Pop Art: Amerikaans versus Brits (beroemde artiesten en iconische kunst)

Smash, Ed Ruscha, 1963, Christie's

Pop Art, een van de beroemdste kunststromingen aller tijden, definieerde de consumentistische jeugdcultuur van de jaren vijftig en zestig, waardoor kunst Pop! zoals nooit tevoren. Popartiesten zochten inspiratie in de rijken van de populaire cultuur, waarbij ze speelse, kleurrijke en oneerbiedige beelden uit reclame, stripboeken, tijdschriften en films haalden en deze verwerkten in opwindende nieuwe vormen van kunst.

Experimenteren met de knip-en-plaktaal van dadaïst en Surrealisme , verkenden veel kunstenaars collages op frisse nieuwe manieren. Ze verwijzen naar de geïndustrialiseerde wereld van kapitalisme en consumentisme met spot-ernst. Anderen omarmden de opkomende technologie van nieuwe technieken, waaronder prentkunst, fotografie ,en filmmaken, waardoor kunstenaars veelvouden en herhalingspatronen konden produceren, waardoor de pretenties rond het individuele, geïsoleerde kunstwerk werden weggenomen. Sommigen gingen door met traditionele schilder- en beeldhouwkunst, maar vonden manieren om fotografische of gedrukte elementen op te nemen, of stijlen die digitale effecten nabootsten.

Marilyn Monroe-serie, Andy Warhol, 1967 en een grotere plons, David Hockney, 1967, Tate

Pop Art was in de jaren vijftig en zestig overwegend een Brits en Amerikaans fenomeen en had in de daaropvolgende decennia een wijdverbreide invloed en inspireerde miljoenen navolgers wereldwijd. In feite huwde Pop de kunst zo succesvol met de commercie dat hun unie vandaag nog steeds sterk staat. Het blijft talloze creatieve denkers inspireren en informeren.

Wist je dat popart begon in Londen, Engeland?

Eduardo Paolozzi, I was a Rich Man's Plaything, 1947

New York's Andy Warhol is Pops beroemdste icoon, maar velen weten misschien niet dat de beweging eigenlijk begon in het Londen van de jaren veertig. De onafhankelijke groep was een groep gelijkgestemde kunstenaars die regelmatig bijeenkwam in het London Institute for Contemporary Art om ideeën uit te wisselen. Ze waren verenigd in hun fascinatie voor Amerikaanse films, reclame en branding die hun weg hadden gevonden naar de Britse cultuur. Leden waren onder meer Eduardo Paolozzi en Richard Hamilton, nu erkend als de allereerste popartiesten. In een brutale collage van Paolozzi, getiteld Ik was een speelbal van een rijke man, 1947, het woord Pop! komt schieten uit een speelgoedgeweer, een knipoog naar de creatieve tekst van stripboeken. Velen zien dit kunstwerk nu als de oorsprong van de term Pop Art, die Paolozzi gebruikte als een afkorting van het woord populair, verwijzend naar de fascinatie van de groep voor populaire cultuur.

Richard Hamilton, Wat maakt de huizen van vandaag zo anders, zo aantrekkelijk?, 1956

De beroemde collage van Richard Hamilton Wat maakt de huizen van vandaag zo anders, zo aantrekkelijk? 1956, maakte de spot met het nieuwe, geïdealiseerde Amerikaanse leven dat de westerse samenleving infiltreerde. Het was een belachelijk overdreven beeld van de perfecte man en vrouw die worden uitgestald met de nieuwste snufjes. Het zijn echter holle, oppervlakkige symbolen van het consumentisme. Anders dan zijn latere Amerikaanse tegenhanger, kenmerkte de Britse Pop Art zich door dit bijtende satirische randje dat de Amerikaanse cultuur van een afstand observeerde. Hamilton noemde hun nieuwe stijl voor de grap populair, van voorbijgaande aard, vervangbaar, goedkoop, massaproductie, jonge gimmicky, glamoureus en Big Business.

