Marina Abramovic – Een leven in 5 uitvoeringen

Kunstenaarsportret met een kaars (A) , uit de serie Met gesloten ogen zie ik geluk, 2012.

Marina Abramovic is een van de meest invloedrijke leden van uitvoerende kunst in de 20ste eeuw. Haar diepgewortelde gevoel van persoonlijke psychologische kracht vormde de ruggengraat van veel van haar performancekunst gedurende haar volwassen leven. Ze heeft haar eigen lichaam en geest om de spanning te verwoorden die ze voelde tussen dat wat tastbaar is en wat niet. Haar carrière is blijvend en controversieel; ze heeft letterlijk bloed, zweet en tranen vergoten in de naam van haar kunst en ze is nog niet klaar.

Marina Abramovic voor performancekunst

Marina Abramovic groeide op in nogal eigenaardige omstandigheden. Ze werd geboren in Joegoslavië - Belgrado, Servië in 1945. Haar ouders werden prominente figuren in de Joegoslavische regering in de nasleep van de Tweede Wereldoorlog en hun carrières, machtsposities en onstabiel huwelijk betekenden dat ze weinig te maken hadden met de opvoeding van de jonge Marina .

De ouderrol viel dan ook voornamelijk op de schouders van haar grootmoeder, wie was ongelooflijk spiritueel? . Ze claimt een aantal helderziende ervaringen met haar grootmoeder, die haar een blijvend gevoel van haar eigen paranormale kracht gaven - iets waar ze tot op de dag van vandaag op voortborduurt.

Ondanks de militaristische achtergrond van haar ouders, werd Abramovic altijd aangemoedigd (vooral door haar moeder) om haar interesse in kunst na te streven. Ze begon met het tekenen van de vliegtuigen die boven de vliegbases vlogen waarop haar ouders werkten en bracht haar traumatische dromen tot leven op papier. Dit hielp haar sterke politieke neigingen in haar kunst te formuleren.

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Kom met mij wassen

Een zeldzaam moment van tederheid gedeeld tussen een jonge Abramovic en haar vader

Marina Abramovic's eerste poging tot performancekunst bleek het te zijn 'degene die nooit was'. Het idee voor het stuk was dat ze leden van het publiek zou uitnodigen om de galerij te betreden, hun kleren uit te doen en te wachten - blootgesteld en naakt - terwijl Abramovic hun kleren waste. Ze zou ze dan teruggeven aan de bezoeker als ze klaar was.

Hoewel het niet echt plaatsvond, toonde het plan voor deze uitvoering duidelijk aan dat Abramovic zelfs in de vroege stadia van haar carrière de wens had om ideeën rond het gezinsleven, huiselijkheid en persoonlijke connecties te verkennen; en de daaropvolgende relatie tussen elk van deze concepten.

In 1969 had ze echter gehoopt dit mogelijk te maken in een nog steeds cultureel rigide Belgrado, nog steeds onder Sovjetregering. Om te ontsnappen aan de attributen van deze weinig vooruitstrevende Servische kunstscène verhuisde ze naar het westen om zich te vestigen als een avant-garde performancekunstenaar.

Het duurde niet lang voordat ze haar weg naar galerijen en theaters begon te vinden om haar uitvoeringen uit te voeren. In 1973 werd ze gescout door het Edinburgh Fringe Festival en haar opkomst tot bekendheid in de westerse kunstwereld begon te bloeien.

Ritme serie

Ritme 0, 1974, Napels

Het was op het Fringe-festival dat de performanceserie van Marina Abramovic, bekend als de 'Ritme-serie' begon. Dit werk probeerde ideeën over rituelen te verkennen en putte uit haar Oost-Europese wortels in haar gebruik van het Russische messenspel, vaak bekend als 'pin-finger', waarbij een mes met toenemende snelheid in een tafel tussen de sleuven van je vingers wordt gestoken .

Abramovic speelde het spel totdat ze zich twintig keer had gesneden en dan een geluidsopname van deze eerste poging afspeelde. Vervolgens probeerde ze precies na te bootsen waar ze in de vorige poging fout was gegaan, en stak zichzelf opnieuw op de punten waar ze eerder haar hand had gepakt.

Deze voorstelling was een van haar eerste uitstapjes naar een verkenning van de grenzen (of het gebrek daaraan) van iemands fysieke en mentale stress. Het vormde de basis voor de rest van de serie, die de keuzevrijheid en het gevaar steeds meer uit haar greep nam en het in handen legde van degenen die naar haar uitvoering keken of eraan deelnamen.

Ritme 0 Zo zag Abramovic tweeënzeventig objecten op een tafel leggen met instructies dat de kijkers deze objecten konden gebruiken en haar lichaam konden manipuleren zoals ze wilden en dat ze de volledige verantwoordelijkheid voor hun acties op zich nam. Bezoekers smeerden olijfolie op haar, scheurden haar kleren en richtten uiteindelijk zelfs een geladen pistool op haar hoofd.

Wandelen over de Grote Muur

Abramovic en Ulay lopen over de Chinese Muur , 1988

Terwijl Marina Abramovic in Nederland was om de Rhythm-serie te maken, begon ze een relatie met de artiest Maagd Laysiepen (eenvoudig bekend als Ulay). De twee raakten hecht in zowel hun persoonlijke als professionele prestaties en soms werd het moeilijk om die twee aspecten van hun leven te scheiden.

Hun werk keek naar de relaties tussen verliefde mannen en vrouwen. Het onderzocht de moeilijke dynamiek die vaak in deze relaties zit en ze gebruikten vaak fysieke pijn als metafoor en manifestatie hiervan. Ze zouden elkaar in volle vaart tegenkomen of schreeuwen tegen elkaar op hun beurt, op de top van hun longen en op slechts enkele centimeters van elkaar.

