Kubistische kunst voor dummies: een handleiding voor beginners

Fles Vieux Marc, glas, gitaar en krant door Pablo Picasso, 1913, via Tate, Londen

kubistische kunst ontstond in het eerste decennium van de twintigste eeuw, ontwikkeld door Pablo Picasso en Georges Braque. Het begon als een experimentele kunstvorm die vraagtekens zette bij de manier waarop we objecten waarnemen en hoe we ze gaan begrijpen. De kubistische beweging keerde, net als vele andere bewegingen uit deze periode in de geschiedenis, de traditionele ideeën van de schilderkunst die sinds de Renaissance waren ingeprent, de rug toe.

Kubistische kunst definiëren

Fles en vissen door Georges Braque , 1910-12, via Tate, Londen

Kubistische kunst kan worden gezien als een speelse conversatie met kunst, zowel in haar positie in de samenleving als in haar methoden om de werkelijkheid weer te geven. In dit gesprek vraagt ​​het kubisme de kijker om na te denken, niet alleen om te reageren op de zinnelijkheid van kleur en lijn die we zouden kunnen vinden in bijvoorbeeld een impressionistisch schilderij. Sterker nog, bij de eerste bezichtiging van een Braque of een Picasso tijdens hun kubistische jaren, wordt de verbaasde kijker getroffen door hun monochromatische, wanordelijke composities.

Hoewel de kubistische beweging relatief kortstondig was, zouden ze een integrale rol spelen in de geschiedenis van modernistische kunst . Kubistische kunst werd een invloed op vele andere kunststromingen, zoals: De Stijl en Expressionisme , in zijn zoektocht naar representatie door middel van abstractie. Om kubistische kunst te begrijpen en om de vraag 'wat is kubisme?' te beantwoorden, moeten we ons verdiepen in de kunstgeschiedenis en de modernistische zorg om een ​​kunstvorm te vinden die moderniteit nauwkeurig weergeeft.

De vorming van de kubistische beweging

Heuvel in de Provence door Paul Cézanne , 1890-1892, via de National Gallery, Londen

Sinds de Renaissance,West-Europese schilderkunst was in beslag genomen door het creëren van een rationeel, driedimensionaal beeld op een plat, tweedimensionaal oppervlak; naar naturalisme en weg van abstractie . Er was natuurlijk een veelvoud aan methoden om dit te doen, en discussies over welk onderwerp moest worden afgebeeld, maar het feit bleef dat kunstenaars een illusie van ruimte voor de kijker moesten creëren. Deze illusie van ruimte vormde het gezichtspunt van waaruit een kijker het schilderij kon begrijpen.

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Naturalisme zou de schilderkunst in stand houden tot het einde van de negentiende eeuw, toen kunstenaars de kunstmatigheid van de schilderkunst in twijfel begonnen te trekken. Schilders zoals Édouard Manet was begonnen te schilderen in een stijl die we nu zien als een vroege vorm van impressionistische schilderkunst; Vincent van Gogh veranderde wat hij zag in hoe het hem emotioneel beïnvloedde. Deze kunstenaars waren aan het experimenteren en probeerden te begrijpen hoe we de wereld waarnemen: is het door een impressie van een scène, of hoe we ons voelen over een scène? Een verdere vraag zou worden gesteld door: Paul Cézanne : hoe schilderen we een object als het voortdurend verandert terwijl we eromheen bewegen? Objecten komen niet vanuit één perspectief op ons af, maar vanuit vele.

Stilleven met gemberpot en aubergines door Paul Cézanne, 1893-94, via het Metropolitan Museum of Art, New York

Het was Paul Cézanne die dit project zou starten om te begrijpen hoe objecten vanuit meerdere perspectieven kunnen worden weergegeven. Naturalisme was dus kunstmatig en levensecht; het gaf objecten weer vanuit één gezichtspunt op één moment in de tijd. De kubistische beweging was op zoek naar een nieuwe beeldtaal die de werkelijkheid nauwkeurig zou uitdrukken.