Neo-Dada en pop in New York

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Jasper Johns, Witte Vlag, 1955, The Met

In het New York van de jaren vijftig ontstond een Neo-Dada-cultuur, die het wild experimentele, knip-en-plak-absurdisme van de vroege jaren twintig verkende.eeeuw dada-beweging . Prominente kunstenaars begonnen op het toneel te verschijnen, waaronder Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein en Andy Warhol . In de monumentale tentoonstelling in Sydney Janis Gallery in 1962 met de titel Nieuwe realisten , kunstwerken werden gegroepeerd in verschillende terugkerende thema's, waaronder het dagelijkse object, massamedia en herhaling. De in Brits-Amerika gevestigde curator Lawrence Alloway zag een verband tussen Britse en Amerikaanse kunst. Hij was de eerste die de term Pop Art gebruikte om het begin van een nieuw tijdperk te definiëren. In tegenstelling tot de Britse popstijl, leefden Amerikaanse kunstenaars tussen massacommunicatie en reclame door deze vanuit een insiderperspectief met een minder kritische blik te observeren.

Veel kunstcritici in zowel de Verenigde Staten als Europa waren geschokt door het gebruik van 'laag' onderwerp in het rijk van 'hoge' kunst, en kunstenaars kregen te maken met harde kritiek toen de beweging nog in de kinderschoenen stond. Maar tegen het midden van de jaren zestig hadden veel meer galerijen, kunstenaars en kopers de stijgende trend opgepikt en het was duidelijk dat er een nieuwe stijl zou blijven.

Warhol en Lichtenstein's Americana

Andy Warhol, Campbell's soepblikken, 1962

In het New York van de jaren zestig was Andy Warhol de affichejongen voor de Amerikaanse popart. Hij maakte gebruik van populaire, beroemde beelden uit de Amerikaanse cultuur, waaronder Coca Cola, Campbell's Soup, en iconische beroemdheden zoals Marilyn Monroe, Jackie Kennedy en Elizabeth Taylor. Zijn favoriete medium was zeefdruk, waardoor hij opvallende, gedurfde afbeeldingen kon produceren als veelvouden en herhalende patronen, maar hij experimenteerde ook met een breed scala aan andere media, waaronder schilderen, fotografie en filmmaken. Oprichting van zijn wereldberoemde werkplaats in New York, bekend als De fabriek, hij had een team van assistenten in dienst om hem te helpen de kunstscene in New York over te nemen. Hoewel Warhol vaak wordt gezien als een glanzend symbool van de oppervlakkige glamour van Amerika, schuilde er ook een sinister randje onder veel van zijn kunstwerken, dat de donkere kant van beroemdheid en roem benadrukte, vooral wanneer schedels begon te verschijnen in zijn kunstwerken.

Roy Lichtenstein, Blam, 1962

De Amerikaanse schilder Roy Lichtenstein maakte ook gebruik van de commerciële wereld voor het onderwerp. Aanvankelijk geïnspireerd door de Mickey Mouse-kauwgomverpakkingen van zijn kinderen, zoals te zien in zijn vroege schilderij Kijk Mickey, 1961, hij begon grote geschilderde versies van enkele stripboekframes te maken, die hij toevoegde en overdreef om een ​​nog groter dramatisch effect te benadrukken. Sommige werken benadrukten de theatrale impact van onomatopee stripboektekst, waaronder woorden als Blam, Pop, Whaam en Varoom. Ze waren allemaal getekend in overdreven letters en omringd door wild opwellende rook, vuur en vlammen, of lijnen die een snelle beweging suggereerden. Deze schilderijen waren onmiddellijk krachtig en hadden een langdurige invloed op de tekstkunst in de jaren zeventig.

Roy Lichtenstein, Verdrinkend meisje, 1963

Maar Lichtenstein heeft echt geschiedenis geschreven met zijn reeks scènes gebaseerd op het tienerdrama-stripboek Romances voor meisjes , het vastleggen van door angst geteisterde jonge vrouwen die worden weggevaagd door lafhartige jonge mannen, of in poelen van wanhoop vallen, zoals de scène in verdrinkend meisje, 1963. Lichtenstein benadrukte en overdreef het emotionele drama van deze jonge vrouwen zodanig dat ze lachwekkend werden door het oppervlakkige karakter van het gedrukte beeld te benadrukken. De inktbesparing repliceren Ben-dag punt druktechniek gebruikt voor strips diende hetzelfde doel en vestigt onze aandacht op het afgeplatte beeld. Lichtenstein beschilderd met platte, acryl Magna-verf door een geperforeerd rooster om deze synthetische, onpersoonlijke esthetiek te creëren, met een eindresultaat dat er volledig machinaal uitziet.

