4 kunstenaars uit het Victoriaanse tijdperk die kunst maakten omwille van de kunst

Details van Vlammende juni door Sir Frederic Leighton, 1895; en De dagdroom door Dante Gabriel Rossetti, 1880

De uitdrukking kunst omwille van de kunst klinkt misschien eenvoudig, maar deze vier woorden luidden een gloednieuwe kunstbeweging in het Victoriaanse Londense tijdperk in. Kunst om de kunst is ontstaan ​​als een Engelse vertaling van de Franse slogan kunst voor kunst . In de jaren 1860 werd het concept gepopulariseerd door Walter Pater , een invloedrijke Britse kunstcriticus. Zijn werk hielp de basis te leggen voor de Aesthetic Movement, die een diverse groep avant-garde kunstenaars, ambachtslieden en dichters uit het Victoriaanse tijdperk verenigde onder het motto kunst om de kunst.

Kunst omwille van de kunst: een achtergrond

Walter Pater stond bekend om het gebruik van bloemrijk proza ​​in zijn kunstgeschiedenisessays en kritische recensies van kunst en literatuur uit het Victoriaanse tijdperk. Zijn werk was vaak gericht op het verlangen naar schoonheid, de liefde voor kunst omwille van de kunst, en hij predikte vaak dat de beste kunst naar je toe komt en eerlijk belijdt om je momenten alleen maar de hoogste kwaliteit te geven als ze voorbijgaan, en gewoon ter wille van die momenten. Deze filosofieën waren rechtstreeks in tegenspraak met de eeuwenoude tradities van de prestigieuze Koninklijke Academie van Beeldende Kunsten en sociale normen uit het Victoriaanse tijdperk.

Symfonie in het wit, nr. III door James Abbott McNeill Whistler , 1865-1867, via Barber Institute of Fine Arts, Birmingham

In het negentiende-eeuwse Groot-Brittannië dicteerde de reguliere cultuur een strikte moraal. Kunst werd voornamelijk gebruikt om ethische, politieke, sociale of religieuze boodschappen uit te drukken. Ondertussen onderwees de Koninklijke Academie nog steeds een hiërarchie van kunst die de voorkeur gaf aan Klassiek en hoog Italiaanse Renaissance onderwerpen en stijlen. Gebouwd op het concept van kunst omwille van de kunst, wilde de Aesthetic Movement dit alles omverwerpen, erop aandringend dat kunstenaars hun werk niet zouden moeten rechtvaardigen boven de intrinsieke waarde ervan.

Het was binnen deze culturele context dat makers in verschillende disciplines kunst omwille van de kunst als hun credo hebben aangenomen, waaronder de Prerafaëlitische Broederschap , de schilders van de Aesthetic Movement onder leiding van James Abbott McNeill Whistler , interieurontwerpers van de Arts and Crafts-beweging geleid door William Morris , en de Fleshly School-dichters onder leiding van Algernon Charles Swinburne . Ze waren allemaal van mening dat het door hen gekozen medium los van elke didactische of utilitaire functie moest kunnen bestaan. Op het gebied van schilderkunst waren onderwerp en verhaal niet langer relevant - een benadering die voor die tijd revolutionair was - en kunst omwille van de kunst bracht een opwindend nieuw kunstgenre voort met bijdragen van deze vier opmerkelijke kunstenaars uit het Victoriaanse tijdperk.

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

1. James Abbott McNeill Whistler: Poëzie van het zicht

Arrangement in grijs en zwart nr. 1 (portret van de moeder van de kunstenaar) door James Abbott McNeill Whistler , 1871,via Musée d'Orsay, Parijs

Whistler was een in Amerika geboren kunstenaar die een van de leiders van de Aesthetic Movement werd. Hoewel hij nooit echt uitblonk in een academische omgeving, studeerde Whistler in Parijs naast de impressionisten en vestigde zich vervolgens in Londen, waar hij omging met de kunstenaars van de avant-garde uit het Victoriaanse tijdperk. Door deze invloeden hielp Whistler de weg vrijmaken voor kunst om de kunst om echt aan te slaan.

Walter Pater beweerde dat alle kunst streeft voortdurend naar de toestand van muziek. Ook Whistler voelde zich aangetrokken tot het idee dat muziek de meest voorbeeldige vorm van kunst is ter wille van de kunst. Dit komt omdat een muziekstuk zonder tekst - en dus geen definitief verhaal of onderwerp - alleen kan worden gewaardeerd om zijn schoonheid. Whistler streefde inderdaad naar dit effect in de beeldende kunst en ging zelfs zo ver dat hij zijn schilderijen niet naar hun onderwerpen noemde, maar met muzikale termen als Harmonie , Regeling , Nocturne , en Symfonie . Wat betreft zijn onconventionele naamgevingsstijl, Whistler uitgelegd Zoals muziek de poëzie van geluid is, zo is schilderen de poëzie van het zicht, en het onderwerp heeft niets te maken met harmonie van geluid of kleur.

