Waarom was fotorealisme zo populair?

Fotorealisme kwam naar voren als een populaire schilderstijl in New York en Californië in de jaren zestig. Kunstenaars bootsten de technische precisie en microscopische aandacht voor detail van fotografie na, en creëerden beelden die er volledig uitzagen gemaakt met een machine . Zijn ideeën verspreidden zich snel over een groot deel van de Verenigde Staten en Europa, en hoewel het in de loop der jaren is geëvolueerd, is het nog steeds een gangbare schilderstijl vandaag. Maar wat was het met deze schilderstijl die de kunstwereld stormenderhand veroverde? Ging het gewoon om nauwgezet? foto's kopiëren in verf, of was er meer aan de hand? We onderzoeken enkele van de belangrijkste redenen waarom fotorealisme voet aan de grond kreeg, en de manieren waarop het opwindende nieuwe manieren van denken over en maken van kunst opende.

1. Fotorealisme ging over technische precisie

Audrey Flack, koningin, 1975-76, via Louis K Meisel Gallery

Een van de belangrijkste concepten rond fotorealisme was de nadruk op: technische precisie . Hoewel dit voornamelijk een schilderstijl was, probeerden kunstenaars alle sporen van hun hand volledig te verwijderen, dus het eindresultaat zag er volledig mechanisch uit. Om het leven nog moeilijker te maken, zochten kunstenaars die in deze stijl schilderden vaak naar specifieke technische uitdagingen, zoals het glanzende oppervlak van glas, reflecties in spiegels of het aanroepen van fotografisch licht. In haar stillevenstudies 'Vanitas' schilderde de Amerikaanse kunstenaar Audrey Flack allerlei glanzende oppervlakken, van spiegels en glazen tafelbladen tot vers fruit en sieraden.

2. Fotorealisme overstijgt de beperkingen van fotografie

Gerhard Richter, Brigid Polk, (305), 1971, via Tate

Sommige fotorealistische kunstenaars onderzochten het gebruik van meerdere fotografische bronnen binnen één schilderij, en dit stelde hen in staat om het enkelvoudige perspectief van een individuele foto te overstijgen. Anderen richtten zich op ongelooflijke aandacht, zoals huidporiën of haarzakjes die moeilijk te vangen zouden zijn in één enkel fotografisch beeld. Een van de bekendste voorbeelden is de Amerikaanse schilder Chuck Close's Zelfportret, een enorme, dreigende afbeelding van het gezicht van de kunstenaar, scherp geschilderd. Om zichzelf verder uit te dagen, schilderde Close ook de glans van zijn bril en een half brandende sigaret die aan zijn lippen hing. Duitse artiest Gerhard Richter verder gespeeld met de grens tussen schilderen en fotografie, schilderen wazige fotografische beelden om ze een schilderachtig gevoel te geven.

3. Het vierde de populaire cultuur

John Salt, Rood/Groene auto, 1980, via Christie's

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Veel fotorealistische kunstenaars waren nauw verbonden met pop-art, zich toe-eigenen van afbeeldingen uit de populaire cultuur en het normale leven, zoals advertenties in tijdschriften, ansichtkaarten, winkelpuien en straattaferelen. Net als pop-art nam fotorealisme een postmodern nadering. Het verwierp de elitaire, utopische idealen van high modernisme en abstractie , kunst weer verbinden met de echte wereld en de ervaringen van normale mensen. De Britse kunstenaar Malcolm Morley maakte schilderijen op basis van oude ansichtkaarten van oceaanstomers, terwijl de Amerikaanse kunstenaar Richard Estes het glanzende fineer schilderde van winkelgevels en voorbijrijdende auto's op straat. Uit deze denkrichting ontstond een uitgestreken stijl, met een bewuste nadruk op schijnbaar banale, alledaagse onderwerpen, die op een vlakke, afstandelijke manier werden geschilderd, maar met ongelooflijke vaardigheid. De schilderijen van de Britse kunstenaar John Salt van bouwmarkten en in elkaar geslagen oude auto's demonstreren dit aspect van fotorealisme.

4. Ze verkenden nieuwe technieken

Chuck Close, Zelfportret, 1997, via Walker Art Gallery

Om zo'n nette precisie te creëren, omarmden fotorealisten een reeks technieken. Veel gebruikte processen die normaal voorbehouden zijn aan commerciële schilders, zoals lichtprojectoren voor het opschalen van foto's op canvas, en airbrushes, waarmee kunstenaars onberispelijke, gemechaniseerde effecten die alle sporen van de hand die het maakte volledig verborg. Anderen werkten met rasters, legden een gerasterd patroon over een kleine foto en kopieerden getrouw elk klein vierkantje van het raster stuk voor stuk. Hij gebruikte rasters gedurende zijn hele carrière en hij vergeleek dit methodische proces met breien, waarbij hij rij voor rij een groter ontwerp opbouwde. In zijn latere kunst maakte Close dit proces explicieter, door elke gerasterde cel te vergroten en abstracte rechthoeken en cirkels toe te voegen.