Conceptuele kunst: de revolutionaire beweging uitgelegd

Een en drie stoelen door Joseph Kosuth , 1965, MoMA

Oorspronkelijk afkomstig van minimalisme , werd conceptuele kunst een verzamelnaam voor alle verdere ontwikkeling van tendensen in de abstracte kunst die het idee achter het werk benadrukten. overspannend mediums, stijlen en tijdsperioden , was conceptuele kunst een revolutie die modernistische noties van 'kunst' uitdaagde. Lees verder voor een samenvatting van de beweging en haar culturele impact.

Conceptuele kunst: kunst zelf in vraag stellen

Werktekeningen en andere zichtbare dingen op papier die niet noodzakelijkerwijs als kunst bedoeld zijn Tentoonstelling door Mel Bochner, 1966, School of Visual Arts, New York

Mel Bochner's eerste tentoonstelling Werktekeningen en andere zichtbare dingen op papier die niet noodzakelijkerwijs als kunst bedoeld zijn het tonen van verschillende kunstboeken in een galerie in New York is een cruciale gebeurtenis in de geschiedenis van de conceptuele kunst. Uiteindelijk was het de Amerikaanse conceptuele kunstenaar Sol Lewitt met zijn essay Paragrafen over conceptuele kunst die de weg vrijmaakte voor conceptuele kunst als een geaccepteerde nieuwe kunstvorm. In zijn beroemde essay, gepubliceerd in Artforum in juni 1967, schreef Sol Lewitt:

Wanneer een kunstenaar een conceptuele vorm van kunst gebruikt, betekent dit dat alle planning en beslissingen vooraf worden gemaakt en de uitvoering een plichtmatige aangelegenheid is. Het idee wordt een machine die de kunst maakt.

Bovendien definieert Lewitt conceptuele kunst als niet-theoretisch en niet-illustratief voor theorieën, maar als intuïtief, betrokken bij alle soorten mentale processen en als doelloos. Conceptuele kunst stelt vaak de aard van kunst zelf in vraag. In zijn definitie van conceptuele kunst definieert kunstenaar Joseph Kosuth in 1969 kunst als tautologie en legt uit: de enige claim van kunst is voor kunst. Kunst is de definitie van kunst. (Citaat van Kunst na filosofie, 1969) Joseph Kosuth reflecteerde zelf op kunst als tautologie in veel van zijn kunstwerken.

Klok (een en vijf), Engels/Latijnse versie door Joseph Kosuth , 1965, Tate

Met zijn serie Kunst als idee als idee en kunstwerken zoals Een en drie stoelen (1965) of Klok (Een en vijf) Tentoonstellingsversie 1965, Kosuth reflecteert over de verschillende codes voor één stoel: een visuele code, een verbale code en een code in de taal van objecten, dat wil zeggen een stoel van hout, zoals uitgelegd in de beschrijving van de MoMA-collectie. Voor Kosuth kan de waarde van een kunstenaar worden afgewogen in hoeverre hij de aard van kunst in twijfel trekt (citaat uit Kunst na filosofie, 1969). Het citaat van de kunstenaar laat zien: Conceptuele kunst was niet alleen een nieuwe radicale vorm van kunst, maar ook een tegenovergestelde opvatting van Clement Greenbergs kijk op moderne kunst die in die tijd zeer prominent aanwezig was in de VS.

Marcel Duchamp, De kant-en-klare en conceptuele kunst

Ook al is conceptuele kunst vooral gerelateerd aan de periode van de jaren zestig en zeventig, het idee erachter gaat terug op de kunst van Marcel Duchamp en daarmee op de begin van de 20eeeuw . In zijn tekst Kunst na filosofie, Joseph Kosuth beschrijft Marcel Duchamp als een kunstenaar die voor het eerst de vraag naar de functie van kunst opriep. Hij schrijft: De gebeurtenis die het besef mogelijk maakte dat het mogelijk was om ‘een andere taal te spreken’ en nog steeds zinvol was in de kunst, was Marcel Duchamps eerste niet-geassisteerde Kant en klaar .

Fontein door Marcel Duchamp, 1917 (replica 1964), Tate

Vandaag de dag Marcel Duchamp wordt vaak een voorloper van de conceptuele kunst genoemd en zijn readymade Fontein uit 1917 wordt vaak genoemd als het eerste kunstwerk van de conceptuele kunst. Terwijl Amerika het centrum van het conceptualisme was, was de kunstbeweging internationaal. Hoewel vorm, kleur, afmetingen en materiaal van continent tot continent en van kunstenaar tot kunstenaar verschilden, waren de verschillende kunstwerken hetzelfde in de benadering van het uiten van het idee over vakmanschap en het uiteindelijke kunstwerk.

Niet-traditionele methoden en materialen

Veel kunstenaars kunnen ook worden verzoend in termen van kritiek op het kapitalisme en een steeds meer gecommercialiseerde kunstwereld. Net als Marcel Duchamp gebruikten veel kunstenaars daarom alledaags materiaal of produceerden ze opzettelijk moeilijk verkoopbare kunstwerken - of maakten ze zelfs het kunstwerk zoals kunstenaar Bruce McLean deed in zijn performancewerk Poseerwerk voor plinten in 1971.

Poseerwerk voor plinten door Bruce McLean , 1971, Tanya Leighton Gallery

In de archief van Tate Modern , Londen, wordt de performance in de Situation Gallery in 1971 door Bruce McLean beschreven als een ironisch en humoristisch commentaar op wat hij beschouwde als de pompeuze monumentaliteit van Henry Moore's grote, op een sokkel gebaseerde liggende sculpturen. Zowel McLean's als Moore's sculpturen boeien met een bijzonder organische vorm, die in het ene geval voortkomt uit het echte lichaam zelf, terwijl het in het andere geval deze zeer reële fysieke vorm in brons reproduceert.

