te kaderen. In de tussentijd, En Flavin onthulde zijn legendarische fluorescerende situaties, de reactie waarop bewezen alledaagse materialen op welsprekende wijze de high society konden infiltreren. Flavin's goud, roze en rood, rood (1964), het allereerste vloerstuk van de Minimalist, stond tussen andere elektrische kunstwerken die te zien waren. Oproerkraaier Donald Judd maakte hier ook nog geen jaar eerder zijn debuut als serieus beeldhouwer met zijn opvallende Zonder titel (1963) , met in totaal vijf shows tijdens zijn korte bezetting. Ondanks dat ze zich bij Green vermengden, bestempelde geen van deze pioniers zichzelf als minimalisten. Vooraanstaande wetenschappers zetten zich in om een ​​nieuw vocabulaire te ontwikkelen om deze monumentale beweging te beschrijven.

Essays gepubliceerd over minimalisme

Een en drie stoelen door Joseph Kosuth , 1965, via MoMA, New York

Kritische essays die halverwege de jaren zestig werden gepubliceerd, vestigden uiteindelijk een algemeen minimalistisch paradigma. In 1965 bracht Donald Judd zijn verhandeling uit: Specifieke objecten , waarin hij eigenlijk de denominatie minimalisme verwierp. In plaats daarvan betoogde hij dat het genre moet worden erkend als specifieke objecten, dus een artistieke categorie die niet gemakkelijk kan worden geclassificeerd als uitsluitend schilderkunst of beeldhouwkunst. Gewoonlijk versmolten minimalisten deze twee media schuin, waardoor traditionele Europese conventies werden omvergeworpen ten gunste van fenomenologie . (Deze filosofische studie woog subjectieve ervaring boven objectieve waarheid, en onderstreepte hoe de reacties op een kunstwerk per context verschillen.) De meeste waren ook gericht op het zo nauwkeurig mogelijk repliceren van driedimensionale objecten, het uitroeien van auteurschap door middel van industriële gereedschappen en omvangrijke, niet-conformistische configuraties. Vanwege deze toegenomen bezorgdheid over de conceptie in tegenstelling tot de procedure, ontstond ook minimalisme in overeenstemming met Conceptuele kunst. Mijlpalen zoals die van Joseph Kosuth Een en drie stoelen (1965) uitgeroepen tot de vraag van het decennium : is het kunst, een object of geen van beide?

Primaire structuren In het Joods Museum

Installatieweergave van primaire structuren: jongere Amerikaanse en Britse beeldhouwers , 1966, via het Joods Museum, New York

Minimalisme beleefde zijn hoogtepunt in 1966. Dat jaar was het Joods Museum gastheer van primaire structuren, een blockbuster showcase van meer dan 40 prominente artiesten. Georganiseerd in tien galerieruimtes gescheiden door een onderdoorgang, kreeg de tentoonstelling vanaf het begin van haar ambtstermijn ook positief mediasucces. Zorgvuldig samengestelde muren presenteerden recente outputs van de relatief eminente Tony Smith naast Sol LeWitt, die zijn Zonder titel (1966) , een houten vloersculptuur die zijn latere werk voorspelt. Primaire structuren bracht ook ontluikende creatievelingen zoals Anne Truitt in de schijnwerpers met Zeetuin (1964) , later bekend om haar grootschalige installaties. Schilderijen aan de vooravond van minimalisme en kleurenveld, zoals die van Ellsworth Kelly Blauwe schijf (1963), maakte ook zijn opwachting. Door het zo te doen, Primaire structuren voor altijd het idee van een galerieruimte verwisseld, waarbij een samenhangend concept op de voorgrond werd gebracht in plaats van de afzonderlijke delen ervan te onderzoeken. De ideale kunstenaar creëerde niet langer alleen maar. Nu gingen deze dromers aan de slag om te ontwerpen.

Systemisch schilderen In het Guggenheim

Lawrence Alloway Systemisch schilderen installeren , 1966, via het Guggenheim Museum, New York

Andere instellingen volgden deze traditie snel na. In september 1966 vierde het Guggenheim feest Systemisch schilderen , een samensmelting van Amerikaanse kunstvormen zoals Hard-Edge en gevormde doeken. Geometrische abstractie kreeg de voorkeur bij deze presentatie van het beste talent van New York, hoewel een beschrijving van minimalisme in de hele catalogus ontbrak. Hoe doelgericht deze beslissing ook was, de kunstenaars die te zien waren, leken onbetwistbaar minimalistisch. Neil Williams's Kleermakersgewoonten van Billy Bo (1966) haaks op die van Frank Stella gehangen Wolfeboro IV (1966) in de High Gallery, twee juweeltjes in een onderling afhankelijke line-up. Westerse tentoonstellingsruimtes veranderden over het algemeen ook rond deze tijd, terwijl klassieke musea de taken uitbreidden. kunsthallen, een Duitse kijk op een hedendaagse galerieruimte, begon overal in Europa op te duiken, gereguleerd op basis van rotatie. Coöperaties zoals Artiestenruimte in New York voortdurend platforms geboden voor innovators om unieke hypothesen te uiten. De resulterende recensies waren lovend, waardoor de publieke perceptie van wat minimalisme echt zou kunnen worden, vooruitging.

