Maak kennis met Edward Burne-Jones in 5 werken

Flora, naar Edward Burne-Jones, John Henry Dearle en William Morris, door Morris & Co., via de Burne-Jones Catalogue Raisonné; with Love Among the Ruins, door Edward Burne-Jones, via de Burne-Jones Catalogue Raisonné; en details van Phyllis en Demophoön, door Edward Burne-Jones, via Alain Truong

Het Victoriaanse tijdperk was een tijd van industrialisatie en ontwrichtende veranderingen in de Britse samenleving. Met het groeiend aantal technologische vooruitgang en de ontwikkeling van industrieën, breidden steden zich snel uit, net als vervuiling en sociale ellende. In 1848 creëerden drie kunstenaars de Prerafaëlitische Broederschap , een groep rebellen die een nieuwe artistieke en sociale visie delen. Ze verwierpen de codes die waren opgesteld door de Engelse Royal Academy of Arts en omarmden socialistische idealen, en voegden zich bij de sociale onrust die zich door Europa verspreidde. De oprichters van de broederschap, John Everett Millais , William Holman Hunt , en Dante Gabriel Rossetti , kregen al snel gezelschap van andere kunstenaars die hun ideeën overnamen; de Prerafaëlitische Broederschap werd de Prerafaëlieten, een aparte kunststroming. De Britse kunstenaar Edward Burne-Jones zou zich later bij hen voegen.

Sir Edward Burne-Jones en William Morris , foto door Frederick Hollyer , 1874, via Sotheby's

Zoals de naam van de beweging doet vermoeden, wilden de prerafaëlieten teruggaan naar de kunst vóór Raphael en de wending naar de al te ingewikkelde en kieskeurige compositie van het maniërisme. In plaats daarvan vonden ze hun inspiratie in de middeleeuwen en vroege renaissancekunst. Ze volgden ook de ideeën van de eminente kunstcriticus uit het Victoriaanse tijdperk, John Ruskin .

Een paar jaar later voegde Sir Edward Coley Burne-Jones zich bij de groep rebelse kunstenaars en was een illuster lid van de tweede prerafaëlitische golf. Hij werkte tussen de jaren 1850 en 1898. Edward Burne-Jones was moeilijk in één enkele kunststroming te vatten en bevond zich op een artistiek kruispunt tussen de prerafaëlieten, Kunst en ambacht , en Stijlvol bewegingen. Hij voegde zelfs elementen toe aan zijn werk van wat de symbolistische beweging zou worden. De schilderijen van Edward Burne-Jones zijn erg beroemd, maar hij blonk ook uit in het ontwerpen van illustraties en patronen voor andere handgemaakte werken zoals glas-in-lood, keramische tegels, wandtapijten en sieraden.

1. Het verhaal van de priorin : De fascinatie van Edward Burne-Jones voor de middeleeuwen

Het verhaal van de priorin , Edward Burne-Jones , 1865-1898, via de Burne-Jones Catalogus Raisonné; met De verhalengarderobe van de priorin , Edward Burne-Jones en Philip Webb , 1859, via het Ashmolean Museum Oxford

Het verhaal van de priorin is een van de vroegste schilderijen van Edward Burne-Jones. Toch heeft hij verschillende versies gemaakt en in de loop der jaren aangepast. Een van de Canterbury Tales , een verzameling pelgrimsverhalen samengesteld door de beroemde Engelse dichter Geoffrey Chaucer, inspireerde deze aquarel rechtstreeks. Middeleeuwse literatuur was een grote inspiratiebron voor prerafaëlitische schilders.

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Het schilderij toont een zevenjarig christelijk kind dat bij zijn moeder, een weduwe, in een Aziatische stad woont. De jongen, die liederen zong ter ere van de Maagd Maria, werd zijn keel doorgesneden door Joodse mannen. De Maagd verscheen aan het kind en legde een korenkorrel op zijn tong, waardoor hij kon blijven zingen, hoewel hij al dood was.

