6 iconische vrouwelijke artiesten die je moet kennen

Mama , een sculptuur van kunstenaar Louise Bourgeois

Maman, een sculptuur van kunstenaar Louise Bourgeois De Walk of Fame van de kunstgeschiedenis is geplaveid met de namen van mannelijke kunstenaars, maar begint steeds meer vrouwelijke kunstenaars te verzamelen. De algemene perceptie van een mannelijke meester en meesterwerk wordt sterk beïnvloed door het feit dat hun vrouwelijke tegenhangers bijna volledig ontbreken in onze schoolboeken en in de belangrijkste museumzalen.

Vrouwelijke artiesten vandaag

In de filmindustrie heeft de ondervertegenwoordiging van vrouwen in leidende rollen als regisseurs en als producenten de afgelopen jaren voor veel verontwaardiging gezorgd. Hashtags die opduiken op sociale media zoals #OscarsSoMale laten zien dat er een grote vraag is naar meer vrouwelijke zichtbaarheid.

Hetzelfde geldt voor de kunstindustrie, hoewel de verontwaardiging niet zo luid is als in Hollywood. Een reden hiervoor zou kunnen zijn dat er, althans in de moderne en hedendaagse kunst, een langzamere en gestage verschuiving heeft plaatsgevonden naar het vertegenwoordigen van meer vrouwen. Al in 1943, Peggy Guggenheim organiseerde een volledig vrouwelijke tentoonstelling in haar beruchte galerie in New York Kunst van deze eeuw , inclusief bijdragen van Dorothea Zonnebank en Frida Kahlo . Deze baanbrekende onderneming, genaamd 31 vrouwen , was de eerste in zijn soort buiten Europa. Sindsdien is er veel veranderd. Tegenwoordig zijn er veel galerijen die steeds meer vrouwelijke kunstenaars vertegenwoordigen. Ook zijn er meer vrouwen die bijdragen aan prestigieuze kunstfestivals en ze winnen belangrijke prijzen.

Grote vermoeidheid, Camille Henrot, 2013, via camillehenrot.fr

Vrouwelijke kunstenaars zijn echter nog steeds ondervertegenwoordigd in het museumlandschap. Het informatiebureau voor de kunstmarkt Artnet onthulde in een analyse dat tussen 2008 en 2018 slechts 11 procent van al het werk dat door de Amerikaanse topmusea werd verworven, door vrouwen was. Dus als het gaat om een ​​historisch begrip van kunst, is er nog veel werk aan de winkel om de zichtbaarheid van vrouwelijke kunstenaars en hun werk te vergroten.

Hier is een overzicht van mijn favoriete vrouwelijke kunstenaars in de kunstgeschiedenis, tot op de dag van vandaag, die ik waardeer voor hun beheersing van meerdere media, voor hun conceptuele denken, voor hun behandeling van vrouwgerichte onderwerpen en dus voor het creëren van een opmerkelijk en uniek oeuvre .

Camille Henrot

De in Frankrijk geboren, hedendaagse vrouwelijke kunstenaar Camille Henrot staat bekend om het werken met verschillende media, variërend van film tot assemblage en beeldhouwkunst. Ze waagde zich zelfs aan Ikebana, een traditionele Japanse bloemschiktechniek. Maar wat haar werk echt opmerkelijk maakt, is haar vermogen om schijnbaar tegenstrijdige ideeën te combineren. In haar complexe kunstwerken zet ze filosofie tegenover popcultuur en mythologie tegenover wetenschap. Het onderliggende, allesomvattende idee van haar kunstwerken is nooit al te duidelijk. Camille Henrot is een meester in het elegant inpakken van dingen en het creëren van subtiele en mystieke sferen. Pas nadat je erin bent ondergedompeld, kun je de punten met elkaar verbinden.

Om het het beste te illustreren, laten we een voorbeeld nemen: tussen 2017 en 2018 exposeerde Camille Henrot een Carte Blanche in het Palais de Tokyo in Parijs, getiteld Dagen zijn honden . Ze zette vraagtekens bij de relaties tussen gezag en fictie die ons bestaan ​​bepalen, en nam een ​​van de meest fundamentele structuren in ons leven - de week - om haar eigen tentoonstelling te organiseren. Terwijl jaren, maanden en dagen worden gestructureerd door een natuurlijk gegeven, is de week daarentegen een fictie, een menselijke uitvinding. Maar het verhaal erachter doet niets af aan de emotionele en psychologische effecten ervan op ons.