Een verschuiving naar postminimalisme

Zonder titel (L-balken) door Robert Morris , 1965, via het Whitney Museum, New York

Tegen het einde van de jaren zestig liep het minimalisme uiteen in ongelijksoortige theorieën. Robert Morris liep voorop met Opmerkingen over beeldhouwkunst 1-3 , zijn essays uit 1966 die een formeel kader aanduiden voor leeftijdsgenoten om na te streven. In het bijzonder evalueerde hij Gestaltpsychologie, die een geordend geheel poneert, is groter dan de som van de componenten. Morris verwoordde deze implicatie volledig door de aan elkaar gebonden delen te benadrukken [om] een maximale weerstand tegen perceptuele scheiding te creëren, zonder gereguleerde eenheden of symmetrische intervallen. Door dit uitgangspunt eerder te testen, had hij zijn meest opmerkelijke sculptuur tot nu toe geactualiseerd, (Zonder titel) (L-balken). Drie identieke L-vormige veelvlakken balanceerden in verschillende posities, afhankelijk van elkaar terwijl ze de kijkers misleidden om verschillende groottes waar te nemen. (Het had elke keer een andere assemblage.) Later zou hij ook postuleren dat een rangschikking van onderdelen een letterlijk aspect is van het fysieke bestaan ​​van het ding. Deze verhoogde aantrekkingskracht op compromisloze materialen vormde het toneel voor wat later postminimalisme zou worden genoemd.

Begraven kubus met een belangrijk voorwerp maar weinig waarde door Sol LeWitt , 1968, via The No Show Museum, Zürich

Terwijl het minimalisme in een andere fase bloeide, onthulden zijn discipelen zijn wortels. Sol LeWitt ging in 1967 verder met het model van Morris toen hij zijn essay verspreidde Paragrafen over conceptuele kunst. Door de meesten beschouwd als het officiële manifest van de beweging, bevestigde hij dat hoe het kunstwerk eruit ziet niet zo belangrijk is. Integendeel, LeWitt geloofde dat het niet uitmaakt welke vorm het uiteindelijk heeft, het moet beginnen met een idee, waarbij hij verkondigde dat het het proces van conceptie en realisatie is waarmee de kunstenaar zich bezighoudt. Deze principes volgden hem tijdens zijn gedenkwaardige veertigjarige carrière, maar hij beweerde in 1968 het minimalisme helemaal te verlaten. Ter gelegenheid van zijn afscheid componeerde hij vervolgens Begraven kubus met een belangrijk voorwerp maar weinig waarde , letterlijk een kubus begraven in een plaatselijke tuin. Vandaag de dag zijn er alleen nog foto's over van deze kortstondige gebeurtenis, die de ondergang van een vervlogen tijdperk inluidt. LeWitt noemde het de dood van de auteur.

Een nieuwe generatie postminimalisten

Spiraalsteiger door Robert Smithson , 1970, via The Holt Smithson Foundation, Santa Fe

Tegen het begin van de jaren zeventig ontwikkelde het minimalisme zich tot verschillende afzonderlijke uitlopers van kunstenaars. Forefathers Judd en Morris geïnspireerde proceskunstenaar Richard Serra, wiens site-specifieke sculptuur Verschuiving (1972) toont een post-minimalistische nieuwsgierigheid met het mengen van buiten- en binnenconventies. Hoewel hij voor het eerst de wildernis inging, vond hij het wiel niet helemaal uit. Landgenoot Robert Smithson samengesteld Spiraalsteiger twee jaar eerder, een wervelende structuur gemaakt van zesduizend ton zwarte rotsen. Andere landartiesten, zoals Walter De Maria, sprongen ook op deze kar. Ondertussen, de ontluikende Bruce Nauman bracht hulde aan Flavin door met zijn neon . buiten lichtinstallaties te spelen La Pitch (1972) . Niet alle critici waren echter verheugd over deze creatieve rage. Historicus Michael Fried schreef een vernietigende analyse voor: Kunstforum tijdens de late jaren 1960 , Minimalisten ervan te beschuldigen ideologie te pushen in plaats van kunst. Hoewel hij de betekenis ervan erkende, schuwde Fried ook de inherente theatraliteit van het minimalisme. Een noodzakelijke afrekening daagde aan de horizon.