Verhalen vertellen was het belangrijkste element in de prerafaëlitische schilderkunst, samen met symbolen om andere niveaus van begrip van het verhaal te suggereren. In Het verhaal van de priorin , de centrale Maagd die een graankorrel op de tong van het kind legt, illustreert de hoofdscène van het verhaal. Het wordt omringd door een straatbeeld van eerder in het verhaal, met de moord op het kind in de rechterbovenhoek. Net als in veel andere schilderijen van Edward Burne-Jones gebruikte hij bloem symboliek uitgebreid. De bloemen rond de Maagd en het kind, lelies, klaprozen en zonnebloemen vertegenwoordigen respectievelijk zuiverheid, troost en aanbidding.

twee. Liefde tussen de ruïnes : Een bijna vernietigde aquarel haalt de hoogste prijs voor prerafaëlitisch werk op een veiling

Liefde tussen de ruïnes (Eerste versie), Edward Burne-Jones , 1870-73, via de Burne-Jones Catalogus Raisonné

Edward Burne-Jones geschilderd Liefde tussen de ruïnes bij twee gelegenheden; eerst een aquarel tussen 1870 en 1873, daarna olieverf op doek, voltooid in 1894. Dit meesterwerk vertegenwoordigt een van de mooiste voorbeelden van de schilderijen van Edward Burne-Jones, geprezen door de Britse kunstenaar zelf en door critici van zijn tijd. Het is ook beroemd om zijn ongelooflijke lot.

Het schilderij met twee geliefden tussen een verwoest gebouw verwijst naar de Victoriaanse dichter en toneelschrijver Robert Browning's Liefde tussen de ruïnes gedicht . Italiaanse Renaissance meesters , die Burne-Jones ontdekte tijdens verschillende reizen naar Italië, had met name invloed op de stijl van het schilderij.

Prerafaëlieten gebruikten aquarellen op een ongebruikelijke manier, alsof ze met oliepigmenten schilderden, wat resulteerde in een gestructureerd, felgekleurd werk dat gemakkelijk voor een olieverfschilderij zou kunnen worden aangezien. Dat is precies wat er is gebeurd Liefde tussen de ruïnes . Toen hij in 1893 werd uitgeleend aan een tentoonstelling in Parijs, vernietigde een medewerker van een galerie de kwetsbare aquarel bijna door deze te bedekken met eiwit als tijdelijke vernis. Hij heeft zeker niet het etiket op de achterkant van de aquarel gelezen, waarin expliciet stond dat deze foto, die in waterverf is geschilderd, zou door het minste vocht worden beschadigd.

Liefde tussen de ruïnes (Tweede versie), Edward Burne-Jones , 1893-94, via de Burne-Jones Catalogus Raisonné

Burne-Jones was er kapot van toen hij hoorde over de schade aan zijn kostbare meesterwerk. Hij besloot een replica te schilderen, dit keer met olieverf. Het origineel bleef verborgen in zijn studio totdat een voormalige assistent van de eigenaar, Charles Fairfax Murray, voorstelde om het te herstellen. Hij slaagde in zijn inspanningen en liet alleen het beschadigde vrouwenhoofd achter dat Burne-Jones graag opnieuw schilderde. Dit gebeurde slechts vijf weken voor de dood van Burne-Jones zelf.

In juli 2013 werd de aquarel met een geschatte waarde van tussen de £ 3-5 miljoen verkocht op een veiling bij Christie's London en bereikte het torenhoge bedrag van £ 14,8 miljoen (toen meer dan $ 23 miljoen). De hoogste prijs voor een prerafaëlitisch werk dat op een veiling wordt verkocht.