The Pale Fox, Camille Henrot, 2014, fotografie door Andy Keate via camillehenrot.fr

In een van de zalen exposeerde Camille Henrot haar installatie De bleke vos , die eerder in opdracht en geproduceerd was door Chisenhale Gallery. Ze gebruikte het om de laatste dag van de week – zondag – weer te geven. Het is een meeslepende omgeving gebouwd op Camille Henrots vorige project Grosse Fatigue (2013) – een film bekroond met de Zilveren Leeuw op de 55e Biënnale van Venetië. Terwijl Grosse Fatigue het verhaal van het universum in dertien minuten vertelt, is The Pale Fox een meditatie over ons gedeelde verlangen om de wereld te begrijpen door middel van de objecten die ons omringen. Ze verzamelde persoonlijk materiaal en legde het op elkaar volgens een overdaad aan principes (de hoofdrichtingen, de levensfasen, de filosofische principes van Leibniz), en creëerde de fysieke ervaring van een slapeloze nacht, een catalogiserende psychose. Op haar website stelt ze dat ik met The Pale Fox de spot wilde drijven met het bouwen van een coherente omgeving. Ondanks al onze inspanningen en goede wil, eindigen we altijd met een kiezelsteen in een schoen.

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Haris Epaminondas

De focus van het werk van de Cypriotische kunstenaar ligt op uitgestrekte collages en meerlagige installaties. Voor de internationale tentoonstelling in de 58e Biënnale van Venetië , combineerde ze gevonden materialen zoals sculpturen, aardewerk, boeken of foto's, die ze gebruikte om een ​​van haar karakteristieke installaties zorgvuldig te construeren.

Vol. XXII, Haris Epaminonda, 2017, fotografie door Tony Prikryl

Net als bij Camille Henrot onthullen haar composities niet meteen hun onderliggende betekenis. Wat haar werk echter onderscheidt van dat van Camille Henrot, is dat ze haar objecten niet integreert in complexe verhalen en conceptuele theorieën. In plaats daarvan zijn haar installaties op een veel eenvoudigere manier georganiseerd, wat een gevoel van minimalistische orde oproept. Pas als je de afzonderlijke objecten van dichterbij bekijkt, zie je de tegenstellingen achter een schijnbaar perfecte esthetiek. Haris Epaminonda gebruikt voor haar composities gevonden voorwerpen die in een traditioneel begrip volkomen vreemd voor elkaar zouden zijn. Zo vind je op bijna natuurlijke wijze een Bonsaiboom naast een Griekse zuil staan. De kunstenares verstrikt haar objecten in een web van historische en persoonlijke betekenissen die voor het publiek en waarschijnlijk ook voor haarzelf onbekend zijn. Hoewel Haris Epaminonda de impliciete verhalen van haar objecten niet negeert, laat ze ze liever intrinsiek hun kracht uitoefenen.

VOL. 27th, Haris Epaminonda, 2019, via moussemagazine.it

Voor haar dertig minuten durende video Chimera won Haris Epaminonda de 58e Biënnale van Venetië Zilveren Leeuw award als veelbelovende jonge deelnemer en is sindsdien een van de internationale vallende sterren van de hedendaagse kunst.

Akunyili Crosby's greep

Njideka Akunyili Crosby werd geboren in Nigeria en woont en werkt momenteel in Los Angeles. Als tiener won haar moeder de groene kaart loterij, waardoor het hele gezin naar de Verenigde Staten kon verhuizen. In haar schilderijen weerspiegelt Akunyili Crosby haar ervaringen als lid van de hedendaagse Nigeriaanse diaspora. Op gigantische papieroppervlakken brengt ze meerdere lagen aan om portretten en huiselijke interieurs weer te geven, waarbij ze diepte en vlakheid naast elkaar plaatst.