Een feministische revolutie in de kunst

Alleen zijn we machteloos Samen zijn we sterk door See Red Women's Workshop , 1976, via het Victoria and Albert Museum, Londen

Al snel ontstond er in 1974 een opstand. Het promoten van een tentoonstelling in De Leo Castelli-galerij , een naakte Robert Morris pufte zijn borst bedekt met gouden kettingen, gefotografeerd een helm uit het nazi-tijdperk op. Demonstranten die eerder deelnamen aan de Civil Rights Movement namen terecht aanstoot aan dit bevooroordeelde portret en riepen op tot terugroeping van de afbeelding. Opvallend was dat veel bezwaarmakers vrouwen waren die zich vervolgens richtten op de bredere kwestie van gender- en raciale gelijkheid. Wat daarna volgde, kan alleen maar worden omschreven als een fenomenaal domino-effect, dat elke hoek van de hedendaagse industrie op zijn kop zette. Vrouwelijke artiesten die aansluiten bij de tweede Amerikaanse golf van feminisme gingen de straat op naar piketgalerijen of musea verondersteld om onrechtvaardige praktijken te bevorderen. Al snel richtten volledig vrouwelijke mastheads tijdschriften op zoals ketterijen, en proefschriften zoals die van Linda Nochlin Waarom zijn er geen geweldige vrouwelijke artiesten geweest? de wereld rondging. Feministische flyers die samen verklaren dat we sterk zijn, hebben een toekomst vol diversiteit geschilderd.

Het diner feestje door Judy Chicago , 1974, via het Brooklyn Museum

Het duurde niet lang of deze feministische kracht manifesteerde zich in de kunsten. Vanguards voerden campagne tegen het door mannen gedomineerde postminimalistische veld door te streven naar onttroning stroom onevenwichtigheden en brutaliteit. Judy Chicago leidde deze achtervolging met Het etentje (1974) , een keramische sculptuur die een ceremonieel banket voorstelt. Hier rusten gouden kelken en porselein beschilderd porselein naast placemats die prominente vrouwen uit de geschiedenis vertegenwoordigen, een herbestemming van de stereotiepe huiselijke sfeer. (Chicago heeft de . opgezet Feministische Studio Workshop en Het vrouwengebouw Ook handgemaakte, ambachtelijke en symbolische composities kwamen voort uit een verlangen om de status-quo te ondermijnen. Lynda Benglis experimenteerde tegelijkertijd met het gieten van hars om te fabriceren Eet vlees (1975) , terwijl Eva Hessen bereikte een vergelijkbare uitbetaling via latex, glasvezel en plastic. Nancy Graves hanteerde stukjes dierenhuid en botten in haar gewaardeerde serie Kamelen (1968) en Uit fossielen (1977), sculpturen zo levensecht dat ze bijna griezelig zijn. In de komende decennia werden steeds meer inspanningen geleverd om de minimalistische monoliet te deconstrueren.

Minimalisme in latere jaren

Ongetiteld door Donald Judd , 1991, via MoMA, New York

Toch vielen maiden Minimalists niet helemaal van de radar. Judd werkte tot aan zijn dood in 1994, waarbij hij zijn gebruik van niet-conventionele gereedschappen uitbreidde tot zowel aluminium als email. In Zonder titel (1980) , hij geregenereerde een eerder stapelmotief door staal, aluminium en perspex, zorgvuldig lettend op elk detail. Vervolgens rangschikte Judd vijf kleurrijke kolommen in zijn geëmailleerde vloersculptuur Zonder titel (1991), het uitwissen van sporen van een compositorisch brandpunt. Walter De Maria geïnstalleerd Het beeldhouwwerk uit 2000 een jaar later in Zürich, met tweeduizend veelhoekige gipsstaven over het Kunsthaus. LeWitt wendde zich toen tot krabbeltekeningen zoals Muurtekening #1268 (2005), direct weergegeven op een galerijwand om op een sculptuur te lijken. Hoewel Morris in de jaren zeventig van figuratief werk veranderde, keerde hij onvermijdelijk terug naar de beeldhouwkunst met Bronzen Poort (2005), een cor-ten stalen boog die een tuinpaviljoen in Italië scheidt. Hij herdacht een laatste show in de Leo Castelli Gallery voordat hij in 2018 overleed.

Minimalisme in de beeldende kunst van vandaag

Muurtekening #1268 door Sol LeWitt , 2005, via The Albright-Knox Art Gallery, Buffalo

Tegenwoordig wordt minimalisme meestal gebruikt als een informeel woord om eenvoud aan te duiden. Gestript tot de essentie, strekken de nawerkingen van het genre zich uit van huisdecoratie tot auto's, films maken en zelfs schrijven. Binnen de kunsten roept minimalisme echter onmiskenbaar herinneringen op aan een radicale tijd in de menselijke geschiedenis, een voorwaartse strijd voor vrijheid waar velen vandaag nog steeds mee strijden. Hoe onbedoeld dit ook was, het luidde een meer democratisch artistiek tijdperk in, een tijdperk waarin vrouwen, gekleurde mensen en andere gemarginaliseerde groepen zich daadwerkelijk een plaats aan tafel konden veroorloven. Minimalisme doorbrak ook de barrières tussen typische media en zorgde tegelijkertijd voor een revolutie in de ervaring van zowel de kunstenaar als de kijker. Door dit te doen, hebben zijn opvolgers de naoorlogse Amerikaanse artistieke hiërarchie effectief ontmanteld, ooit onder bevel van de invloedrijke criticus Clemens Groenberg. Deze gevolgen kunnen nooit worden teruggedraaid. Maar voor die afvallige minimalisten die in de jaren zestig een eerste opstand zochten, is dit misschien precies het punt.