Fotorealisme: de beheersing van alledaagsheid begrijpen

Bus met weerspiegeling van het Flatiron Building door Richard Estes , 1966-67, via Smithsonian Magazine en Marlborough Gallery, New York

Fotorealisme is een radicale kunstbeweging uit het Noord-Amerika van de jaren zestig, waarbij schilders foto's tot in de kleinste details kopieerden op enorme, uitgestrekte doeken. Gedurende de hele fotorealistische beweging toonden kunstenaars een meesterlijke technische virtuositeit in de schilderkunst die als niets daarvoor was, door de twee tegengestelde mediums van schilderen en fotografie op een nieuwe manier met elkaar te verbinden.

Kunstenaars zo gevarieerd als Malcolm Morley, Chuck Close en Audrey Flack namen de fotorealistische stijl over om het glanzende nieuwe gezicht van de naoorlogse stedelijke cultuur te observeren, en transformeerden nederige of banale onderwerpen zoals oude ansichtkaarten, rommelige tafelbladen of etalages in betoverende kunstwerken . Maar bovenal luidde de fotorealistische kunstbeweging een gedenkwaardige periode in de kunstgeschiedenis in, want sindsdien heeft fotografisch materiaal een cruciale rol gespeeld in de ontwikkeling van de hedendaagse schilderkunst.

De camera: een schildersgereedschap voor fotorealisme

SS Amsterdam voor Rotterdam door Malcolm Morley , 1966, via Christie's

Sinds zijn uitvinding in de 19e-eeuwse fotografie had onvermijdelijk een impact op de aard en de rol van de schilderkunst. Het was niet langer de rol van schilderen om de nauwkeurigheid van het leven vast te leggen, dus schilderen was vrij om iets heel anders te zijn: velen hebben betoogd dat deze verschuiving leidde tot 19een 20e-eeuwse kunst verder naar de rijken van abstractie , waar verf zich kon gedragen zoals het wilde. Maar tegen het begin van de jaren zestig waren veel kunstenaars het beu om verf alleen maar rond te slingeren, in plaats daarvan op zoek naar iets fris en nieuws. Betreed kunstenaars Malcolm Morley en Richard Estes. De Britse schilder Morley wordt vaak genoemd als de eerste kunstenaar die het fotorealisme verkende en minutieus gedetailleerde kopieën maakte van ansichtkaarten met idyllische oceaanstomers die door het oogverblindende blauwe water varen in een stijl die hij superrealistisch noemde.

Diner door Richard Estes , 1971, via Smithsonian Magazine en Marlborough Gallery, New York

Op de hielen van Morley zat de Amerikaanse schilder Richard Estes, die de trend volgde met nauwgezet weergegeven afbeeldingen van de glanzende gevel van New York, van de gepolijste ramen van diners uit de jaren vijftig tot de metaalachtige glans van gloednieuwe auto's. De reflecterende oppervlakken die hij gebruikte, waren een opzettelijke etalage voor zijn meesterlijke beheersing van de schilderkunst en zouden een enorme invloed hebben op het fotorealisme. Deze nieuwe stijl van schilderen leek aanvankelijk op een terugkeer naar de tradities van het realisme, maar in werkelijkheid was het een geheel nieuw rijk van onontgonnen terrein. Wat het werk van het fotorealisme onderscheidde van de zeer realistische schilders uit het verleden, was een opzettelijke poging om kwaliteiten te repliceren die uniek zijn voor het fotografische beeld, zoals uiteengezet in de publicatie Kunst in de tijd : Fotorealistische kunstenaars uit de jaren zestig en zeventig onderzochten het soort visie dat uniek was voor de camera … focus, scherptediepte, naturalistische details en uniforme aandacht voor het oppervlak van de foto.

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Fotorealisme, popart en minimalisme

Ijzerhandelaren door John Salt , 1981 , via National Galleries of Scotland, Edinburgh

Graag willen Pop Art en minimalisme, Fotorealisme ontstond uit het Europa en de Verenigde Staten van de jaren vijftig als reactie op de extreem emotionele talen van Abstract expressionisme. Pop Art kwam eerst en maakte de weg vrij met een brutale focus op de gimmicky glamour van reclame en de cultuur van beroemdheden, geïnjecteerd met zure felle kleuren en vereenvoudigde ontwerpen. Minimalisme was in vergelijking cool en gelikt, een ingetogen, verfijnde kijk op abstractie met repetitieve rasters, geometrie en beperkte kleur. De fotorealistische beweging ontstond ergens tussen deze twee stromingen in en deelde de toe-eigening van: populaire cultuur met Pop Art , en de zuivere, methodische rationaliteit van het minimalisme. In tegenstelling tot het brutale plezier van Pop Art, observeerden fotorealistische kunstenaars banale onderwerpen met een wrange, uitgestreken ironie die verstoken was van menselijke emotie: een groot contrast is te zien tussen Andy Warhol's iconisch Pop-motief van Campbell's soepblikken, 1962 en John Salts fotorealistische observaties van een etalage van ijzerwaren in Ijzerverkopers , 1981. Fotorealisme botste ook met minimalisme door elementen van verhalende of realistische inhoud weer te geven in tegenstelling tot hun pure, zuivere taal van reductieve eenvoud.

