Bruce Nauman: anti-kunstafvallige

Honderd leven en sterven Bruce Nauman , 1984, NY Times

Het creatieve genie van Bruce Nauman siert elk denkbaar medium. De kameleonachtige kunstenaar, die algemeen bekend staat om zijn oneerbiedige lichtinstallaties, bezit geen typische stijl, maar verandert in plaats daarvan naar zijn materialen alsof hij voorbestemd is. Van verontrustende beeldhouwkunst tot fotografie, video en tekenen, vandaag blijft Bruce Nauman de beschrijving trotseren, net zo intens als zijn ontstaan ​​zestig jaar geleden.

Het vroege leven en werk van Bruce Nauman

Ongetiteld, Bruce Nauman, 1965, SFMoMa

Naumans turbulente jeugd begon in Fort Wayne, Indiana, in de jaren veertig. Zijn vader een ingenieur, de kunstenaar dreef van de ene podunk stad in het Midwesten naar de andere, en paste er nooit echt in. Hij toonde heel weinig interesse in beeldende kunst, maar gaf in plaats daarvan de voorkeur aan muziekinstrumenten, een vroeg bewijs van zijn mediaveelzijdigheid. In de jaren zestig studeerde hij wiskunde en natuurkunde met een minor in schilderen aan de Universiteit van Wisconsin tot zijn afstuderen in 1964. Twee jaar later voltooide hij zijn MFA aan UC Davis. Onder zijn instructeurs waren avant-gardepioniers Manuel Neri, William T. Wiley en Robert Arneson, sculpturale non-conformisten die terreinen door een ontspannen en breed curriculum duwden. Nauman besloot ook om helemaal te stoppen met schilderen terwijl hij Davis bezocht, en claimde eenvoudig de overvloedige materialen in de weg stond. Slank met een gedempt kleurenpalet, zijn laatste canvas Ongetiteld (1965) lijkt weinig op het levendige oeuvre waar de kunstenaar vandaag de dag bekend om staat.

Het einde van de jaren zestig markeerde een experimentele tijd voor Bruce Nauman. Hij ontwierp zijn eerste sculpturen van glasvezel in 1965 en hanteerde een onconventionele benadering van gieten en gieten. Met behulp van polyesterhars creëerde Nauman een Ongetiteld serie waarin de fysieke potentie van zijn nieuwe medium wordt beoordeeld, monochromatische modellen tweemaal gegoten in glasvezel. Omdat het echter gebaseerd was op een met de hand gemaakt prototype van klei, nam hij ook een groot risico met de kwetsbaarheid ervan. Zijn gok zou echter onvermijdelijk vruchten afwerpen. Nauman werkte onvermoeibaar aan het begin van zijn carrière in de jaren zestig om zich te concentreren op een idee van hem hedendaags conceptualisten waren begonnen te postuleren: creatieve technieken vervingen de eindresultaten als een bron van betekenis. Ik was een kunstenaar en ik was in de studio, dan moet alles wat ik in de studio deed kunst zijn, Bruce Nauman eens merkte op over zijn vroege jaren. Op dat moment werd kunst meer een activiteit en minder een product.

Hoe proceskunst Nauman inspireerde

Mijn naam alsof het op het oppervlak van de maan is geschreven, Bruce Nauman , 1968, WikiArt

Nauman schrijft een artistiek genre toe dat hypergefocust is op methodologie. nagesynchroniseerd proces kunst, de stijl geeft de voorkeur aan techniek boven nawerking, en beschouwt handarbeid als creativiteit in zichzelf. Velen danken het ontstaan ​​ervan aan het monumentale moment Jackson Pollock verf op een leeg canvas gedruppeld, hoewel proceskunst verder teruggaat tot de wortels in dadaïsme. In plaats van zich te fixeren op eindresultaten, genieten proceskunstenaars van de lichamelijkheid van hun media en genieten ze van een routine van begin tot eind. Assembleren, classificeren en vormen waren allemaal even belangrijke facetten bij het creëren van een meesterwerk. Verdubbeling was met name van het grootste belang in het mixed-media-werk van Nauman aan het einde van de jaren zestig en zeventig. Verwant aan geleerde Marshall McLuhan's beroemde zin, zijn medium was inderdaad zijn boodschap. Nauman formuleerde duizenden genuanceerde verhalen door middel van licht-, video- en geluidsinstallaties, terwijl hij tegelijkertijd zijn artistieke rol onderzocht terwijl hij die vervulde.

