Huizen van kunstenaars: creatieve ruimtes en kunststudio's van beroemde schilders

Claude Monet in Giverny , 1920 (links), Portret van Frida Kahlo , Florence Arquin , 1948, Archives of American Art (midden), en Georgia O'Keeffe , 1968, National Portrait Gallery, Smithsonian Institution (rechts)

De omgeving van een kunstenaar kan uiteindelijk verweven raken met zijn werk en nalatenschap. Claude Monet wordt geassocieerd met Giverny, Frankrijk zoals Frida Kahlo dat is Coyoacán, Mexico. Door naar deze kunstenaars te kijken door de lens van hun omgeving, kan dit leiden tot nieuwe inzichten in hun artistieke technieken, processen en overtuigingen. Laten we het gordijn opentrekken en een kijkje nemen in de huizen en ateliers van de meest invloedrijke schilders uit de geschiedenis.

De nieuwe Mexicaanse huizen en kunststudio van Georgia O'Keeffe

O'Keeffe opent de gordijnen van haar studio door Tony Vaccaro , 1960, Georgia O'Keeffe Museum

De brede ramen in het kunstatelier van Georgia O'Keeffe kijk uit naar de uitgestrekte landschappen van New Mexico. Het was dit landschap dat O'Keeffe voor het eerst boeide en uiteindelijk haar thuis zou worden voor de rest van haar leven en carrière. Haar band met het land gaf haar een hernieuwd gevoel van onafhankelijkheid. Het gaf haar de mogelijkheid om een ​​ruimte te creëren die duidelijk van haarzelf was.

Ghost Ranch: de wilde achtergrond van O'Keeffe's Southwest

Ghost Ranch, Patio door Todd Webb , 1955-1981, Georgia O'Keeffe Museum

Er zijn twee plaatsen in New Mexico die Georgia O'Keeffe als haar huis/studio gebruikte. Ghost Ranch, of Rancho de los Burros, was een mannenboerderij waar mensen kamers konden huren en op het land konden werken. O'Keeffe zou tijdens de zomers blijven en tot aan zijn dood terugkeren naar New York om haar man, Alfred Stieglitz, te bezoeken.

Mijn voortuin, zomer door Georgia O'Keeffe , 1941, Georgia O'Keeffe Museum

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

De ranch ligt tussen de ruige lagen van een mesa en het vlakke woestijnland. De mesa is gelaagd met roestkleurige zandsteen en sedimenten die variëren van paars, blauw en geel. Een woestijn is bezaaid met groene struiken en bomen die het landschap bezaaien. Hoewel het land adembenemend is, was Ghost Ranch moeilijk te beheren. Het was geïsoleerd zonder telefoon en had een slecht irrigatiesysteem. Op zoek naar een huis dat bebouwbaar en toch mooi was, leidde O'Keeffe naar haar tweede huis.

Abiquiú Homestead: waar de natuur architectuur ontmoet

Georgia O'Keeffe's Abiquiu House, Vigas en Studio Door door Georgia O'Keeffe , 1964, Georgia O'Keeffe Museum

De veeleisende inspanning van het runnen van Ghost Ranch bracht O'Keeffe ertoe het Abiquiú-huis te ontdekken. Het was in slechte staat en aanvankelijk onbewoonbaar, maar O'Keeffe wist dat ze het moest hebben. Toen ze het pand bezocht, trok de raadselachtige aanwezigheid haar naar binnen. De renovaties omvatten het opnemen van architectuur die in de regio te zien is van Indiaanse en Spaanse invloeden. Vigas gemaakt van cederhouten stammen langs de plafonds en de adobe-stenen zijn gemaakt van O'Keeffe's eigen land.

Interieur van Georgia O'Keeffe's huis en studio door Jack Boucher , Nationale parkdienst

Deze thema's liepen ook door het interieur van haar huis. O'Keeffe had dakramen, ramen en open deuropeningen om natuurlijk licht in haar huis te laten. Haar meubels worden gecombineerd met strakke, onopgesmukte lemen muren en minimale decoratie. Het Abiquiú-huis zorgt voor een rustgevende aanwezigheid in vergelijking met de ruige dieren in het wild buiten haar deur. Het is harmonieus met het wilde en rustieke landschap van het Amerikaanse zuidwesten.

