5 hedendaagse zwarte artiesten die je moet kennen

President Barack Obama door Kehinde Wiley , 2018, via National Portrait Gallery, Washington, D.C. (links); met Teerstrand #2 door Faith Ringgold , 1990-92, via National Building Museum, Washington, D.C. (rechts)

Hedendaagse kunst gaat over de confrontatie met de canon, het vertegenwoordigen van een breed scala aan ervaringen en ideeën, het gebruik van nieuwe soorten media en het opschudden van de kunstwereld zoals we die kennen. Het weerspiegelt ook de moderne samenleving en biedt kijkers een kans om terug te kijken op zichzelf en de wereld waarin ze leven. Hedendaagse kunst voedt zich met diversiteit, open dialoog en publieksbetrokkenheid om succesvol te zijn als een beweging die het moderne discours uitdaagt.

Zwarte kunstenaars en hedendaagse kunst

Zwarte kunstenaars in Amerika hebben een revolutie teweeggebracht in de hedendaagse kunstscene door de ruimtes te betreden en opnieuw te definiëren die hen te lang hebben buitengesloten. Tegenwoordig confronteren sommige van deze kunstenaars actief historische onderwerpen, anderen vertegenwoordigen hun hier-en-nu, en de meesten hebben industriële barrières overwonnen waar blanke kunstenaars niet mee te maken hebben. Sommigen zijn academisch geschoolde schilders, anderen voelen zich aangetrokken tot niet-westerse kunstvormen, en weer anderen tarten categorisering helemaal.

Van een quiltmaker tot een neon-beeldhouwer, dit zijn slechts vijf van de talloze zwarte kunstenaars in Amerika wiens werk de invloed en diversiteit van zwarte hedendaagse kunst laat zien.

1. Kehinde Wiley: hedendaagse kunstenaar geïnspireerd door oude meesters

Napoleon leidt het leger over de Alpen door Kehinde Wiley , 2005, via het Brooklyn Museum

Het meest bekend omdat hij de opdracht kreeg om de officieel portret van president Barack Obama , Kehinde Wiley is een in New York City gevestigde schilder wiens werken de esthetiek en technieken van de traditionele westerse kunstgeschiedenis combineren met de geleefde ervaring van zwarte mannen in het eenentwintigste-eeuwse Amerika. Zijn werk toont zwarte modellen die hij in de stad ontmoet en bevat invloeden die de gemiddelde museumbezoeker misschien herkent, zoals de organische textielpatronen van William Morris' Kunst- en ambachtsbeweging of de heroïsche ruiterportretten van neoclassicisten Leuk vinden Jacques-Louis David .

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

In feite, Wiley's 2005 Napoleon leidt het leger over de Alpen is een directe verwijzing naar het iconische schilderij van David Napoleon steekt de Alpen over bij Grand-Saint-Bernard (1800-01). Over dit soort portret zei Wiley: Er wordt gevraagd: 'Wat zijn deze jongens aan het doen?' Ze nemen de poses aan van koloniale meesters, de voormalige bazen van de Oude Wereld. Wiley gebruikt bekende iconografie om zijn hedendaagse zwarte onderwerpen te doordringen met dezelfde kracht en heldhaftigheid die lang geleden werd geboden aan blanke onderwerpen binnen de muren van westerse instellingen. Belangrijk is dat hij dit kan doen zonder de culturele identiteit van zijn onderdanen uit te wissen.

Schilderen gaat over de wereld waarin we leven, zei Willy. Zwarte mannen leven in de wereld. Mijn keuze is om ze op te nemen.

2. Kara Walker: zwartheid en silhouetten

Opstand! (Onze tools waren rudimentair, maar we gingen door) door Kara Walker , 2000,via Solomon R. Guggenheim Museum, New York

Opgroeien als een zwarte kunstenaar in de schaduw van Georgia's Stone Mountain, een torenhoog monument voor de Confederatie, betekende dat Kara Walker was jong toen ze ontdekte hoe het verleden en het heden diep met elkaar verweven zijn - vooral als het gaat om Amerika's diepe wortels van racisme en vrouwenhaat .