Toonaangevende artiesten

’64 Chrysler door Robert Bechtle , 1971, via Christie's

Gedurende het begin van de jaren zeventig won het fotorealisme aan snelheid en werd het een enorm fenomeen in Noord-Amerika. Leiders in de nieuwe stijl waren onder meer de Californische kunstenaars Robert Bechtle, Ralph Goings en Richard Mclean en in New York de schilders Chuck Close, Audrey Flack en Tom Blackwell. In plaats van een verenigde groep, werkte elke kunstenaar onafhankelijk en benaderde een fotorealistische stijl binnen hun eigen conceptuele kader. Robert Bechtle schilderde scènes die hij de essentie van de Amerikaanse ervaring noemde, waarbij hij de visuele iconografie van reclame weerspiegelde met gewone voorstedelijke scènes van gezinnen en hun betrouwbare auto's als het ultieme symbool van kapitalistische luxe. Zijn focus op het vlakke, glanzende fineer is echter een beetje te perfect, wat suggereert dat er duisternis op de loer ligt achter deze oppervlakkige façade. Richard Mclean produceerde ook een geïdealiseerde visie op het Amerikaanse leven, maar hij gebruikte paarden- of runderonderwerpen in plaats van de wildgroei in de buitenwijken, en documenteerde slimme ruiters, dierenverzorgers en glanzende paarden in brandende zon als het ware embleem van de Amerikaanse droom.

Medaillon door Richard Mclean , 1974, via Guggenheim Museum, New York

Een beweging is geboren

Er werden aanvankelijk verschillende namen naar dit bonte gezelschap van ontluikende jonge kunstenaars gegooid, waaronder New Realism, Super-Realism en Hyper-Realism, maar het was de New Yorkse galeriehouder Louis K Meisel die voor het eerst de term ‘fotorealisme’ bedacht in de catalogus voor de Whitney Museum's tentoonstelling Tweeëntwintig Realisten, 1970. Na het succes van deze show vond Meisel zichzelf in de jaren 70 opnieuw uit als eenmanscheerleader voor het fotorealisme, wijdde hij zijn eigen SoHo-galerij aan de promotie van fotorealistische kunstwerken en publiceerde hij een strikte vijfpuntsgids die beschrijft in nauwkeurig detail hoe een fotorealistisch kunstwerk eruit zou moeten zien. Een ander mijlpaalmoment voor de fotorealistische beweging kwam in 1972 toen de Zwitserse curator Harald Szeemann regisseerde het hele documenten 5 in Duitsland als een showcase voor de fotorealistische stijl met de titel De werkelijkheid in vraag stellen - picturale werelden vandaag, met het werk van maar liefst 220 kunstenaars die werken met fotografische schilderstijlen.

Hoe deden ze het?

Groot zelfportret door Chuck Close, 1967-68, via het Walker Art Centre, Minneapolis

Fotorealistische kunstenaars verkenden een reeks inventieve en soms ingenieuze trucs om zulke indrukwekkend nauwkeurige resultaten te bereiken. De New Yorkse schilder Chuck Close maakte enorme, minutieus gedetailleerde portretten van zichzelf en zijn vrienden door verschillende revolutionaire technieken te combineren. De eerste was om een ​​raster op een polaroidbeeld aan te brengen om het op te splitsen in een reeks kleine componenten, en vervolgens elk klein onderdeel tegelijk te schilderen om te voorkomen dat hij overweldigd zou worden door de enorme omvang van de taak die voor hem lag. Deze methodische aanpak vergeleek hij met ‘breien’, omdat het beeld rij voor rij methodisch wordt opgebouwd. Sluit ook aangebrachte verfelementen met een airbrush en schraap erin met scheermesjes om fijnere definitiegebieden te bereiken en bevestig zelfs een gum op een elektrische boor om echt in die zachtere toongebieden te werken. Verbazingwekkend genoeg claimt hij zijn iconische 7-bij-9-voet Groot zelfportret, 1967-68 werd gemaakt met slechts een theelepel zwarte acrylverf.