Deze vrouwelijke kunstenaar werkt met een mixed-media techniek met onder meer fotografische transfers, verf, collage, potloodtekening, marmerstof en stof. Op deze manier creëert de kunstenaar buitengewone schilderijen die vrij gewone, huiselijke thema's illustreren waarin ze zichzelf of haar familie verbeeldt. Haar werk draait echt om contrasten, zowel formeel als inhoudelijk. Als je de details van haar schilderijen van dichterbij bekijkt, vind je objecten zoals een gietijzeren radiator die de koude winters in New York aangeeft of een paraffinelamp op een tafel, die is ontleend aan Akunyili Crosby's herinneringen aan Nigeria.

Mama, mama en mama (voorgangers nr. 2), Njikeda Akunyili Crosby, 2014, via njikedaakunyilicrosby

De tegenstellingen zijn echter niet alleen beperkt tot het bovengenoemde: in 2016 was een plotselinge grote vraag naar het werk van Akunyili Crosby, dat ze langzaam produceert, groter dan het aanbod. Dit zorgde ervoor dat de prijzen van haar kunstwerken explodeerden op de markt. Het culmineerde in de verkoop van een van haar schilderijen op de hedendaagse kunstveiling van Sotheby's in november 2016 voor bijna $ 1 miljoen, waarmee een nieuw artiestenrecord werd gevestigd. Slechts zes maanden later werd een werk door een particuliere verzamelaar verkocht voor ongeveer $ 3 miljoen bij Christie's Londen en in 2018 verkocht ze nog een schilderij voor ongeveer $ 3,5 miljoen bij Sotheby's New York .

Louise Bourgeois

De Frans-Amerikaanse kunstenaar is vooral bekend om haar grootschalige sculpturen, waarvan de meest bekende een gigantische bronzen spin is, de 'Louise Bourgeois Spider' genaamd Maman, die constant de wereld rondreist. Met een hoogte van negen meter creëerde ze een oversized, metaforische weergave van haar eigen moeder, al gaat het kunstwerk helemaal niet over het onthullen van een tragische moeder-dochterrelatie. Integendeel: het beeld is een hommage aan haar eigen moeder die als tapijtrestaurateur in Parijs werkte. Net als spinnen was de moeder van Bourgeois weefsel aan het vernieuwen - keer op keer. De kunstenaar zag spinnen dus als beschermende en behulpzame wezens. Het leven bestaat uit ervaringen en emoties. De objecten die ik heb gemaakt, maken ze tastbaar, zei Bourgeois ooit om haar eigen kunstwerken te verklaren.

Moeder, Louise Bourgeois, 1999, via guggenheim-bilbao.eus

Naast het maken van sculpturen, was ze ook een productief schilder en graficus. In 2017 en 2018 hebben de museum van Moderne Kunst in New York (MoMA) wijdde een retrospectief van het minder bekende oeuvre van de kunstenaar, genaamd An Unfolding Portrait, waarbij de nadruk vooral lag op haar schilderijen, schetsen en prenten.

Mijn innerlijke leven, Louise Bourgeois, 2008, via moma.org

Welke media de multi-getalenteerde kunstenaar ook gebruikte, Bourgeois concentreerde zich vooral op het verkennen van thema's rond huiselijkheid en het gezin, seksualiteit en het lichaam, evenals de dood en het onbewuste.

Gabriele Munter

Als u weet Wassily Kandinsky , Gabriele Münter zou geen mindere naam voor je moeten zijn. De expressionistische vrouwelijke artiest stond in de voorhoede van de groep De blauwe rijder (The Blue Rider) en werkte samen met Kandinsky, die ze had leren kennen tijdens haar lessen aan de Phalanx School in München, een avant-garde instelling opgericht door de Russische kunstenaar.

Portret van Gabriele Münter, Wassily Kandinsky, 1905, via Wikimedia Commons

Kandinsky was de eerste die de schilderkunsten van Gabriele Münter in het begin van de 20e eeuw opmerkte. Hun professionele relatie - die uiteindelijk ook een persoonlijke werd - duurde bijna tien jaar. Het was in deze tijd dat Gabriele Münter leerde werken met een paletmes en dikke penseelstreken, waarbij ze technieken toepast die ze ontleende aan de Franse Grote katten .