Het nieuwe Mexicaanse landschap: waar kunst het leven weerspiegelt

Georgia O'Keeffe's Abiquiu House, Patio door Georgia O'Keeffe , 1964 (links), en Deur door raam door Georgia O'Keeffe , 1956,Georgia O'Keeffe Museum (rechts)

Het omringende land van de woestijn inspireerde O'Keeffe's schilderijen in haar carrière enorm. Haar huizen, vooral in Abiquiú, zijn geometrisch lineair met haar vigas, gladde lemen muren en paden. De open deuren en ramen laten natuurlijk licht binnen, waardoor verschillende vormen, lijnen en tinten ontstaan. Deze lineaire schilderijen doen denken aan haar schilderijen van de strakke moderne wolkenkrabbers van New York. Het verschil in New Mexico is het gebruik van natuurlijke aardetinten die ze elke dag buiten haar raam zag.

Hoewel New Mexico momenteel nog steeds artiesten aantrekt, is het synoniem geworden met Georgia O'Keeffe. Het zijn haar afbeeldingen van zijn majestueuze plateaus en uitgestrekte landschappen die blijven mystificeren en discussies over haar werk creëren.

Jackson Pollock en Lee Krasner's East Hampton Art Studio

Jackson Pollock en Lee Krasner in een veld door Wilfrid Zogbaum , 1949, Archives of American Art, Smithsonian Institution

De skyline van New York City werd gepasseerd voor de vredige valleien en beekjes van East Hampton voor Jackson Pollock en Lee Krasner . Pollock, die leed aan depressies en alcoholisme, koos ervoor om op het platteland te wonen, weg van de veeleisende stad. Het omringende land was gevuld met graslanden en moerassen met een verscheidenheid aan dieren in het wild en bloemen. Ze kozen een huis dat ooit toebehoorde aan een visser en verbouwden het huis en de schuur voor hun kunstatelier. Het platteland bood niet alleen meer ruimte in de ruimte, maar ook de mogelijkheid voor beide kunstenaars om hun creatieve ambities uit te breiden.

The Art Studio: het proces en de benodigdheden van Pollock

Jackson Pollock door Hans Namuth, 1950, National Portrait Gallery, Smithsonian Institution

De schuur bood Pollock meer ruimte om zijn grootschalige schilderijen te maken in vergelijking met New York. Een voorbeeld hiervan is toen Peggy Guggenheim Pollock opdracht gaf voor een muurschildering. Hij zou naar verluidt een muur in zijn appartement hebben neergehaald om op het grootschalige schilderij te passen. De nieuw verworven ruimte stelde hem in staat om het canvas op de grond te leggen en ruimte te hebben om rond het beeld te bewegen. Deze kunststudio was de ruimte waar Pollock zijn schildertechniek voor fotograaf liet zien Hans Namuth zoals hierboven getoond.

Jackson Pollock in zijn studio door Rudy Burckhardt , 1950, Archives of American Art, Smithsonian Institution

De ruimte zou worden gevuld met de verschillende benodigdheden die hij gebruikte. Er zijn verfblikken, dikke penselen, vodden en andere benodigdheden zoals te zien op de bovenstaande foto. De huis- of emailverf die hij gebruikte was erg vloeibaar en zou op de vloer onder hem spatten. Zelfs vandaag de dag blijven verfvlekken op de hardhouten vloer achter. Pollock zou onconventionele materialen zoals stokken, oude penselen of kalkoenbasters gebruiken om te schilderen. Hij zou ook stenen, glas, touw of zand gebruiken tijdens het schilderen.

De invloed van het landschap van East Hampton

Jackson Pollock, Long Island door Martha Holmes , 1949, Life Magazine

Er is gedebatteerd in hoeverre de natuurlijke wereld het werk of de processen van Pollock heeft geïnspireerd. Veel van de series die Pollock maakte toen hij in East Hampton woonde, hebben echter titels die op de natuur zijn geïnspireerd. Hij voltooide werken zoals: Herfstritme (Nummer 30) en Lavendel Mist (Nummer #). Zijn titels van series omvatten: Geluiden in het gras en de Accabonac Creek serie, die is vernoemd naar de kreek die achter zijn huis liep.

De seizoenen door Lee Krasner , 1957, Whitney Museum of American Art, New York

In vergelijking met Pollock is het beter bekend dat Krasner de natuur als inspiratiebron gebruikte. Lee Krasner's De seizoenen was een schilderij dat ze maakte na de dood van Pollock. Krasner zou de schuurkunststudio gebruiken na de dood van Pollock, maar canvas aan de muur geplakt in plaats van op de vloer. De gebaren penseelstreken en organische figuren leiden tot het idee van de veranderende seizoenen die ze zou hebben meegemaakt. Ze voltooide werken zoals: Kroontjeskruid , Vogelpraat , of Rechts Vogel Links die op de natuur geïnspireerde afbeeldingen of titels hebben.

