The Rise of the Women Movement: 7 feministische kunstwerken die je moet kennen

Paper Women door Sanja Iveković, 1976-1977 (links); met Untitled Film Still #3 van Cindy Sherman, 1977 (rechts)

In de jaren zeventig organiseerden vrouwelijke kunsthistorici zoals Linda Nochlin feministische tentoonstellingen zoals de 1976 Vrouwelijke kunstenaars 1550-1950 in LACMA. Dit soort tentoonstellingen toonde het bestaande gebrek aan kennis over vrouwelijke kunstenaars in de kunstgeschiedenis en hun uitsluiting uit de meeste museumcollecties. Gedurende deze tijd begon de feministische kunsttheorie zich als een praktijk te ontwikkelen. Feministische kunstenaars gebruikten in hun werk verschillende strategieën om vragen te stellen over de politieke, sociale en culturele positie van vrouwen in de samenleving. Als we kijken naar de kunst van Cindy Sherman, Barbara Kruger of Judy Chicago, is er niet een bepaalde stijl, maar een diverse artistieke benadering. Hier zijn 7 belangrijke feministische kunstwerken die je moet kennen!

1. De feministische kunst van Cindy Sherman: 69 filmbeelden zonder titel

Film zonder titel nog #10 door Cindy Sherman , 1978, via MoMA, New York

Cindy Sherman is een beroemde Amerikaanse kunstenaar geboren in 1954. Het grootste deel van haar werk bestaat uit portretten waarin ze meestal een personage belichaamt. Haar alom geprezen serie genaamd Filmbeelden zonder titel bestaat uit zwart-wit foto's gemaakt in de late jaren zeventig. In deze serie poseert Sherman als fictieve personages uit de films van de jaren vijftig en zestig. Veel foto's uit de serie zien eruit als stills uit filmscènes wanneer er iets onaangenaams of eng staat te gebeuren.

Om de serie van Cindy Sherman en feministische kunst in het algemeen te begrijpen, moeten we kijken naar: Laura Mulvey 's baanbrekende essay over de mannelijke blik. In haar essay uit 1975 Visueel plezier en verhalende cinema , Mulvey analyseerde hoe de camera naar vrouwen kijkt in de Hollywood-cinema. Ze categoriseerde het als iets genaamd de mannelijke blik – een blik die vrouwen objectiveert. Door de mannelijke blik worden vrouwelijke personages gefetisjeerd en als passief afgeschilderd.

Film zonder titel #3 door Cindy Sherman , 1977, via MoMA, New York

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Daarom speelt Cindy Sherman de stereotype vrouwelijke personages die Hollywood ons wil laten zien. De kunstenaar toont de Hollywood-vrouwelijkheid van de jaren vijftig als een maskerade. Bij het maken van haar feministische kunst gebruikt Sherman make-up, pruiken, rekwisieten, poses en gezichtsuitdrukkingen om te laten zien dat wat we op het witte doek zien een constructie is. Hoewel Sherman zichzelf als model gebruikt, worden de foto's niet noodzakelijkerwijs als zelfportretten opgevat, aangezien de kunstenaar zich voordoet als een ingebeeld personage.

2. Guerrilla-meisjes: Moeten vrouwen naakt zijn om in de Met te komen. Museum?

Moeten vrouwen naakt zijn om in de Met te komen. Museum? door Guerilla Girls , 1989, via Tate, Londen

De guerrillameisjes omschrijven zichzelf als feministische activistische kunstenaars. De groep bestaat uit veel anonieme leden. De feministische kunstwerken van Guerilla Girls lijken op posters en billboards waarmee ze belangrijke politieke boodschappen overbrengen. Door de eenvoudige maar effectieve uitstraling van teksten en slogans willen Guerilla Girls laten zien hoe vrouwen worden gediscrimineerd in de kunstwereld. Ze praten niet alleen over het gebrek aan vertegenwoordigde vrouwelijke kunstenaars, maar ook over het gebrek aan vertegenwoordigde kunstenaars van kleur.

In hun stuk uit 1989 Moeten vrouwen naakt zijn om in de Met te komen. Museum? Guerilla Girls wezen op de enorme verschillen in het aantal vrouwelijke kunstenaars in The Met Museum en het aantal vrouwelijke naakten op de schilderijen die je daar kunt zien. Het werk toont een gewijzigde versie van het schilderij De Grote Odalisk door de Franse neoklassieke schilder Jean-Augustus-Dominique Ingres . In plaats van het hoofd van Odalisque zien we een Gorillamasker. Het stuk werd oorspronkelijk gemaakt voor het New York City Public Art Fund, maar werd later afgewezen. Dus om het werk door een groot aantal mensen te laten zien, huurden Guerilla Girls advertentieruimtes op de New York City-bussen. Hun feministische kunstwerken zouden het bewustzijn moeten vergroten van de bestaande genderongelijkheid in verschillende creatieve industrieën.