Liggend figuur door Henry Moore , 1938, Privé-collectie

Radicale posities

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Hoewel veel kunstkijkers het misschien moeilijk vonden om het performancewerk van Bruce McLean te classificeren Poseerwerk voor plinten als kunst in de eerste plaats, had de Italiaanse conceptuele kunstenaar Piero Manzoni in 1961 een kunstwerk gepresenteerd dat zelfs ervaren kunstkijkers in verwarring bracht. De titel Shit artiest (De shit van de kunstenaar) verwijst al naar de provocatie die Manzoni met zijn kunstwerken wilde bereiken. Shit artiest (De shit van de kunstenaar) bestaat uit 90 blikken, elk – zoals de titel al zegt – gevuld met 30 gram ontlasting. Op het etiket op de blikken staat in het Italiaans, Engels, Frans en Duits:De shit van de artiest/Inhoud 30 gr netto/Vers geconserveerd/Geproduceerd en ingeblikt mei 1961.

Merda d'artista (kunstenaarspoep) door Piero Manzoni , 1961, Privé-collectie

Slechts enkele conceptuele kunstwerken in de kunstgeschiedenis combineren provocatie en concept op zo'n radicale manier. Door de uitwerpselen van kunstenaars tentoon te stellen, combineerde Manzoni de tegenstellingen van hoge kunst en biologische verspilling van idee en object in een blik van 4,8 x 6,5 centimeter. Bovendien is dit kunstwerk een ironisch commentaar op de mechanismen van de reclame-industrie in de jaren zestig. Een ander conceptueel kunstwerk dat een schandaal toen het voor het eerst werd tentoongesteld in 1976 werd gemaakt door de Amerikaanse kunstenaar Mary Kelly. In haar werken houdt Mary Kelly zich voornamelijk bezig met feministische onderwerpen. In een reeks van meerdere delen in de jaren zeventig documenteerde ze bijvoorbeeld de relatie tussen haarzelf als moeder en haar zoontje. Elk van de zes delen focust op verschillende formele momenten tussen moeder en zoon, die op hun beurt weerspiegeld worden in de kunstwerken als formele middelen.

Detail van Post-partumdocument door Mary Kelly , 1974, Instituut voor Hedendaagse Kunst, Londen

Mary Kelly combineerde vaak het gebruikelijke materiaal uit haar dagelijks leven met haar zoon met woorden – zoals ze deed in deel I van haar Documentatie na de bevalling . In dit werk gebruikte de kunstenaar de inlegkruisjes van haar zoon als een soort canvas en combineerde dit met geschreven woorden. Het schandalige detail van het werk is dat de luiervoeringen werden gebruikt en dat de kijkers van het kunstwerk niet alleen werden geconfronteerd met vlekken van braaksel, maar ook werden geïnformeerd over de combinatie van voedsel die het produceerde.

Ed Ruscha: Lopende conceptuele kunstprojecten

Al deze verschillende voorbeelden van conceptuele kunst hebben aangetoond: aangezien deze bijzondere vorm van kunst geconcentreerd is op het idee erachter, zijn er bijna geen grenzen van realisatie. De Amerikaanse kunstenaar Ed Ruscha is tegenwoordig een van de meest beroemde popart-artiesten maar hij staat ook bekend om zijn conceptuele werk. Sinds de jaren zestig heeft Ed Ruscha in verschillende media gewerkt, zoals schilderen, grafiek, tekenen, fotografie en film. Een van de meest interessante werken van de kunstenaar op het gebied van conceptuele kunst is het boek Elk gebouw op de Sunset Strip . Zoals de naam al doet vermoeden, is het een boek dat elk huis op de beroemde Sunset Strip in Los Angeles laat zien. Niet alleen de vorm van het boek – een 7,6 meter lang boek in accordeonvouw – maar ook de totstandkoming van de foto's in het boek zijn bijzonder interessant. Voor Elk gebouw op de Sunset Strip, Ed Ruscha fotografeerde de gehele lengte van Sunset Boulevard in Los Angeles met een zogenaamde gemotoriseerde camera. Met een speciale constructie van een camera op statief die op de laadruimte van een pick-up truck staat, documenteerde Ed Ruscha de volkstaal van Los Angeles met één foto per seconde op grote filmrollen.

Elk gebouw op de Sunset Strip door Ed Ruscha , 1966, Privé-collectie

Ed Ruscha begon dit project in de jaren zestig en werkt nog steeds aan zijn documentatie van Los Angeles. In de afgelopen decennia zou de kunstenaar bijna een miljoen foto's hebben gemaakt. Het feit dat Ed Ruscha zelf nooit alle foto's heeft ontwikkeld en slechts een klein percentage ervan heeft gebruikt voor boeken als Elk gebouw op de Sunset Strip laat zien hoeveel het concept van dit werk en de activiteit van documentatie zelf in termen van belang boven de output uitstijgen. Conceptuele kunst, zoals we zien in alle voorbeelden die in dit artikel worden genoemd, kent noch ruimtelijke, noch tijdelijke, noch vaak sociaal geldige morele grenzen. Conceptuele kunst kan ironisch, serieus of zelfs schokkend zijn. Conceptuele kunst kan uiteindelijk alles of niets zijn. Het idee erachter is het enige dat telt - het is de machine die de kunst maakt, zoals Sol Lewitt al in 1967 uitlegde.