Zowel Pollock als Krasner maakten enkele van hun meest memorabele schilderijen in East Hampton. Het landschap heeft ook kunstenaars aangetrokken zoals Willem de Kooning , Roy Lichtenstein , en Mark Rothko . Het is nog steeds een attractie voor bezoekers vanwege de connectie met het complexe leven van Jackson Pollock.

Het blauwe huis van Frida Kahlo

Portret van Kahlo die buiten zit op de patio van het Blauwe Huis, haar huis in Coyoacán, Mexico door Florence Arquin, 195-?, Archives of American Art, Smithsonian Institution

Azul de añil is de heldere kobaltverf die traditioneel wordt gebruikt om boze geesten af ​​te weren en de bewoners te beschermen. Dit is wat dekt Frida Kahlo's Casa Azul, een paradijs dat ze heeft gecreëerd. De felgekleurde muren beschermen een weelderige tropische tuin in het midden. Het huis staat vol met de voorwerpen, planten, dieren en kunst die Frida verzamelde. Deze objecten en haar huis zijn representaties van haar erfgoed en de liefde voor haar huis, Mexico.

De slaapkamer: een portret van de werkelijkheid

Frieda Kahlo in haar slaapkamer door Bernard G. Silberstein 1940, Detroit Institute of Arts

Frida's slaapkamer was een plek waar ze grote delen van haar leven doorbracht. Ze kreeg als kind polio en liep meerdere verwondingen op toen ze als jonge vrouw gewond raakte bij een busongeluk. Frida's vader en moeder gaven haar kunstbenodigdheden en een speciale ezel om in bed te gebruiken, waar ze studeerde en haar kunst beoefende. Boven haar bed hing een spiegel waarmee ze haar zelfportretten schilderde.

De droom (het bed) door Frida Kahlo , 1940,Prive collectie

Tegen het einde van haar leven werd ze opnieuw aan haar bed gekluisterd. Deze tijden van isolatie brengen Kahlo ertoe om beelden te schilderen van de dingen die haar omringden. Deze omvatten haar familie, objecten in haar eigen slaapkamer en natuurlijk zichzelf. In het echte leven rustte een skelet-Judas-figuur boven Kahlo's bed en verschijnt op het schilderij De droom . Het werd niet alleen gebruikt als een herinnering aan de dood, maar ook als een symbool van de steeds veranderende cycli van het leven.

De collecties van Diego en Frida

Frieda Kahlo in de woonkamer van Diego Rivera met figuur van Judas door Bernard G. Silberstein 1940, Detroit Institute of Arts

Frida en haar man, Diego Rivera , verzamelde artefacten en volkskunst van Mexico. Deze omvatten kleine beeldjes, speelgoed, altaarstukken (kleine altaarschilderingen), kleibeeldjes van Metepec en Judas-figuren (of fiesta-beeldjes) gemaakt van papier-maché. Deze figuren en hun plaatsing in het huis vertegenwoordigen allemaal hun passie voor het vestigen van trots op inheemse kunst en cultuur. De verzameling van deze objecten weerspiegelt Mexicaans , of de trotse daad van het vieren van hun voorouders en erfgoed. Deze objecten creëerden ook een verbinding voor Frida en de buitenwereld.

De tuin: wedergeboorte van een huis

De Pyramide door Miguel Tovar, Frida Kahlo-museum

Toen Casa Azul eigendom werd van Frida en Diego kreeg het een make-over, inclusief de tuin. Frida verzamelde ook planten en verwerkte deze in de binnenplaats van Casa Azul. Een opvallend item is de piramide in de tuin. Dit is een van de weinige stukken die de aanwezigheid van Diego in het huis duidelijk vertegenwoordigen. De piramide is gebaseerd op de piramide in Teotihuacan en wordt gebruikt om pre-Spaanse artefacten weer te geven. Andere planten in de tuin zijn onder meer goudsbloemen, cactussen, groene palmplanten en andere tropische planten afkomstig uit Mexico en Midden- en Zuid-Amerika.