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Naumans eerste tentoonstelling in New York

Neonsjablonen van de linkerhelft van mijn lichaam genomen met intervallen van 10 inch , Bruce Nauman, 1966

De Leo Castelli-galerij gastheer van Nauman's eerste tentoonstelling in New York in 1968. De kunstenaar vulde de kleine ruimte met zijn nieuwe experimenten en toonde rudimentaire licht- en video-installaties om zijn artistieke behendigheid te demonstreren, zoals zijn nu beroemde Neonsjablonen van de linkerhelft van mijn lichaam genomen met tussenpozen van 10 inch (1966). Maar hoeveel vertrouwen Castelli in hem had, critici ontvingen gemengde kritieken op zijn werk. Europese curatoren toonden vanaf het begin een sterke affiniteit met Nauman. Dissidenten in Amerika, met name New York, waren lang niet zo aardig. Schrijven in verband met zijn tentoonstelling in The Leo Castelli Gallery, historicus Robert Pincus-Witten uitgeroepen tot de output van Nauman infantiel narcisme. Waarschijnlijk veroorzaakte zijn status als buitenstaander in San Francisco territoriale jaloezie. Of misschien was New York City gewoon niet klaar voor zijn natuurlijke vooruitziende blik. Nauman zou niettemin bewijzen dat tegenstanders ongelijk hadden tijdens zijn volgende decennium in Californië.

Waarom Bruce Nauman minimalisme schuwde

De ware kunstenaar helpt de wereld door mystieke waarheden te onthullen (raam- of wandbord), Bruce Nauman, 1967, National Gallery of Australia

minimalisme bezette hegemonische prestige tijdens de beklimming van Bruce Nauman in de jaren zestig naar roem. Om dezelfde reden probeerde de beeldhouwer bewust de heersende creatieve orde tegen te gaan, waaronder vooraanstaande figuren als Barnett Newman en Donald Judd. Tegen die tijd was het archetype van een kunstenaar een nuchtere karikatuur geworden van perfectionistische neigingen, een fenomeen dat Nauman beschreef als een steeds groter zelfverheerlijkend fenomeen. Ik was verbaasd over hoe slecht ze waren gemaakt, hij had ooit kritiek op Judd's vroege werk in een... New York Times interview. In vergelijking met rigide, abstracte en platte formalistische technieken, was het werk van Nauman waarneembaar luchtig, een gebrekkige spiegel die zijn authentieke kunstenaarsreis weergaf. Hoewel nooit bevestigd, historici zelfs veronderstellen dat zijn uitgebreide titels een directe ondermijning zijn van conformistische neigingen om een ​​stuk naamloos te noemen. Vastgebonden met zijn dynamische multimedia-arsenaal schudde de provocateur de moderniteit tot in de kern door zijn eigen gedragscode te volgen.

Tegen het begin van de jaren zeventig steeg de carrière van Nauman tot ongekende hoogten. Hij verhuisde naar Pasadena, stortte zich in het performatieve aspect van de kunst en begon zich te vertakken in zijn sociale kringen. Onder zijn inspirerende collega's waren muzikanten en dansers, van wie Nauman leerde zijn creatieve proces verder aan te scherpen. Zijn neonblauw en rood lichtsculptuur The True Artist helpt de wereld door mystieke waarheden te onthullen (raam- of wandbord) (1967) is het beste voorbeeld van deze periode, de titel gekrabbeld in een duizelingwekkende spiraal. Door fantasievolle taal te combineren met commercieel geproduceerd materiaal, riep de kunstenaar zijn wiskundige achtergrond op door de ruimtelijke relativiteit van de kijker. Van een afstand leek de rode neonbekleding een nummer zes te zijn, waarbij Naumans inscriptie pas zichtbaar werd bij nadere inspectie. Gemarkeerd in internationale fora zoals Kunsthalle Bern en de Stedelijk Museum, Naumans institutionele intriges culmineerde in 1972, toen hem zijn eerste officiële museumretrospectief werd aangeboden.