Zelfs het beruchte portret van Whistlers moeder is vooral een esthetische opstelling van kleuren en vormen. Het is alleen in de volksmond bekend als een portret van de moeder van de kunstenaar, terwijl de officiële titel - Arrangement in grijs en zwart nr. 1 - suggereert dat het schilderij niets meer is dan een esthetische compositie van gedempte kleuren.

Nocturne: Blauw en Goud - Oude Battersea Bridge door James Abbott McNeill Whistler , ca. 1872-1875, via Tate, Londen

Evenzo schilderde Whistler 's nachts vaak scènes van de mistige rivier de Theems in een serie die hij noemde: Nocturnes . Elk Nocturne heeft een opmerkelijk vlakke en eenvoudige compositie, een eentonig kleurenpalet en brede, doorschijnende penseelstreken. Het eindresultaat is een dromerig visueel effect van licht en kleur in plaats van een conventioneel landschapsschilderij van een bekende plek. Kijkers uit het Victoriaanse tijdperk waren geschokt door het schijnbaar onvoltooide uiterlijk en het onbepaalde onderwerp van deze schilderijen - zozeer zelfs dat een rechtszaak volgde.

2. Albert Moore: ontspannen luxe

Dromers door Albert Moore , 1882, via Birmingham Museum and Art Gallery, Birmingham

Als jonge kunstenaar was Moore gefascineerd door antieke beeldhouwkunst . Hij besteedde uren aan het bestuderen en schetsen van de Elgin Marbles , een verzameling oude Griekse sculpturen uit de Parthenon in het British Museum in Londen. Zijn academische bekwaamheid en Neoklassieke stijl verleende hem tentoonstellingsruimte aan de Royal Academy of Art, maar zijn felle artistieke onafhankelijkheid belette hem uiteindelijk om volledig samen met de meer traditionele academici deel te nemen.

Moore staat bekend om zijn decadente composities van vrouwelijke figuren in verschillende staten van rust en ontspanning, meestal geposeerd in een ingebeelde en zeer decoratieve, klassieke setting. In tegenstelling tot het soort kunst dat wordt gepromoot door de Royal Academy, bevatten de schilderijen van Moore geen historische verhalen of waarneembare berichten. De vrouwelijke figuren bestaan ​​niet als onderwerp, maar als een van de vele elementen van een esthetische compositie. Hun identiteit en zelfs hun gezichtsuitdrukkingen zijn doelbewust vaag, maar de kunstig weergegeven lichamen, stoffen, texturen en harmonieuze kleurenpaletten demonstreren Moore's talent voor het combineren van een overvloed aan decoratieve details om een ​​luxueus, maar toch ontspannen effect te bereiken.

Granaatappels door Albert Moore , ca. 1875, in de Guildhall Art Gallery, Londen, via Art UK

In feite zijn de meeste van zijn schilderijen, zoals Granaatappels , zijn vernoemd naar mooie dingen zoals bloemen en fruit, of tijden van de dag en seizoenen. Deze titels beschrijven geen verhaal of onderwerp, en ze noemen zelfs niet de meest opvallende objecten in de schilderijen. In plaats daarvan benadrukken ze het algehele decoratieve effect dat het schilderij wil bereiken. Hoewel elk onderdeel van Moore's schilderijen een herkenbare vorm vertegenwoordigt, zijn alle objecten en figuren zo geabstraheerd van alle identificerende kenmerken dat ze alleen bestaan ​​om een ​​esthetische compositie te voltooien die wordt genoten vanwege zijn schoonheid - een uitstekend voorbeeld van kunst omwille van de kunst.

3. Dante Gabriel Rossetti: sensuele portretten

De dagdroom door Dante Gabriel Rossetti , 1880, via Victoria and Albert Museum, Londen

Zowel een schilder als een dichter, Rossetti wordt herinnerd voor zijn zeer decoratieve portretten van vrouwen, waarvan er vele poëzie op de lijsten hebben gegraveerd of in de compositie zijn opgenomen. Rossetti was een van de oprichters van de prerafaëlitische broederschap en voelde zich als zodanig aangetrokken tot middeleeuwse inspiratiebronnen die dateren van vóór Raphael ,de favoriet van de Koninklijke Academie Oude meester Renaissance schilder. Rossetti was ook geïnteresseerd in het experimenteren met wat Walter Pater noemde: picturale poëzie, of kunstwerken die tot volledige expressie komen door te tekenen en te kleuren, in plaats van door een verhaal te vertellen.