De basisjaren

Viaduct bij L'Estaque door Georges Braque , 1908, via Smarthistory; met Horta d'Ebre door Pablo Picasso , 1909, via MoMA, New York

Picasso's De dames van Avignon (1906) is niet alleen een van de meest invloedrijke kunstwerken van de twintigste eeuw, maar het begin van de kubistische beweging. Het is abrupt, schokkend, samengesteld uit scherven en er is geen ruimte voor de kijker om in te kijken. De figuren zijn vervormd en geabstraheerd, wat ons doet denken aan het platte vlak waarop het schilderij is ontstaan. Het zouden echter Georges Braque en zijn hommageschilderijen aan Cézanne zijn die de centrale ideeën van de vroege, ook wel analytische, kubistische kunst zouden formuleren.

Braque's schilderijen van het gebied van L'Estaque uit 1908 toonden huizen en bomen gestript tot hun kale vormen - de vormen waaruit het object bestaat - op een chaotische manier. De ruimte is gecondenseerd en de lichtbron twijfelachtig. Braque wilde het illusionisme van de schilderkunst afschaffen en de kijker confronteren met wat een schilderij was; een tweedimensionaal canvas van tekens. Toen ze Picasso ontmoetten, gingen ze experimenteren met dit idee via het genre van het stilleven.

De dames van Avignon door Pablo Picasso , 1906, via MoMA, New York

Ze wilden het illusionisme van de schilderkunst in vraag stellen en hoe een kunstenaar kan verbeelden wat hij ziet - want dat is de fundamentele vraag voor een kunstenaar - zonder een moment in de tijd te bevriezen. Wat het stilleven bood, was een manier om te experimenteren met het deconstrueren van objecten, het verkleinen van de ruimte en het tonen van meerdere gezichtspunten. Analytische kubistische kunst zou een kunst van conceptie worden in plaats van perceptie. Het was een intellectueel idee over hoe we de objecten om ons heen gaan begrijpen.

Wat we dus in het analytisch kubisme aantreffen, is een chaotisch canvas van vormen die objecten betekenen. De titel van het schilderij geeft een idee van waar we naar moeten zoeken. Bijvoorbeeld in Braque's Mandora , we kunnen duidelijk het klankgat en de snaren van de mandora zien, maar de snaren verschuiven constant alsof we bewegen als we ernaar kijken. Het doek is opgebouwd uit vele vlakken, willekeurig gearceerd om de kijker geen inzicht te geven waar de lichtbron zich bevindt; de vormen in het schilderij zijn weggelaten, waardoor een effect ontstaat van een verschuivende blik door de tijd. Dit schilderij speelt met de illusie van schilderen en ondermijnt die illusie.

Mandora door Georges Braque, 1909, via Tate, Londen; met flessen en glazen door Pablo Picasso, 1912, via het Guggenheim Museum, New York

De latere jaren

Fles rum en krant door Juan Gray , 1914, via het Guggenheim Museum, New York; met Schaal met fruit, viool en fles door Pablo Picasso , 1914, via Tate, Londen

De kubistische beweging zou in 1912 worden getransformeerd toen Georges Braque besloot een stuk olieverf op zijn schilderij te plakken. Dit was het begin van synthetisch kubisme. Synthetische kubistische kunst gaf Picasso en Braque een extra dimensie in het spelen met het begrip kunst. De late periode van de analytische kubistische kunst had het gebruik van gestencilde letters op het doek geïntegreerd om de kijker aan zijn vlakheid te herinneren, maar nu het gebruik van gelijmd papier zorgde voor een ongerijmde spanning op het doek die het rijk van de beeldende kunst ontwrichtte.

Braque's gebruik van het oliedoek in zijn compositie betekende de ineenstorting van 'fijne kunst'. Het oliedoek werd mechanisch gemaakt en in massa geproduceerd, en vereiste daarom geen artistieke vaardigheid. In feite zei Braque impliciet dat beeldende kunst tot het verleden behoorde; een echt modern statement. De vaardigheid om op natuurlijke wijze te schilderen was verdwenen nu men op een goedkoop stuk materiaal kon plakken dat er echt uitzag; in het geval van Braque was het een oliedoek dat eruitzag als houtnerf.