Het favoriete medium van Walker zijn silhouetten van gesneden papier, vaak geïnstalleerd in grootschalige cyclorama's. Ik volgde de contouren van profielen en dacht aan fysionomie, racistische wetenschappen, minstrelen, schaduw en de donkere kant van de ziel, zei Walker. Ik dacht: ik heb hier zwart papier.

silhouetten en cyclorama's waren beide populair in de 19eeeuw. Door gebruik te maken van ouderwetse media verkent Walker het verband tussen historische gruwelen en hedendaagse crises. Dit effect wordt verder benadrukt door Walkers gebruik van een traditionele schoollokaalprojector om de schaduw van de kijker in de scène op te nemen dus misschien zouden ze erbij betrokken raken.

Voor Walker gaat het vertellen van verhalen niet alleen over het van begin tot eind doorgeven van feiten en gebeurtenissen, zoals een leerboek dat zou kunnen. Haar cyclorama-installatie uit 2000 Opstand! (Onze tools waren rudimentair, maar we gingen door) is even beklijvend als theatraal. Het gebruikt gesilhouetteerde karikaturen en gekleurde lichtprojecties om de slavernij en de voortdurende, gewelddadige implicaties ervan in de Amerikaanse samenleving te onderzoeken.

Het is te veel, zei Walker als reactie op de censuur van haar werk: Al mijn werk overrompelt me. Walker is sinds de jaren negentig controversieel, inclusief kritiek van andere zwarte artiesten vanwege haar gebruik van verontrustende beelden en raciale stereotypen. Je zou ook kunnen stellen dat het uitlokken van een sterke reactie bij de kijkers, zelfs een negatieve, haar tot een uitgesproken hedendaagse kunstenaar maakt.

3. Faith Ringgold: quiltgeschiedenis

Wie is er bang voor tante Jemima? door Faith Ringgold , 1983, via Studio Art Quilt Associates

Geboren in Harlem op het hoogtepunt van de Harlem Renaissance , een beweging die zwarte kunstenaars en cultuur vierde, Faith Ringgold is een Caldecott-winnende auteur van kinderboeken en hedendaagse kunstenaar. Ze is vooral bekend om haar gedetailleerde verhaalquilts die representaties van zwarte mensen in Amerika opnieuw verbeelden.

De verhalenquilt van Ringgold is ontstaan ​​uit een combinatie van noodzaak en vindingrijkheid. Ik probeerde mijn autobiografie gepubliceerd te krijgen , maar niemand wilde mijn verhaal afdrukken, zei ze. Als alternatief begon ik mijn verhalen op mijn quilts te schrijven. Tegenwoordig worden de verhalenquilts van Ringgold zowel gepubliceerd in boeken als genoten door museumbezoekers.

Door zich te wenden tot quilten als medium, kreeg Ringgold ook de kans om zich af te scheiden van de hiërarchie van de westerse kunst, die conventioneel academische schilderkunst en beeldhouwkunst heeft gewaardeerd en de tradities van zwarte kunstenaars heeft uitgesloten. Deze subversie was vooral relevant voor Ringgolds eerste verhalenquilt, Wie is er bang voor tante Jemima (1983), die het onderwerp van ondermijnt Tante Jemima, een legendarisch stereotype dat ook in 2020 de krantenkoppen haalt . Ringgolds representatie transformeert tante Jemima van een stereotype uit het slavernijtijdperk dat gebruikt werd om pannenkoeken te verkopen in een dynamische ondernemer met haar eigen verhaal te vertellen. Door tekst aan de quilt toe te voegen, werd het verhaal uitgebreid, werd het medium uniek voor Ringgold en duurde het een jaar om het met de hand te maken.

4. Nick Cave: draagbare textielsculpturen

Geluidspak door Nick Cave , 2009, via Smithsonian American Art Museum, Washington, D.C.

Nick Cave werd opgeleid als danser en als textielkunstenaar en legde daarmee de basis voor een carrière als hedendaagse zwarte kunstenaar die mixed media beeldhouwkunst en performancekunst combineert. Gedurende zijn carrière heeft Cave meer dan 500 versies van zijn handtekening gemaakt Geluidspakken -draagbare, mixed-media sculpturen die geluid maken wanneer ze worden gedragen.