Tweede Wereldoorlog (IJdelheid) door Audrey Flack , 1977, via Christie's

Daarentegen projecteerde collega-kunstenaar Audrey Flack uit New York haar eigen fotografische beelden op een canvas als een gids voor het schilderen; de eerste van haar werken die op deze manier werden gemaakt was Farb Familieportret, 1970. Door met projectie te werken, kon ze een duizelingwekkende nauwkeurigheid bereiken die alleen met de hand niet mogelijk zou zijn geweest. Flack bracht vervolgens met een airbrush dunne verflagen op haar doeken aan en verwijderde daarmee alle sporen van haar hand in het eindresultaat. In tegenstelling tot de afstandelijke stijlen van haar tijdgenoten, waren de schilderijen van Flack vaak bekleed met een diepere emotionele inhoud, met name haar stillevenstudies die de memento mori-traditie weergalmden met zorgvuldig geplaatste objecten die de kortheid van het leven symboliseren, zoals schedels en brandende kaarsen, zoals te zien in werken zoals Tweede Wereldoorlog (ijdelheid), 1977.

Hyperrealisme

Man op een bankje door Duane Hanson , 1977, via Christie's

In het kielzog van de fotorealistische beweging ontstond in de late jaren zeventig een nieuwe, opgeblazen versie van de stijl, die bekend werd als hyperrealisme. In tegenstelling tot het algemene mechanische, afstandelijke oog van fotorealistische onderwerpen, concentreerde hyperrealisme zich op opzettelijk emotionele onderwerpen, terwijl het gevoel van ontzag en omvang van hun onderwerpen werd verhoogd met enorme schalen, extreme belichting of hints naar verhalende inhoud. Onafhankelijk curator, schrijver en spreker Barbara Maria Stafford beschreef de stijl voor het tijdschrift van Tate Gallery Tate-papieren als iets dat kunstmatig wordt geïntensiveerd en gedwongen om reëler te worden dan het was toen het in de echte wereld bestond.

Beeldhouwkunst was een bijzonder belangrijk onderdeel van hyperrealistische kunst, met name de lichaamsafgietsels van glasvezel van de Amerikaanse beeldhouwers Duane Hanson en John de Andrea, die ongelooflijk levensechte figuren in poses of scenario's plaatsen die verwijzen naar onvertelde verhalen onder de oppervlakte. De hedendaagse Australische beeldhouwer Ron Mueck heeft deze ideeën de afgelopen jaren tot het uiterste doorgevoerd door surrealistische figuratieve emblemen te produceren die spreken over de complexiteit van de menselijke conditie met verschoven schalen om hun emotionele impact te versterken. Zijn enorme pasgeboren baby in een meisje, 2006, is meer dan 5 meter lang en legt met theatraal drama het wonderbaarlijke wonder vast van het ter wereld brengen van een kind.

Een meisje door Ron Mueck , 2006, via de National Gallery van Melbourne, Australië en De Atlantische Oceaan

Recente ideeën in fotorealisme

Loopy door Jeff Koons , 1999, via het Guggenheim Museum, Bilbao

Het fotorealisme bereikte zijn hoogtepunt in de jaren zeventig, maar sindsdien zijn er gedurende de volgende decennia variaties in de stijl blijven bestaan. Na de explosie van informatietechnologie in de jaren negentig, adopteerde een nieuwe golf kunstenaars fotorealistische manieren van werken, maar velen zijn verder gegaan dan het letterlijke van de fotorealistische kunstbeweging door elementen van creatieve digitale bewerking op computerprogramma's te introduceren.

Zonder titel (Oceaan) door Vija Celmins , 1977, via het San Francisco Museum of Modern Art

In Amerikaanse artiest Jeff Koons kitsch, Easyfun-etherisch serie, inclusief het werk Loopy, In 1999 maakt hij digitale collages met verleidelijke uitgesneden fragmenten uit tijdschriften en billboard-advertenties, die vervolgens door zijn team van assistenten in verf worden opgeschaald op enorme doeken ter grootte van een muur. Aan de andere kant van het spectrum maakt de Amerikaanse kunstenaar Vija Celmins minuscule, prachtig geobserveerde tekeningen en afdrukken op papier in zwart-wit, die de uitgestrekte oceaan of de met sterren gevulde nachtelijke hemel weergeven met kleine, zich herhalende vlekken en vlekken die maar net onthullen de sporen van hun ontstaan.

Ondiepe sterfgevallen door Glenn Brown , 2000, via The Gagosian Gallery, Londen

De Britse schilder Glenn Brown pakt het helemaal anders aan; voortbouwend op de surrealistische taal van hyperrealisme maakt hij fotorealistische kopieën van beroemde expressionistische kunstwerken die gloeien met een aura van onnatuurlijk licht alsof ze op een computerscherm worden bekeken. Browns complexe proces van het in verf kopiëren van een foto van het kunstwerk van een andere kunstenaar laat zien hoe nauw onze ervaringen met het zien en maken van schilderijen verweven zijn met de digitale ervaring van vandaag.