3. Flora : De vruchtbare vriendschap van Burne-Jones met de Britse kunstenaar William Morris

Studie voor het Flora-tapijt , naar Edward Burne-Jones, John Henry Dearle en William Morris, door Morris & Co. , 1885, via de Burne-Jones Catalogus Raisonné; met Flora (Tapestry), naar Edward Burne-Jones, John Henry Dearle en William Morris, door Morris & Co ., 1884-85, via de Burne-Jones Catalogus Raisonné

Edward Burne-Jones ontmoette een van de toekomstige leiders van de Arts and Crafts-beweging, William Morris , in 1853 toen hij theologie begon te studeren aan het Exeter College in Oxford. Burne-Jones en Morris werden al snel vrienden en deelden een wederzijdse fascinatie voor middeleeuwse kunst en poëzie.

Georgiana, de vrouw van Burne-Jones, herinnerde zich de broederlijke relatie van Edward en William terwijl ze hun dagen doorbrachten met het lezen van Chaucers werk en het bezoeken van de Bodleian middeleeuwse verluchte handschriften te beschouwen. Ze besloten om kunstenaars te worden bij hun terugkeer naar Engeland na een reis door Frankrijk om de gotische architectuur te ontdekken. Terwijl Morris architect wilde worden, ging Burne-Jones in de leer bij zijn rolmodel, de beroemde prerafaëlitische schilder, Dante Gabriel Rossetti .

Flora gebrandschilderd glas, St Mary the Virgin kerk, Farthingstone, Northamptonshire , naar Edward Burne-Jones, door Edgar Charles Seeley voor Morris & Co., 1885, via de Burne-Jones Catalogus Raisonné

De twee vrienden begonnen natuurlijk samen te werken en werden partners, samen met vijf andere medewerkers in Morris, Marshall, Faulkner & Co. , opgericht in 1861. De fabrikant en retailer van meubel- en decoratieve kunsten veranderde zijn naam later in: Morris & Co . (1875).

Burne-Jones maakte talloze cartoons met voorbereidende tekeningen die werden gebruikt door Morris & Co. om wandtapijten, getint glas en keramische tegels te ontwerpen. De Flora wandtapijten is een perfect voorbeeld van de bijdrage tussen Burne-Jones en Morris en hun gezamenlijke doel: de alliantie van kunsten en ambachten. Burne-Jones tekende de vrouwelijke figuur, terwijl Morris de plantaardige achtergrond creëerde. In een brief aan zijn dochter schreef Morris: Oom Ned [Edward] heeft twee mooie figuren voor me gemaakt voor wandtapijten, maar ik moet er een achtergrond voor ontwerpen. De twee vrienden bleven hun hele loopbaan samenwerken.

Vier. Phyllis en Demophoen: Het schilderij dat een schandaal veroorzaakte

Phyllis en Demophoön (De boom van vergeving) , Edward Burne-Jones , 1870, via Alain Truong; met Studie voor Phyllis en Demophoön (De boom van vergeving) , Edward Burne-Jones , Dat. 1868, via de Burne-Jones Catalogus Raisonné

In 1870, het schilderij van Edward Burne-Jones Phyllis en Demophoön (De boom van vergeving) , veroorzaakte een publiek schandaal. Burne-Jones liet zich inspireren door kunst uit de hoge renaissance en tekende de figuren van twee geliefden uit een Griekse mythologische romantiek. Phyllis, die uit de amandelboom komt, omhelst de naakte minnaar die haar heeft verlost, Demophoön.

Het schandaal kwam niet van het onderwerp of de schildertechniek. In plaats daarvan was het de liefdesjacht op initiatief van Phyllis, een vrouw, en de naaktheid van Demophoön die het publiek schokte. Hoe vreemd, aangezien naakten heel gewoon waren in de antieke en renaissancekunst!

Zo'n schandaal heeft alleen zin in het licht van het 19e-eeuwse Groot-Brittannië. De preutse Victoriaanse samenleving legde op wat smaakvol was of niet. Een gerucht meldde dat, toen koningin Victoria voor het eerst de cast van Michelangelo's zag... David tentoongesteld in het South Kensington Museum (tegenwoordig het Victoria & Albert Museum), was ze zo geschokt door zijn naaktheid dat de autoriteiten van het museum de toevoeging van een gips vijgenblad om zijn mannelijkheid te bedekken. Dit verhaal laat duidelijk zien hoe naaktheid een gevoelig onderwerp was in het Victoriaanse Groot-Brittannië.