3. Barbara Kruger: Ongetiteld ( Het is een kleine wereld, maar niet als je het moet opruimen)

Ongetiteld ( Het is een kleine wereld, maar niet als je het moet schoonmaken) door Barbara Kruger , 1990, via MOCA, Los Angeles

Barbara Kruger is een andere kunstenaar die slogans gebruikt in haar feministische kunstwerken. Beïnvloed door de consumentencultuur en massamedia decodeert Kruger berichten die we voortdurend via verschillende verkooppunten ontvangen. Via haar beeldteksten stelt Kruger de vraag wie gedragscodes, onderdrukking, cultuur en identiteit creëert.

Sommige van haar slogans klinken als bevelen. Ze roepen bijna het gevoel op van een machtig iemand die ons vertelt hoe we ons wel of niet moeten gedragen. Kruger heeft gezegd dat ze afbeeldingen en woorden gelooft die... de macht hebben om ons te vertellen wie we zijn en wie we niet zijn, wie we kunnen zijn en wie we nooit kunnen zijn.

In haar kunst wijst Kruger op patriarchale taal en beelden. Haar expliciet feministische stukken zoals Je lichaam is een slagveld of Je blik raakt de zijkant van mijn gezicht laat zien dat vrouwen de rechten op hun lichaam overnemen.

In haar stuk Het is een kleine wereld, maar niet als je moet schoonmaken het, Kruger gaat in op de suburbane levensstijl van het naoorlogse Amerika. De beroemde feministe Betty Friedan schreef over de problemen van Amerikaanse huisvrouwen en het probleem dat geen naam heeft in haar boek De vrouwelijke mystiek . Vrouwen die het grootste deel van het huishouden doen, is nog steeds een probleem, dus het stuk van Kruger is relevant als we kijken naar de hedendaagse samenleving, niet alleen naar het verleden.

4. Het baanbrekende feministische kunstwerk van Judy Chicago: Het diner feestje

Het diner feestje door Judy Chicago , 1979, via Brooklyn Museum

Judy Chicago ‘s installatie Het diner feestje is een van de beroemdste werken van feministische kunst. Deze kunstinstallatie bestaat uit een tafel gevuld met keramiek, textiel en porselein die beroemde vrouwen door de geschiedenis heen herdenken. De tafel is als een driehoek geplaatst en heeft 39 borden die elk een bepaalde vrouw vertegenwoordigen. Sommige van de vrouwen aan tafel zijn Georgia O'Keeffe, Virginia Woolf, Emily Dickinson, Elizabeth I, Theodora en Sappho. De platen worden ook verondersteld te lijken op vrouwelijke genitaliën. Op de marmeren vloer onder de tafel staan ​​nog eens 999 vrouwennamen in goud geschreven.

Het duurde vier jaar om het stuk in al zijn fijne details te maken. De installatie veroorzaakte nogal wat opschudding toen het in 1979 voor het eerst werd geopend in het San Francisco Museum of Modern Art en 100.000 mensen het kwamen bekijken.

Chicago's stuk toont ook borduurwerk en andere kunstpraktijken die historisch zijn gecategoriseerd als vrouwelijk en daarom van minder waarde dan schilderkunst en beeldhouwkunst.

Het diner feestje is een krachtig en massief kunstwerk dat vrouwen, hun seksualiteit en hun historisch belang eert en viert. Deze kunstinstallatie wordt permanent tentoongesteld in het Brooklyn Museum, dus als je naar New York City reist, mis dan niet de kans om het te zien.

5. De collage van Mary Beth Edelson: Enkele levende Amerikaanse vrouwelijke artiesten/laatste avondmaal

Enkele levende Amerikaanse vrouwelijke artiesten/laatste avondmaal door Mary Beth Edelson , 1972, via MoMA, New York

Een ander iconisch werk van feministische kunst is Mary Beth Edelson 's Enkele levende Amerikaanse vrouwelijke artiesten/laatste avondmaal . In haar versie van Leonardo da Vinci's Laatste Avondmaal Edelson veranderde de gezichten van Jezus Christus en de apostelen met gezichten van vrouwelijke kunstenaars. In plaats van het gezicht van Christus zien we het gezicht van Georgia O'Keeffe . Behalve O'Keeffe, omvatte Edelson ook artiesten als Agnes Martin, Helen Frankenthaler, Lee Krasner , Alma Thomas, en Yoko ono . Onder de zwart-witfoto's van elk figuur schreef Edelson de naam van de persoon die we zien. Zoals Judy Chicago in haar stuk Het diner feestje , is Edelson degene die vrouwen hun verdienstelijke plaats aan tafel geeft. Er zijn nog meer foto's van vrouwelijke kunstenaars rond de hoofdafbeelding, elk respectievelijk genummerd en genoemd.