Het gebruik van collage in synthetisch kubistische kunst was opmerkelijk in de manier waarop het spanning op het canvas creëerde. Door een echt object op het doek naast geschetste vormen te plaatsen, speelde het met de notie van illusionisme en realiteit. Deze dubbelzinnigheid vestigde de aandacht op de valsheid van de traditionele schilderkunst en wees op de epistemologisch verschil tussen kunst en representatie. Door gebruik te maken van een 'lage' kunstvorm, collage, daagden Braque en Picasso de beeldende kunst uit in haar kracht om de werkelijkheid weer te geven.

De kubistische salon

Landschap door Albert Gleizes , 1912, via het Guggenheim Museum, New York

Hoewel Braque en Picasso worden gezien als de pioniers van de kubistische beweging, waren ze buiten de publieke belangstelling en creëerden ze stukken voor particulier patronaat. Andere kunstenaars zoals Jean Metzinger, Fernand Leger en Robert Delaunay cultiveerden echter een stijl op de kubistische manier. Deze artiesten waren lid van een groep genaamd Sectie D'Or en waren de leidende schilders die het publiek bewust maakten van kubistische kunst.

Deze kubistische kunstenaars verschilden op verschillende manieren van Braque en Picasso. Ze schilderden grotere doeken met grotere thema's als onderwerp; stadslandschappen, portretten en spirituele affecties waren allemaal onderwerpen voor de Salonkubisten. We zien in hun werk een bezigheid met moderniteit en het creëren van een nieuwe vorm van kunst voor hun tijd. Ze waren ook veel filosofischer ingesteld en namen ideeën over van de invloedrijke en hedendaagse filosoof Henri Bergson met zijn idee van Duree; al het leven bestaat in een eenheid van herinnering en visie.

De Rode Eiffeltoren door Robert Delaunay, 1911-12; met De stad door Robert Delaunay , 1911, via het Guggenheim Museum, New York

Deze groep bood misschien een meer logische benadering van kubistische kunst, terwijl Braque en Picasso zich concentreerden op het spelen met kunst en haar traditie terwijl ze stilistische innovaties maakten. De schilders van Section D'or waren bezig met hoe een individu de werkelijkheid ziet in de ervaring van moderniteit, en ze waren bezig met het vestigen van de aandacht van het publiek op deze ervaring.

Kubistische kunst en de twintigste eeuw

De kunstcriticus door Raoul Hausmann , 1919-20; met Z 105-portalen of Huizen van Kurt Schwitters , 1918, via Tate, Londen

Braque en Picasso's demonstratie van kubistische kunst zou een blijvend effect hebben op modernistische kunst. Hun onderzoek naar formele expressie bracht hen ertoe culturele veronderstellingen over kunst en realiteit in twijfel te trekken, een techniek die zou worden opgepikt door dadaïsme en Surrealisme . Ze onderzochten het culturele verschil tussen 'hoge' en 'lage' kunst en creëerden een synthese die deuren zou openen naar nieuwe creatieve verkenningen.

Na de Eerste Wereldoorlog was er een roep om een ​​terugkeer naar de orde in de schilderkunst; de chaos en vernietiging van zoveel levens leidden tot een herziening van de kunst; het gebruiken om cultuur te onderzoeken, niet om de realiteit te onderzoeken - hoewel dit over het algemeen niet zou slagen om de rampspoed van de jaren voorafgaand aan de Tweede Wereldoorlog te stoppen.

Guernica door Pablo Picasso , 1937, via Reina Sofia National Art Center Museum, Madrid

Dit betekende geen verlies van erkenning voor de kubistische experimenten. Tegen het einde van de Eerste Wereldoorlog had de kubistische kunst zich gevestigd als een nieuwe visuele taal van de moderniteit en werd ze zelf een beeldende kunst. De chaotische doeken waren nu een toepasbare uitdrukkingsmethode. In 1937, toen de nazi-troepen de stad Guernica bombardeerden, bracht de horror Picasso ertoe om zijn eigen vertolking van de gebeurtenissen te schilderen om het bewustzijn van de vernietiging te vergroten. Hij gebruikte natuurlijk ook de kubistische methode om die realiteit uit te drukken; want wat was vernietiging anders dan het verpulveren van mensen, gebouwen en het landschap in verspreide scherven?