Rossetti exposeerde tijdens zijn leven niet vaak in het openbaar, maar zijn reputatie groeide niettemin toen bezoekers van zijn studio het woord verspreidden over zijn gedurfde innovaties. Hij was ook berucht om het gezelschap van verschillende vrouwelijke muzen. Rossetti voelde zich specifiek aangetrokken tot vrouwen met sterke, hoekige gelaatstrekken, volumineuze kapsels en een verleidelijke aanwezigheid - veel in tegenstelling tot de Victoriaans tijdperk ideaal van delicate en preutse vrouwelijkheid.

Gekuste mond door Dante Gabriel Rossetti , 1859, via Museum voor Schone Kunsten, Boston

Gekuste mond was de allereerste van Rossetti's kenmerkende enkelfiguurportretten. Geïnspireerd door een Italiaans spreekwoord met dezelfde naam, waarvan een fragment feitelijk op de achterkant van het doek is gegraveerd, Gekuste mond toont Rossetti's muze, model en soms minnares, Fanny Cornforth . In dit schilderij versmelten Cornforth en haar omgeving met elkaar om een ​​esthetisch effect te creëren - haar opvallende oranje haar, fluweelgroene kleding en gouden accessoires versmelten met het bloemstuk op de achtergrond en het sierlijke textiel op de voorgrond, die beide onnatuurlijk afgeplat zijn. om het belang van de compositie als geheel verder te benadrukken. Er is geen herkenbare plaats, verhaal, persoon of tijdsperiode in Gekuste mond - het is gewoon een object van schoonheid.

4. Frederic Leighton: Victoriaans tijdperk classicisme

Moeder en kind (kersen) door Frederic Leighton , 1865, via Blackburn Museum and Art Gallery

Leighton was tijdens zijn leven commercieel succesvol vanwege zijn klassiek geïnspireerde en academisch geschoolde stijl. Hij studeerde schilderkunst en beeldhouwkunst in Florence en Parijs en vestigde zich vervolgens in Londen, waar hij omging met verschillende kunstenaars uit het Victoriaanse tijdperk en een ontwerp ontwierp. weelderige residentie voor zichzelf. In tegenstelling tot andere Aesthetic Movement-kunstenaars, die zich aan de rand van de Londense kunstscène hielden, werd Leighton een volwaardig lid van de Royal Academy of Art en diende zelfs als president. Daar kon hij vanuit de gevestigde orde het begrip kunst om de kunst promoten.

Vlammende juni door Sir Frederic Leighton , 1895, in Ponce Art Museum, via Google Arts & Culture

Beschouwd als het grootste schilderij van Leightons carrière, het illustere Vlammende juni werd in de jaren zestig herontdekt nadat het na de dood van de kunstenaar uit het zicht was verdwenen. Terwijl Vlammende juni Leighton's academische opleiding in menselijke anatomie laat zien, buigt hij subtiel de regels van representatie om de vrouwenfiguur en de rest van de scène als decoratief gereedschap te gebruiken in plaats van als overtuigende illusies. De monumentaliteit van de figuur van de vrouw wordt benadrukt door haar benen te verlengen om het meubilair te vullen en door de vurige tint en dynamische beweging van haar draperie te overdrijven, die bijna niet te onderscheiden is van haar gespreide haar.

Net als de ontspannen vrouwen van Albert Moore, Vlammende juni 's rust maakt haar tot een passief, misschien zelfs levenloos onderdeel van een droomachtige decoratieve scène - hoewel, als ze in het echte leven zou worden geprobeerd, haar pose waarschijnlijk niet rustgevend zou zijn. Hoewel Leighton in staat zou zijn geweest om een ​​menselijke figuur perfect te schilderen die zich terugtrekt in de driedimensionale ruimte, Vlammende juni laat zien hoe zijn interesse in kunst omwille van de kunst een begrip van het classicisme zou kunnen inspireren, niet als een academische techniek of historische referentie, maar als een kneedbare esthetiek.

Erfenis van kunst omwille van de kunst

Volgens James Whistler , kunst moet onafhankelijk zijn van alle gekkenwerk - moet op zichzelf staan ​​en een beroep doen op het artistieke gevoel van oog of oor. Door hun gedeelde geloof in kunst omwille van de kunst te beoefenen - en door buiten de grenzen van de traditionele didactische kunst te durven treden - hielpen deze vier Victoriaanse schilders het podium te scheppen voor twintigste-eeuwse modernisten om de grenzen van de kunst de komende decennia nog verder te verleggen.