Eerste retrospectief van Bruce Nauman

La Brea/Art Tips/Rattenspuug/Teerputten, Bruce Nauman , 1972, LACMA

Het Los Angeles Art Museum en The Whitney waren mede-curator van Nauman's extravaganza rondreizen. Marcia Tucker en Jane Livingston reisden door het land van New York naar Los Angeles en organiseerden het met de ambitie om Europa te bereiken. De collectie van de tentoonstelling bevatte nieuwe werken die Nauman eind jaren zestig en begin jaren zeventig voltooide, waaronder zijn eerste grootschalige buiteninstallatie. Ontworpen om LACMA te omringen, zijn La Brea/Art Tips/Rat Spit/Teerputten (1972) naast de prehistorische La Brea-teerputten, verlicht in neonrood en groen. Zoals zijn titel doet vermoeden, bevatte het stuk anagrammen van La Brea, een geestige maar schijnbaar doelloze woordspeling. Toch was trivialiteit precies het doel van Nauman. Gebruikmakend van gedurfde kleurcontrasten, benadrukte hij taalkundige puzzels om alledaagse zinnen en connotaties te verwarren. Ondanks zijn innovatieve prestaties demoniseerde een aantal pers Naumans retrospectieve niettemin als smakeloos. Een toegenomen maalstroom van de media bracht de kunstenaar ertoe zijn vliegroute te heroverwegen.

Naumans laatste jaren in Californië

Zilveren livres, Bruce Nauman , 1974, MoMA

Bruce Nauman is een beruchte Prive persoon. Of hij nu positief of negatief was, hij had een hekel aan de schijnwerpers, zijn paranoia nam toe met zijn roem. Tegen het midden van de jaren zeventig maakte bekendheid het slechtst van hem, en hij verminderde zijn artistieke productie ernstig. Uit deze afzondering kwam echter een ongelooflijke originaliteit naar voren, inclusief Nauman's nu bekende op tekst gebaseerde media. In feite bedacht hij zijn neonreclame uit 1974 Zilveren Livres in een poging de controle over zijn eigen werkwijze terug te krijgen, een tegenhanger van een grootschalige tentoonstelling die hij in Parijs herdacht. Overlappende sets van rode en groene buizen onthulden Franse anagrammen voor de term boeken, of boeken. Om een ​​einde te maken aan een gedenkwaardig tijdperk, maakte hij ook zijn laatste sculpturale werk in Pasadena Studio stuk in 1979. Het schaalmodel mengde zich met eerdere materialen waarmee Nauman zijn geometrische neigingen verkende. Daarmee nam hij nostalgisch afscheid van zijn geboorteland Californië, op weg naar een nieuw begin in New Mexico.

Toen Nauman naar New Mexico verhuisde

Violen Geweld Stilte, Bruce Nauman , 1981, Tate Modern

Nauman maakte in de jaren tachtig een nieuwe naam voor zichzelf. Tussen de weelderige glooiende heuvels van San Miguel County bouwde hij een nieuwe studio in een klein dorpje net ten zuiden van Santa Fe genaamd Pecos . Daar ontwikkelde hij ook een geavanceerde beeldtaal, waarbij hij zijn vereenvoudigde neonlichten verving door meer sinistere uitdrukkingswijzen. In Violen Geweld Stilte (1981) , geel en roze neonbuizen plaatsen zes woorden naast elkaar in een losjes gevormde driehoek, waarbij muzikaliteit wordt tegengegaan met sereniteit. In 1983 leidde Nauman zijn ideeën door The Stuart Foundation, die uiteindelijk zijn gloeiende Ondeugden en deugden op gevels in heel San Diego jaren later. Ontegenzeggelijk zijn beroemdste werk, het doorbraakdecennium van Nauman bereikte een hoogtepunt met zijn 1984 Honderd leven en sterven. Vier torenhoge kolommen, 100 onzinnige zinnen en een mengelmoes van fluorescerend pigment belichaamden feilloos onze paradoxale menselijke ervaring. Een complex algoritme verlichtte geselecteerde woorden terwijl andere donkerder werden om een ​​visuele eufonie van taal te produceren.

Terwijl de publieke perceptie van de avant-garde veranderde, veranderde ook de stijgende reputatie van Nauman. Hij vierde verschillende goed ontvangen solo-shows in de jaren tachtig, waaronder stints in Baltimore, Duitsland, en Londen. Tegen 1987 had hij zijn groeiende interesse in kijkersparticipatie gestold met werken als Clown Marteling , een projectie van groteske video's rond zijn karakteristieke motieven. Surveillance, stress, indringen en woordspelingen combineerden tot in het oneindige om het publiek te desoriënteren, verwijzend naar Naumans fundamentele obsessie: herhaling. Na een onderbreking van bijna twintig jaar keerde hij ook terug naar het gieten met zijn werk uit 1988 Zonder titel (Twee wolven, twee herten), gemaakt met behulp van uiteengereten taxidermie van een nabijgelegen winkel in New Mexico. Anatomisch gezien leken de Frankenstein-achtige wezens buitenaards, draaiend op een carrousel die doet denken aan een slachthuis. Nauman bloeide op het hoogtepunt van zijn multimediaproductie. In 1989 trouwde hij met collega-kunstenaar Susan Rothenberg, en het paar verhuisde naar een boerderij in het nabijgelegen Galisteo, waar ze momenteel nog steeds wonen.