Stilleven: Pitahaya's door Frida Kahlo 1938, Madison Museum voor Hedendaagse Kunst

Planten, bloemen en fruit / vegetatie waren constante beelden die te zien waren in Kahlo's schilderijen. Ze werden gebruikt voor stillevens, de achtergrond van haar zelfportretten, of als mens/plant hybriden. Haar beelden van planten die uit de mens groeien of vice versa tonen de verwevenheid tussen leven en dood. Ze verwijst voortdurend naar dit thema in een verscheidenheid van haar schilderijen, zoals het schilderij hierboven.

Frida's schilderijen en verzamelingen objecten zijn voorbeelden van haar liefde voor de inheemse en moderne Mexicaanse cultuur. Het is dit verlangen om contact te maken met haar banden met Mexico die Casa Azul definieert. Het is waar haar leven en carrière begonnen en waar haar nalatenschap vandaag de dag nog steeds bloeit.

Het Charleston-huis van Vanessa Bell en Duncan Grant

Duncan Grant door Godfrey Argent , 1968, National Portrait Gallery, Londen (links), en Vanessa Bell door Duncan Grant , 1917, National Portrait Gallery, Londen (rechts)

De Bloomsbury-groep was gebaseerd op een collectief ideaal om de maatschappelijke beperkingen van hun ouders uit het Victoriaanse tijdperk te verwerpen. De kunst van deze leden wordt niet beter geïllustreerd dan het Charleston Home in Sussex, Engeland. Geen muur, bedframe, open haard of badkuip bleef ongeverfd in het huis. Twee leden die in het huis woonden en schilderden waren Vanessa Bell en Duncan Grant . Hun huis is een letterlijke manifestatie van hun ontwerpideeën, evenals een uitdrukking van hun kijk op hun manier van leven. Het huis is een heiligdom dat gescheiden was van de beperkingen van de traditionele samenleving die ze verwierpen.

Geschilderde oppervlakken en decor van Charleston

Geschilderde deur in Clive Bell Study , The Charleston Trust (links) en De tuinkamer, Charleston Trust (rechts), East Sussex, Engeland

Het is de droom van kinderen om ongestraft op de muren van hun huis te tekenen. Deze droom wordt gerealiseerd door de Bloomsbury-groep omdat ze niet bang waren om uitingen van artistieke vrijheid te ontdekken. Zowel de artistieke stijlen van Bell als Grant zijn duidelijk zichtbaar in de decoraties van het huis. Kamers en objecten in huis zijn gedecoreerd in simplistische vormen, gedurfde kleuren en expressieve penseelstreken. Onderwerpen varieerden van het stilleven van fruit, bloemen, of de menselijke vorm. Stoelen, vloerkleden, banken, kussens en lampen werden zelfs ontworpen door Bell en Grant, die vervolgens werden vervaardigd door de Omega-workshops .

Duncan Grant Studio, Open haard, Charleston Trust, East Sussex, Engeland

Bell en Grant gebruikten patronen van paisley- of geruite prints en combinaties van cirkels, strepen en stippen om een ​​ritme te creëren tussen verschillende delen van het huis. Hun kleurgebruik varieert van mosterdgeel, bleke luchtblauw, rijke roestoranje of bleke muntgroen. Hoewel er een verscheidenheid aan kleuren in het huis wordt gebruikt, slagen ze er allemaal in om in eenheid samen te vallen. Dit komt door hun consistente expressieve stijl en is een bewijs van hun meesterlijke gebruik van kleurentheorie.

Een betoverende tuin: vol ontmoetingen en bloemen

Duncan Grant en Angelica Garnett in de tuin van Charleston , Charleston Trust, East Sussex, Engeland (links) en Aronskelk Lelies door Vanessa Bell , 1919, The Courtauld Institute of Art (rechts)

Het Engelse platteland van Sussex met bomen en boomgaarden trok Vanessa Bell naar het pand. Uiteindelijk vulde Bell de tuinen met bloemen, wat een inspiratiebron werd voor haar schilderijen. In de tuin zouden ontmoetingen plaatsvinden tussen Bloomsbury-leden. De aanleg van de tuin is vergelijkbaar met die van Monet's Giverny of Frida's tuin in Casa Azul. Het was een bron van artistieke inspiratie, maar ook van uitstel. De tuin beïnvloedde het schilderij van Bell Aronskelk Lelies , dat een stilleven toont met voorwerpen die lijken op die in hun huis in Charleston.

Het huis en de tuin van Charleston is een verzameling mensen die samenkomen om iets te creëren dat voor hen uniek herkenbaar was. Door het constante komen en gaan van mensen en de steeds veranderende inrichting is het Charleston-huis uiteindelijk nog steeds een thuis dat door velen wordt gedeeld.

