De opkomst van digitaal schilderen: een hedendaags fenomeen

In My Time of Dying door Glenn Brown, 2014 (links); met Black-Light, Stuart Shave installatieweergave in Londen door Jacqueline Humphries, 2014 (rechts)

Digitaal schilderen is een huwelijk van tegenstellingen, waarbij de kleverige puinhoop van verf wordt verenigd met het schone, gepolijste fineer van de technologie. Met informatietechnologie binnen handbereik en schermen die ons dagelijks leven verlichten, is het misschien geen verrassing om schilders te zien onderzoeken hoe ze kunnen worden ingebed in hun artistieke praktijk. Van rudimentaire printers en kopieerapparaten tot de nieuwste computercodering, animatieprogramma's of fluorescerende verf, de digitale schilderijen van vandaag zijn ingenieus inventief en onderzoeken de vele manieren waarop geautomatiseerde effecten in een geverfd oppervlak kunnen worden verwerkt. Het combineren van deze digitale technieken met een expressieve, schilderkunstige taal is een stijlfiguur die veel van deze kunstenaars hebben aangenomen, om ons eraan te herinneren dat we onder de gloeiende uitstraling van digitaal licht toch nog steeds rommelige, onvolmaakte mensen zijn.

De geschiedenis van digitaal schilderen

Penseelstreken door Roy Lichtenstein , 1965 via Christie's

Sinds de uitvinding van de fotografie in de late 19eeeuw heeft schilderkunst een lastige relatie met technologie. Expressieve en abstracte schilderstijlen kwamen voor het eerst naar voren als een tegengif voor fotografie, wat aantoont dat verf een identiteit kon hebben die volledig los stond van de ketenen van representatie, een identiteit die van nature verbonden was met de subjectieve menselijke ervaring. Het was pas in de jaren zestig, met de komst van Pop Art en Fotorealisme dat kunstenaars het concept van digitaal schilderen begonnen te verkennen. Een van de eersten die een digitale esthetiek omarmde, was de popartiest Roy Lichtenstein , die de inktbesparing introduceerde 'Ben-day' stippen van stripboeken in zijn kunst, ze uitvergroten tot duizelingwekkende patronen van kleur en licht. Zijn koele, afstandelijke taal van mechanische stippen leek volledig machinaal gemaakt, maar was in feite nauwgezet met de hand beschilderd met platte magna verf door middel van een metalen stencil.

op het schilderij Penseelstreken, 1965 Lichtenstein vergroot het fragment van een stripverhaal getiteld 'The Painting' van Dick Giordano. De abstracte vormgeving van zijn compositie lijkt op die van New Yorks abstract expressionistische schilders uit de jaren vijftig, maar Lichtenstein parodieert bewust hun vermeende originaliteit door zijn abstracte compositie en druipende verf volledig synthetisch te maken.

Zonder titel (figuur) door Sigmar Polke , 1983, via Sotheby's

In het kielzog van Amerikaanse popart , een alternatieve groep artiesten die zichzelf noemde Kapitalistische Realisten ontstond in West-Berlijn en kondigde zichzelf aan als de eerste popartiesten van Duitsland. Een van de meest prominente leden die naar voren kwam, was Sigmar Polke, die de werelden van media, reclame en populaire cultuur voor onderwerpen ontgonnen had. Maar in tegenstelling tot de zuivere taal van de Amerikaanse pop, kozen kapitalistische realisten een grovere en rommeligere benadering, waarbij ze de Expressionisme van het verleden van Duitsland met elementen van massamediabeelden om hun eigen merk digitale schilderkunst te creëren.

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Net als Lichtenstein hield Polke van stippen omdat ze de gedrukte pagina vertegenwoordigden, maar hij nam de zijne van het opzettelijk goedkope, rommelige proces van uitvergrote fotokopieën. Polke plakte, drukte en schilderde deze stippen in veel van zijn schilderijen en veranderde ze in zijn eigen brutale handelsmerkstijl, zoals te zien is op het schilderij Zonder titel (figuur), 1963.