De Geluidspakken zijn gemaakt met een verscheidenheid aan textiel en alledaagse voorwerpen, van pailletten tot mensenhaar. Deze bekende objecten zijn op onbekende manieren herschikt om traditionele symbolen van macht en onderdrukking te ontmantelen, zoals de Ku Klux Klan-kap of de kop van een raket. Wanneer gedragen, de Geluidspakken verdoezelen de aspecten van de identiteit van de drager die Cave in zijn werk onderzoekt, waaronder ras, geslacht en seksualiteit.

Onder het werk van vele andere zwarte kunstenaars , Cave's eerste Geluidspak werd bedacht tijdens de nasleep van het politiegeweld waarbij Rodney King in 1991 betrokken was. Cave zei: Ik begon na te denken over de rol van identiteit, raciaal geprofileerd zijn, zich gedevalueerd voelen, minder dan, afgewezen. En toen was ik toevallig op een bepaalde dag in het park en keek naar de grond, en daar was een takje. En ik dacht gewoon, nou, dat is weggegooid, en het is een beetje onbeduidend.

Dat takje ging met Cave mee naar huis en legde letterlijk de basis voor zijn eerste Geluidspak beeldhouwwerk. Nadat het stuk was voltooid, trok Ligon het aan als een pak, merkte de geluiden op die het maakte als hij bewoog, en de rest was geschiedenis.

5. Glenn Ligon: identiteit als zwarte artiest

Zonder titel (Stranger in the Village/Hands #1) door Glenn Ligon , 2000, via Museum of Modern Art, New York City

Glenn Ligon is een hedendaagse kunstenaar die bekend staat om het verwerken van tekst in zijn schilderijen en sculpturen. Hij maakt ook deel uit van een groep hedendaagse zwarte kunstenaars die de term hebben uitgevonden post-zwartheid , een beweging die gebaseerd is op de overtuiging dat het werk van een zwarte kunstenaar niet altijd hun ras hoeft te vertegenwoordigen.

Ligon begon zijn carrière als schilder, geïnspireerd door de abstracte expressionisten, totdat hij, zei hij, begon tekst in mijn werk te zetten , deels omdat de toevoeging van tekst letterlijk inhoud gaf aan het abstracte schilderij dat ik aan het maken was - wat niet wil zeggen dat abstracte schilderkunst geen inhoud heeft, maar mijn schilderijen leken inhoudsvrij.

Toen hij toevallig in een studio naast een neonwinkel werkte, begon Ligon neonsculpturen te maken. Tegen die tijd was neon al gepopulariseerd door hedendaagse kunstenaars zoals En Flavin , maar Ligon nam het medium en maakte het zijn eigen. Zijn meest herkenbare neon is Dubbel Amerika (2012). Dit werk bestaat in meerdere, subtiele variaties van het woord Amerika gespeld in neonletters.

Dubbel Amerika 2 door Glenn Ligon , 2014, via The Broad, Los Angeles

De beroemde openingszin van Charles Dickens to Een verhaal over twee steden —Het was de beste tijd, het was de slechtste tijd—geïnspireerd Dubbel Amerika . Ligon zei, Ik begon na te denken over hoe Amerika op dezelfde plaats lag. Dat we in een samenleving leefden die een Afro-Amerikaanse president koos, maar ook midden in twee oorlogen en een verlammende recessie.

De titel en het onderwerp van het werk komen letterlijk tot uiting in de constructie: twee versies van het woord Amerika in neonletters. Bij nadere observatie lijken de lichten kapot - ze flikkeren en elke letter is bedekt met zwarte verf, zodat het licht alleen door de scheuren schijnt. De boodschap is tweeledig: een, letterlijk in woorden uitgedrukt, en twee, onderzocht door middel van metaforen die zich verbergen in de details van het werk.

Het is niet mijn taak om antwoorden te produceren. Het is mijn taak om goede vragen te stellen, zei Ligon. Hetzelfde kan waarschijnlijk worden gezegd voor elke hedendaagse kunstenaar.