Recent werk van Nauman

Installatieweergave van Feed Me/Anthro-Socio , Bruce Nauman, 1993, The Guardian

Video werd in de jaren negentig en 2000 Naumans voornaamste bezigheid. Op zoek naar zijn eigen communicatieve kracht, testte hij systematisch de contextuele relatie tussen lichaam en omringende ruimte, nieuwsgierig naar tijd als een relatief begrip. Zijn werk uit 1993 bijvoorbeeld Feed Me/Anthro-Socio een draaiende acteur die schreeuwde, voed me, help me, eet me op, doe me pijn, onvolledig zonder de onderdompeling van een kijker. In tegenstelling tot zijn tijdgenoten, vormden Naumans geselecteerde onderwerpen situationeel zijn video-installaties, niet omgekeerd. In 1999 werd hij individueel bekroond met een Gouden Leeuw op de 48e Biënnale van Venetië, de hoogste prijs voor filminzendingen. De American Academy of Arts and Letters heeft hem in 2000 ingewijd als lid en in 2004 ontving hij een Keizerlijke prijs. Toegekend door de Japan Art Association, de onderscheiding voor kunstenaars die een belangrijke bijdrage hebben geleverd aan de ontwikkeling van internationale kunst en cultuur. Bruce Nauman had belichaamd wat het betekende om als een wereldwijd boegbeeld te worden beschouwd.

Contrapposto-studies, I tot en met VII, Bruce Nauman , 2016, het Philadelphia Museum of Art

Tegenwoordig leidt hij een bescheiden leven op zijn boerderij in New Mexico. Weinigen zouden vermoeden dat zijn bescheiden complex een studio zou huisvesten in een kleine schuur, grenzend aan groene weiden voor het grazen van paarden. Hoewel zijn kunst nog steeds een belangrijke rol speelt, heeft Nauman zich uitgebreid naar andere bedrijfssectoren en heeft hij af en toe zelfs wilde dieren verkocht. Hij is niettemin creatief gerijpt tijdens zijn tijd in Galisteo. Een van zijn meest recente werken, Contrapposto-studies, ik tot en met VII (2016) , onderzoekt geluid en video door Nauman op een opvallende manier weer te geven tegengesteld houding. Optreden als een dubbelganger van zijn eerste beroemde Loop met contraposto (1968), de digitaal gemanipuleerde media gaven zijn bewegingen weer in positieve en negatieve film, respectievelijk vooruit en achteruit. Zelfs wanneer ze geconfronteerd worden met het onvermijdelijke verouderingsproces, is Naumans focus op lichamelijkheid in de loop der jaren niet veel veranderd. Integendeel, zijn greep op zijn biologische klok heeft plaats gemaakt voor meer intieme onderzoeken van zijn psyche. Zijn toekomst biedt misschien nog grotere inzichten.

De culturele erfenis van Bruce Nauman

Bruce Nauman in New Mexico , Alec Soth, 2018, NY Times

Het werk van Bruce Nauman fungeert als een angstaanjagende maatschappelijke lakmoesproef. Het maakt niet uit hoe agressief, provocerend of ronduit gruwelijk, de kunstenaar blijft zowel zijn intellectuele als fysieke grenzen uitbreiden om een ​​internationaal publiek te verbijsteren, te betoveren en te betreuren. Op eenentachtigjarige leeftijd heeft hij haatdragende kritiek, overweldigende lof en zelfs bijna fatale darmkanker doorstaan, die zijn gestage doorzettingsvermogen niet hebben gestopt. Zijn anti-kunst, die diepe mentale ongemakken veroorzaakt, heeft het publieke bewustzijn voor beter of slechter losgemaakt en ons plaatsvervangend getransporteerd door zijn creatieve zoektocht naar vrijheid. Bruce Nauman zal de kijkers lang na zijn treurige overlijden blijven polariseren.