De boom van vergeving (Phyllis en Demophoön) , Edward Burne-Jones , 1881-82, via de Burne-Jones Catalogus Raisonné

Edward Burne-Jones, die was verkozen tot de gewaardeerde Vereniging van Schilders in Aquarellen in 1864, besloot het te verlaten nadat hem was gevraagd om de genitaliën van Demophoön te bedekken, wat hij weigerde. Burne-Jones had veel te lijden van het schandaal en trok zich de zeven daaropvolgende jaren terug uit het openbare leven. De Britse kunstenaar maakte twaalf jaar na de eerste een tweede versie van het schilderij, deze keer zorgvuldig over Demophoöns mannelijkheid, om verdere controverse te vermijden.

5. De laatste slaap van Arthur in Avalon : Het laatste meesterwerk van Edward Burne-Jones

De laatste slaap van Arthur in Avalon , Edward Burne-Jones , 1881-1898, via de Burne-Jones Catalogus Raisonné

Aan het einde van zijn leven werkte Edward Burne-Jones aan een enorme olieverf op doek (9 x 21 ft), De laatste slaap van Arthur in Avalon . Tijdens deze lange periode (tussen 1881 en 1898), ging Burne-Jones volledig in de schilderkunst terwijl zijn zicht en gezondheid verslechterden. Dit meesterwerk staat als de erfenis van de schilder. Burne-Jones was goed bekend met de Arthur-legendes en die van Thomas Malory De dood van Arthur . Samen met zijn oude vriend William Morris bestudeerde hij tijdens zijn jeugd vurig de verhalen van Arthur. Edward heeft bij talloze gelegenheden afleveringen van de legende afgebeeld.

Maar dit keer illustreerde het enorme schilderij, het grootste dat hij ooit heeft geschilderd, iets veel persoonlijker. Het begon met een werk in opdracht van George en Rosalind Howard, de graaf en gravin van Carlisle, en de goede vrienden van Burne-Jones. De graaf en gravin vroegen hun vriend om een ​​aflevering van de legende van koning Arthur te schilderen om in de bibliotheek van het 14e-eeuwse kasteel van Naworth te gaan. Burne-Jones ontwikkelde echter zo'n diepe gehechtheid tijdens het werken aan het schilderij dat hij zijn vrienden vroeg het tot zijn dood in zijn atelier te bewaren.

Details van De laatste slaap van Arthur in Avalon , Edward Burne-Jones , 1881-1898, via de Burne-Jones Catalogus Raisonné

Burne-Jones identificeerde zich op zo'n diep niveau met Arthur dat hij zijn eigen kenmerken aan de stervende koning gaf. Zijn vrouw Georgiana meldde dat Edward destijds de houding van de koning begon aan te nemen terwijl hij sliep. De Britse kunstenaar repeteerde zijn eigen dood. Burne-Jones schilderde het tafereel terwijl hij moeilijke tijden doormaakte. Naast zijn gezondheidsproblemen rouwde hij om het verlies van zijn dierbare vriend William Morris, die in 1896 stierf. De schilder werkte een paar uur voor zijn eigen dood nog aan zijn laatste meesterwerk. Een hartaanval trof de schilder op 17 juni 1898, waardoor het schilderij onvoltooid bleef.

Hoewel het werk van Edward Burne-Jones een tijdlang in de vergetelheid raakte, wordt hij tegenwoordig erkend als een van de grootste kunstenaars van het Victoriaanse Groot-Brittannië. De Britse kunstenaar beïnvloedde vele andere kunstenaars, met name de Franse Symbolistische schilders . Prerafaëlieten, vooral de broederlijke vriendschap van William Morris en Edward Burne-Jones, zelfs geïnspireerde J.R.R. Tolkien .