De tuinen van Claude Monet: een kunststudio in de buitenlucht

Claude Monet voor zijn huis in Giverny , 1921, Musée d'Orsay, Parijs

Nadat hij tijdens zijn artistieke carrière van plaats naar plaats was verhuisd, was het Giverny die werd Claude Monet's laatste huis. Er zijn klimrozen en wijnstokken die de voorkant van het Giverny-huis overspoelen. De felgroene deuren contrasteren met de levendige rode tinten van de rozenperken op de voorgrond. De voorkant van zijn huis is slechts het begin van Monets vermogen om een ​​meesterwerk van land en tuin te creëren. Giverny werd de inspiratiebron voor enkele van zijn meest herkenbare werken die de kijkers vandaag nog steeds boeien.

De bloementuinen van Giverny

Claude Monet in Giverny , 1908, Denver Art Museum

Monet was bijzonder over wat voor soort bloemen hij plantte en waar hij ze plantte. Hij rangschikte zijn bloemen op kleur en mengde zeldzame soorten met de meest voorkomende bloem, variërend van rozen, tulpen, madeliefjes, zonnebloemen of vingerhoedskruid. Zijn tuinen mochten overvloedig groeien met bomen die over zijn bloembedden drapeerden en klimrozen die zich langs de muren van zijn huis verspreidden. Monet behandelde zijn tuin alsof hij een schilderij aan het maken was. Kleur regeerde boven alles en de combinaties van deze kleuren zouden zo minutieus worden gepland als zijn impressionistische schilderijen .

De tuin van de kunstenaar in Giverny door Claude Monet , 1900, Musée d'Orsay, Parijs

De tuinen van Monet geven het gevoel kijkers onder te dompelen in zijn wereld, net zoals zijn schilderijen dat doen. Net als bij de wazige penseelstreken van zijn schilderijen kan men niet zeggen waar het huis eindigt en de tuin begint, en de twee versmelten tot één. Een voorbeeld is het schilderij De tuin van de kunstenaar in Giverny . De felpaarse bloemen in dit schilderij steken scherp af tegen de wazige groene achtergrond van zijn huis en bomen. Zelfs in dit schilderij kan de kijker de doelgerichte plaatsing van zijn bloembedden zien om verschillende vormen en kleuren in het schilderij te creëren.

De Japanse brug en waterlelievijver

foto zonder titel, Durand-Ruel Archief, albumnr. III , Metropolitan Museum of Art, New York

Monet liet de brug bouwen in Japanse stijl die werd omringd door blauweregen, bamboe, irissen en een waterlelievijver eronder. Door zijn eigen scènes in de tuinen te creëren, had hij een constante ruimte waar hij zich kon concentreren en studeren op een specifieke scène. Monet's schilderijen van de vijver waren gericht op de weerspiegeling van water in plaats van op de fysieke objecten zelf. Het idee van reflecties en onderdompelingen bracht Monet ertoe om meerdere representaties van deze ene scène te creëren.

De Japanse voetgangersbrug door Claude Monet , 1920-22, MoMA

Een van deze interpretaties van de Japanse brug is te zien op het schilderij hierboven. Tegen de jaren 1920 veranderde Monets kleurgebruik en verftoepassing in Giverny. Zijn kleuren veranderden van rustgevend groen en blauw naar energiek rood en geel. Zijn penseelstreken waren minder beheerst en lijnen waren vrij op het doek geplaatst. Dit kan komen door het ouder wordende gezichtsvermogen van Monet, maar desalniettemin is er nog steeds een zichtbare verandering in dit werk in vergelijking met zijn eerdere.

The Art Studio: The Creation of Monet's Water Lily Series

Claude Monet in zijn atelier in Giverny door Henri Manuel, 1920

Monet staat bekend om het maken van zijn schilderijen in de buitenshuis stijl. Hij wandelde door het platteland van Frankrijk, of dobberde op een bootstudio langs de Seine om zijn plein air schilderijen te maken. Voor zijn grootschalige paneelschilderingen van zijn waterlelies moest hij echter verhuizen naar een kunstatelier. Monet was in de zestig toen hij aan de serie begon, en ze behoren tot de grootste waaraan hij ooit heeft gewerkt.

Giverny groeide door de jaren heen en Monet mee. Hij voegde voortdurend toe aan de bestaande tuinen en boomgaarden, waardoor hij nooit ver van huis kon reizen. Zijn inspiratie was altijd op een steenworp afstand en leidde tot de creatie van zijn beroemdste werken.