Met haar nieuw verworven vaardigheden begon ze landschappen, zelfportretten en huiselijke interieurs te schilderen in rijke kleuren, vereenvoudigde vormen en gedurfde lijnen. Na enige tijd ontwikkelde Gabriele Münter een diepere interesse in het schilderen van de geest van de moderne beschaving, een gemeenschappelijk thema voor expressionistische kunstenaars. Net zoals het leven zelf een opeenstapeling is van voorbijgaande momenten, begon ze onmiddellijke visuele ervaringen vast te leggen, meestal op een snelle en spontane manier.

Het gele huis (het gele huis), Gabriele Münter, 1908, via Wikiart

Om gevoelens op te roepen, gebruikte ze levendige kleuren en creëerde poëtische landschappen die rijk zijn aan fantasie en verbeelding. De relatie tussen Gabriele Münter en Kandinsky had een sterke invloed op het werk van de Russische kunstenaar. Hij begon Gabriele Münter's gebruik van verzadigde kleuren en haar expressionistische stijl over te nemen in zijn eigen schilderijen.

Hun relatie eindigde toen Kandinsky tijdens de Eerste Wereldoorlog Duitsland moest verlaten en dus terug moest naar Rusland. Vanaf dat moment gingen zowel Gabriele Münter als Kandinsky verder met een van elkaar gescheiden leven, maar hun wederzijdse invloed op elkaars werken bleef.

Sophie Taeuber-Arp

Sophie Taeuber-Arp is waarschijnlijk een van de meest veelzijdige vrouwelijke kunstenaars in de kunstgeschiedenis. Ze werkte onder meer als schilder, beeldhouwer, textiel- en decorontwerper en als danseres.

Decorontwerp voor König Hirsch (The Stag King), Sophie Taeuber-Arp, 1918, foto door E. LinckDe Zwitserse kunstenaar begon als docent borduren, weven en textielontwerp aan de University of the Arts in Zürich. In 1915 ontmoette ze haar toekomstige echtgenoot Jean Hans Arp , die tijdens de Eerste Wereldoorlog voor het Duitse leger waren gevlucht en zich bij de dada-beweging . Hij liet haar kennismaken met de beweging en vervolgens nam ze deel aan optredens die werden georganiseerd door de dadaïsten in het Cabaret Voltaire. Ze droeg bij als danseres, choreograaf en poppenspeler. Verder ontwierp ze poppen, kostuums en decors voor haar eigen en andere artiestenvoorstellingen in de Cabaret Voltaire .

Naast optredens op Dada-evenementen, creëerde Sophie Taeuber-Arp textiel- en grafische werken die tot de vroegste constructivistische werken in de kunstgeschiedenis behoren, samen met die van Piet Mondriaan en Kasimir Malevich.

Gleichgewicht (Balance), Sophie Taeuber-Arp, 1932-33, via Wikimedia Commons Ook was ze een van de eerste kunstenaars die ooit Polka dots in haar werken toepaste. Sophie Taeuber-Arp had een uitstekend begrip voor verfijnde geometrische vormen, voor abstractie en voor het gebruik van kleuren. Haar werken werden vaak beschouwd als baanbrekend en tegelijkertijd vrolijk.

In 1943 stierf Sophie Taeuber-Arp als gevolg van een ongeval in het huis van Max Bill. Zij en haar man hadden besloten te blijven overnachten nadat het laat was geworden. Het was een koude winternacht en Sophie Taeuber-Arp zette de oude kachel in haar kleine logeerkamer aan. De volgende dag vond haar man haar dood door koolmonoxidevergiftiging.

Sophie Taeuber-Arp en haar man Jean Arp hadden heel nauw samengewerkt tijdens verschillende gemeenschappelijke projecten. Ze waren een van de weinige koppels in de kunstgeschiedenis die niet pasten in de traditionele rol van de kunstenaar en zijn muze. In plaats daarvan ontmoetten ze elkaar op ooghoogte en werden ze evenzeer gerespecteerd en gewaardeerd door hun kunstenaarsvrienden - Marcel Duchamp en Joan Miro twee van hen zijn - en door kunstcritici voor hun werken