De krachtige chemie die de optredens van het paar zo aangrijpend had gemaakt, kwam tot een einde in hun laatste gedeelde optreden waar ze vertrokken, vanaf de tegenovergestelde uiteinden van de Chinese Muur, om elkaar in het midden te ontmoeten.

Op zich is dit een opvallende demonstratie van toewijding tussen twee geliefden. Hun relatie was echter al abrupt tot een einde gekomen nadat Ulay een romantische relatie had gekregen met een van de collega's met wie ze in de aanloop naar de voorstelling een aantal jaren hadden samengewerkt.

Het sterke contrast tussen het paar dat samenkomt van tegenovergestelde uiteinden van een continent en tegelijkertijd hun relatie onder hun voeten laat afbrokkelen, maakt dit een van de meest aangrijpende van alle uitvoeringen die het paar uitvoerde tijdens Marina's 'Ulay-jaren'.

Spirit Cooking

De overblijfselen van Abramovic's Spirit Cooking Performances in de jaren 90 , waar ze varkensblog gebruikte om recepten op de muur te schilderen

Hoewel Marina Abramovic geen onbekende is in controverse, is er één kunstwerk dat meer dan enig ander heeft aangewakkerd. Haar Spirit Cooking-serie heeft geleid tot beschuldigingen van satanisme en sektelidmaatschap, die bijzonder moeilijk van zich af te schudden waren.

De beschuldigingen vloeien voort uit haar betrokkenheid bij ‘#PizzaGate’ toen e-mails tussen Abramovic en Tony Podesta lekten. De e-mails suggereerden dat Abramovic was uitgenodigd om een ​​van haar Spirit Cooking-evenementen te organiseren voor Podesta bij hem thuis.

Dit leidde onvermijdelijk tot beschuldigingen van haar betrokkenheid bij en medeplichtigheid aan de snode, zelfs pedofiele praktijken waarvan Pedesta en zijn medewerkers werden beschuldigd. Er werd zelfs gesuggereerd dat Abramovic een speciale rol vervulde als satanische spirituele leider voor de groep.

Terwijl dit een storm veroorzaakte onder veel rechtse facties van de Amerikaanse pers, heeft Abramovic deed haar best om afstand te nemen van deze beschuldigingen.

Ze wijst erop dat haar werkreeks 'Spirit Cooking' al tientallen jaren aan de gang is en is geworteld in een verkenning van concepten rond ritueel en spiritualiteit, zoals een gemeenschappelijk thema is in bijna al haar werk.

Ze wijst ook op de ironische aard van haar Spirit Cooking-werk, dat het best te zien is in de kookboeken die ze bij het werk maakte.

De artiest is aanwezig

Abramovic met een bezoeker bij 'The Artist is Present' ’, 2010, MoMA

In 2010 werd Marina Abramovic uitgenodigd om een ​​grote overzichtstentoonstelling van haar werk te houden in MOMA, New York. De voorstelling was getiteld 'De kunstenaar is aanwezig' aangezien Marina heel letterlijk deel uitmaakte van de tentoonstelling en gedurende de hele duur deelnam aan een performance.

Ze zat drie maanden lang elke dag zeven uur in haar stoel en hield duizenden persoonlijke audiënties met leden van het publiek van over de hele wereld.

Ondanks zijn eenvoudige basis, genereerde het kunstwerk honderden, zo niet duizenden ongelooflijk krachtige individuele momenten, gedeeld door Marina, degene die tegenover haar zat, en ook getuige van de honderden anderen die op hun beurt zaten te wachten of gewoon de uitvoering in zich opnemen.

De voorstelling werd gedocumenteerd in een film die zijn naam deelde. Het toont de fysieke en mentale tol die de show van Abramovic heeft geëist en legt slechts een deel van de vele krachtige en emotionele interacties vast die de uitvoering mogelijk maakte. Het meest opvallende was dat de film het ontroerende moment vastlegde toen Ulay tegenover Marina in de galerij kwam zitten.

De gezichten van de deelnemers werden ook gedocumenteerd door de fotograaf, Marco Anelli. Hij nam een ​​momentopname van elke persoon die bij Abramovic zat en noteerde hoe lang ze bij haar hadden gezeten. Een selectie van portretten uit deze collectie werd later op zichzelf weergegeven , uitgebracht in de vorm van een boek en is te vinden in Anelli's online portfolio .

Wat biedt de toekomst voor Marina Abramovic?

Abramovic die optreedt in een Virtual Reality-samenwerking met Microsoft, 2019

Marina Abramovic zou nog een retrospectief hosten, dit keer op de Koninklijke Academie in de zomer van 2020 . De duidelijke verstoring veroorzaakt door de COVID-19-pandemie zorgde er echter voor dat deze tentoonstelling werd uitgesteld tot 2021.

Waar deze tentoonstelling precies uit zal bestaan, is nog niet bekend. Er wordt echter verwacht dat ze in de loop van de tijd nieuw werk zal uitvoeren met betrekking tot de veranderingen aan haar lichaam. Het is echter waarschijnlijk dat het een belangrijke aanvulling zal zijn op haar huidige catalogue-raisonné om het belang van haar eerste retrospectieve in het VK te markeren.

De show van Marina Abramovic zal natuurlijk veel van het hierboven beschreven werk tonen in de vorm van foto's en documentaire beelden. Hiermee zal ze opnieuw een discussie aanmoedigen rond een van de meest centrale debatten in de geschiedenis van de performancekunst: hoe belangrijk zijn fysieke en temporele aanwezigheid bij het ervaren van performancekunst en verandert technologie onze interacties ermee?