Edelson gebruikte ook andere schilderijen uit de kunstgeschiedenis zoals die van Ingre De Turks bad en Rembrandts beroemd werk De anatomische les van Dr. Nicolaes Tulp voor haar artistieke interventies. Feministische gezichtspunten zijn zelfs aanwezig in de titels van haar kunstwerken. Zo heet haar versie van Rembrandts groepsportret Dood van het patriarchaat / A.I.R. Anatomische les . Door zich beroemde kunstwerken toe te eigenen zoals Het laatste Avondmaal, Edelson zet vraagtekens bij de positie van vrouwen in zowel de kunstgeschiedenis als de kerk.

6. Martha Rosler's video: Semiotiek van de keuken

Semiotiek van de keuken door Martha Rosler , 1975, via MoMA, New York

Martha Rosler is een Amerikaanse kunstenaar die in verschillende artistieke media werkt, zoals fotomontage, installatie, video, prestatie , beeldhouwkunst, en digitale kunst . De hoofdthema's van haar werk zijn oorlog en gender.

Haar beroemde stuk Semiotiek van de keuken, is een 6 minuten durende video-performance die kookprogramma's hekelt. Het stuk bekijkt hoe televisie gender vertegenwoordigt.

In de video doet Rosler een schort om en imiteert hij een huisvrouw, en somt verschillende keukengerei op en reciteert ze van A tot Z. Terwijl hij de objecten een naam geeft, treedt Rosler theatraal en agressief voor de camera op. De kunstenaar maakt een parodie op de keuken die typisch wordt gezien als een vrouwelijke ruimte in huis. Rosler gebruikt daarom parodie als een strategie om het idee van gendergerelateerde ruimte te deconstrueren. Het werk fungeert tevens als referentie naar: Julia Kind , een televisiepersoonlijkheid die bekend staat om haar kookprogramma De Franse chef-kok . In plaats van een vrolijk en vrolijk kind, treedt Rosler serieus en boos op.

Rosler behandelt ook kwesties van genderrollen, huiselijke ruimtes en politiek in haar beroemde fotomontages in de serie Huis mooi (het werk mee naar huis nemen) .

7. Joegoslavische feministische kunst in Sanja Iveković's Papieren Vrouwen

Papieren Vrouwen door Sanja Iveković , 1976-77, via MACBA, Barcelona

Sanja Iveković is een Kroatische kunstenaar geboren in 1949. Iveković maakte deel uit van een groep jonge Joegoslavische kunstenaars genaamd the Nieuwe kunstpraktijk die ontstond na het studentenprotest van 1968. In haar werk gaat Iveković vaak in op feministische kwesties, genderverschillen en problemen met de representatie van vrouwen in de media.

In haar serie 1976-77 genaamd Papieren Vrouwen, Iveković gebruikte advertenties in tijdschriften met verschillende mooie vrouwen. In Iveković's versie van de advertenties worden vrouwen weergegeven als uit elkaar gescheurd, gesneden en over hun huid gekrast. De kunstenaar toont schoonheid als een verontrustend concept waarbinnen pijn en agressie liggen.

Je kunt haar feministische standpunten ook opmerken in werken als Zoet geweld of Dagboek . In Dagboek aan de ene kant zijn afbeeldingen van vrouwen in volledige make-up te zien, terwijl aan de linkerkant gebruikt tissuepapier en wattenschijfjes zijn geplaatst. De vuile wegwerpvoorwerpen aan de rechterkant laten zien dat schoonheidsnormen iets zijn dat wordt geconstrueerd met behulp van bepaalde producten.

Net als veel andere feministische kunstenaars laat Iveković zien dat stereotiepe normen voor vrouwelijke schoonheid ook beperkend en agressief kunnen aanvoelen. Voor Iveković zijn de media uiteindelijk gewelddadig tegen vrouwen, en ze erkent die pijn en dat geweld door haar interventies op de originele tijdschriftafbeeldingen.