Abstract schilderij nr. 439 door Gerhard Richter , 1978, via Tate, Londen

Duitse schilder Gerhard Richter was nauw verbonden met Polke en de kapitalistisch-realistische beweging, en deelde met Polke een wederzijdse fascinatie voor hoe het bedrukte oppervlak in de schilderkunst kon worden verwerkt. Richter is misschien het best bekend om zijn kenmerkende wazige, fotorealistische schilderijen die de zacht gefocuste lens van fotografie zo goed nabootsen dat het vaak moeilijk te zeggen is of ze echt geschilderd zijn. Zijn werk sluit nauw aan bij de Amerikaanse fotorealisten van de jaren zestig en zeventig, die op zoek waren naar manieren om het scherpe realisme van fotografie in de schilderkunst nauwkeurig weer te geven.

Maar Richter koos voor een meer experimentele benadering, waarbij hij fotografische en schilderkunstige effecten vermengde om zijn bewondering voor zowel massamedia als de tactiliteit van verf tot uitdrukking te brengen. In de jaren zeventig begon Richter zijn eigen expressieve, abstracte schilderijen te fotograferen en op basis van deze foto's nieuwe schilderijen te maken. Zoals te zien is in Abstract schilderij nr. 439, 1978, de vloeibare vloeibaarheid van verf wordt samengevoegd met het glanzende, ongerepte oppervlak van de foto om een ​​echt digitaal schilderij te creëren. Zowel Richter als Polke hebben een bijzonder diepgaande invloed gehad op de hedendaagse schilders van vandaag, die hun speelse, experimentele benaderingen blijven uitbreiden.

Gevonden afbeeldingen en fotografie

Varkensbaai door Dexter Dalwood , 2004, via Christie's

Veel hedendaagse schilders halen hun onderwerp uit gevonden fotografische bronnen in plaats van directe observatie, een houding die de infiltratie van gedrukte media in ons dagelijks leven weerspiegelt. Sommige van de meest avontuurlijke schilders van vandaag benadrukken opzettelijk het digitale karakter van hun bronmateriaal, waarbij ze de nadruk leggen op de texturen en oppervlakken van het originele gedrukte beeld en de uitgesneden of gescheurde randen.

De Britse kunstenaar Dexter Dalwood maakt schilderijen die zijn gebaseerd op zijn eigen kleine collages, waarbij hij opzettelijk scherp uitgesneden schaarlijnen of gekartelde scheuren met verf op canvas reproduceert. Hoewel zijn schilderijen vaak vreemde, illusionaire plaatsen verbeelden, zoals te zien in Varkensbaai, 2004 herinnert de door elkaar gegooide, knip- en plaktaal van collages die ze construeert ons eraan dat schilderen in wezen nog steeds een plat, tweedimensionaal object is.

Gezien en niet gezien door Neil Gall, 2013, via David Nolan Gallery, New York

Net als Dalwood vindt de Britse kunstenaar Neil Gall het leuk om door de visuele efemere verschijnselen van het dagelijks leven te wroeten en uit te zoeken hoe dit in de schilderkunst kan worden verwerkt. Zijn fotorealistische doeken zijn een eclectische en verwarrende mix van referenties, maar we kunnen vaak de verfrommelde pagina's van een glossy tijdschrift herkennen tussen ander willekeurig afval uit zijn studio. In Gezien en niet gezien, 2013, tijdschriftfragmenten met vrouwengezichten zijn bijna zichtbaar, terwijl hij nauwgezet de scherpe kreukels papier op zijn fotorealistische oppervlak kopieert.

Computers, printers en kopieerapparaten

Ongetiteld door Wade Guyton , 2010, via Art in Print

Sinds Polke baanbrekend gebruik maakte van rommelige fotokopieën in de jaren zestig en zeventig, zijn kunstenaars blijven experimenteren met de speelse tweedeling tussen digitaal printen en schilderen. De Amerikaanse kunstenaar Wade Guyton maakt werken die typerend zijn voor de term digitaal schilderen, printen op vellen canvas met een groot formaat Epson Stylus Pro 9600 inkjetprinter . Zijn kenmerkende geometrische ontwerpen van vierkanten, x'en en rasters worden op een computer gepland voordat ze op canvas worden afgedrukt, maar wat hij het leukst vindt, zijn de technische problemen die optreden met de printer die buiten zijn macht ligt, wanneer het canvas vast komt te zitten en eruit moet worden getrokken , of inktuitloop en -overschrijdingen. Deze verrassend schilderkunstige ongelukken onthullen de creatieve, improviserende mogelijkheden binnen de zogenaamd schone, geperfectioneerde taal van inkjetprinten.

Ongetiteld door Charline von Heyli , 2003, via Christie's

De hedendaagse Duitse schilderes Charline von Heyl werkt vanuit gevonden beelden, die ze vervolgens verduistert en abstraheert door middel van het schilderen. Sinds 2001 experimenteert ze met fotokopieerapparaten en hoe ze reeds bestaande beelden kunnen vervormen en transformeren en haar een eindeloze reeks nieuw materiaal kunnen bieden om mee te werken om haar eigen merk digitale schilderkunst te creëren. Soms genereert ze nieuwe beelden door op fotokopieën te schilderen, zoals te zien is in het schilderij op papier, Ongetiteld, 2003, een energieke vlaag van activiteit die deels digitaal, deels geschilderd lijkt.

Schermen en bewegende beelden

jHΩ1 :) door Jacqueline Humphries , 2018, via Mousse Magazine

Een van de meest opwindende kunstenaars die tegenwoordig digitaal schilderen maakt, is de Amerikaanse schilder Jacqueline Humphries, wiens schilderijen de digitale talen van captcha-codes, emoji's en computerprogramma's illustreren. Haar ingewikkelde herhalingspatronen van stippen, streepjes, x-en en emoticons zijn geschilderd door een industriële stencilsnijder, die ze vervolgens verweeft met expressionistische verfstrepen, waarbij ze digitaal schilderen combineert met de onvoorspelbare bewegingen van haar hand. Ze vergelijkt dit proces van gelaagdheid met de activiteit op meerdere schermen van een computer, waar we meerdere pagina's tegelijk kunnen bekijken, de een op de ander.

Black-Light, Stuart Shave installatieweergave in Londen door Jacqueline Humphries, 2014, via Greene Naftali Gallery, New York

Haar beroemde serie van 'blacklight'-schilderijen boots verder de esthetiek na van gloeiende computerschermen, geschilderd met ultraviolette verf op enorme doeken die alleen te zien zijn in een verduisterde kamer verlicht door ultraviolette lampen, waardoor haar schilderijen een filmische kwaliteit krijgen.

13 mogelijke toekomsten door Amy Sillman , 2012, via This is Tomorrow Magazine

De Amerikaanse abstracte schilder Amy Sillman is misschien het best bekend om haar losse, geïmproviseerde doeken gemaakt van netwerken van gelaagde lijnen, vormen en levendig getinte kleuren, maar ze heeft ook pittige animaties die haar beeldtaal tot leven brengen . Het animatiewerk, Dertien mogelijke toekomsten: Cartoon voor een schilderij, 2012 werd gemaakt met behulp van een iPad-tekenapp, die de vele verschillende richtingen volgde die een van haar schilderijen zou kunnen nemen met een speels humoristische taal. Sillman printte vervolgens elk frame van de animatie uit en maakte er een enorme installatie , waardoor we een kijkje achter de schermen kunnen nemen bij de uitgebreide besluitvorming die nodig is om een ​​enkel kunstwerk te produceren.

De toekomst van digitaal schilderen

In mijn tijd van sterven door Glenn Brown , 2014, via de website van Glenn Brown

Nu we een toekomst van toenemende technologische ontwikkeling tegemoet gaan, lijdt het weinig twijfel dat de reikwijdte van digitaal schilderen zich in nieuwe en opwindende richtingen zal blijven uitbreiden. De Britse kunstenaar Glenn Brown ziet de toekomstige rol van de schilderkunst als een rol die de kunstgeschiedenis van het verleden recycleert en opknapt, en deze omvormt tot iets nieuws. Zijn schilderijen kopiëren en herwerken eerdere oude en nieuwe schilderijen van een breed scala aan kunstenaars uit Rembrandt van Rijn aan Frank Auerbach, maar hij filtert ze door een digitaal scherm, waardoor ze een griezelige sfeer van digitaal licht krijgen. Hij vraagt ​​ons na te denken over wat de toekomstige functie van schilderkunst kan zijn in het postdigitale tijdperk wanneer we zo volledig omringd zijn door schermen, maar nog zoveel te winnen hebben bij het ervaren van de rauwe lichamelijkheid van een echt schilderij.