Andere soorten popart

Arman, Lang parkeren, 1982

In andere delen van Europa ontstonden onder verschillende namen variaties op de Amerikaanse en Britse popart. In Frankrijk kwam een ​​groep kunstenaars samen, die zichzelf de Nouveau Realistes (nieuwe realisten) noemden, met leden als Arman, Cesar, Christo, John Tinguely en Yves Klein. Geïnspireerd door de Amerikaanse en Britse popart brachten ze elementen van de populaire cultuur in hun kunst, maar ze verkenden ook het minder glamoureuze afval van het dagelijks leven, waardoor hun kunst een vuiler, minder gepolijst randje kreeg. Beeldhouwer Arman bracht verpletterde of verlaten auto's naar zijn enorme, monumentale assemblages, zoals te zien is in de totem Lang parkeren, 1982, terwijl Tinguely rommelwinkelmachines maakte van oude wielen, bouten en moeren, en er een onhandig, rinkelend nieuw leven in injecteerde.

Gerhard Richter, Feest, 1963

Een groep kunstenaars in Duitsland reageerde ook op het fenomeen Pop Art in de jaren zestig, waaronder: Gerhard Richter , Sigmar Polke, Konrad Lueg en Manfred Kuttner. Terwijl ze zichzelf voor de grap adverteerden als Duitse popartiesten om de aandacht te trekken, was hun werk in werkelijkheid complexer en kritischer. Door elementen van het socialistisch realisme uit Oost-Duitsland samen te voegen met het veramerikaniseerde kapitalisme van West-Duitsland, bedachten ze de samengevoegde term kapitalistisch realisme om hun tussenstand te beschrijven. Door beelden op te heffen uit nieuwsberichten, advertenties en de cultuur van beroemdheden, hadden hun beelden vaak een bijtend, satirisch randje. Bij Richter's Partij, 1963, een groep beroemdheden verandert bijvoorbeeld in spookachtige geesten die bloed in hun wijnglazen sijpelen, terwijl in Sigmar Polke's konijntjes, 1966, Playboy's Bunny Girls worden gereduceerd tot een pixelachtige, vervaging van patronen en vlekkerige stippen, in navolging van de polkadot-taal van Roy Lichtenstein.

Sigmar Sigmar Polke, Konijntjes, 1966

Postmodernisme, neopop en de superflat

Sinds de komst van Pop Art in de jaren zestig zijn kunstenaars steeds avontuurlijker blijven reageren op de zich uitbreidende wereld van de massamedia, vaak met een kritische houding. Gedurende de jaren zeventig speelden postmoderne kunstenaars met beelden van het publieke oog of bewerkten deze, soms creëerden ze opgeblazen versies van de werkelijkheid om de destructieve eigenschappen van het consumentisme te benadrukken.

Cindy Sherman, Zonder titel, 2010-12

De feministische houding van de Amerikaanse fotograaf Cindy Sherman deed scherpe observaties over de oppervlakkige, geïdealiseerde archetypen van de samenleving gericht op vrouwen via films en tijdschriften. Verkleed als een reeks karikaturen met pruiken, nepbruin, verhoogde make-up en valse neuzen, bekritiseert ze de belachelijkheid van vrouwelijke idealen door de donkere onderbuik van plastische chirurgie en cosmetische verbetering bloot te leggen.

Jeff Koons, Lips, 2000, uit de serie 'Easyfun-Ethereal'

Amerikaanse artiest Jeff Koons reageerden in de jaren tachtig op de kapitalistische cultuur met nepadvertenties in tijdschriften en overdreven sculpturen, waarbij kitsch en schattige memorabilia werden vergroot tot angstaanjagende te grote replica's. Zijn serie enorme 'Easyfun-Ethereal'-schilderijen zijn mash-ups van reclamefragmenten. Ze hebben glanzende vrouwenlippen en sappig nat fruit dat over tropische landschappen zweeft en de toegeeflijke, geseksualiseerde aard van reclame benadrukt. Deze gelikte fotorealistische taal is een stijl die nu bekend staat als Neo-Pop. Net als Warhol runt hij een enorme werkplaats met teams van assistenten die zijn werk voor hem maken. De schromelijk te grote assemblages van Mike Kelley zijn zelfs nog groteresk, lugubere gekleurde knuffels op één hoop gegooid in hangende pelsballen die spreken van massaconsumptie, verspilling en overmaat.

Japanse kunstenaar Takashi Murakami poseert met zijn serie 'Superflat'

Als postmoderne en neopop-artiesten een kritische houding aannamen ten opzichte van de populaire cultuur, dan zou de Japanse hedendaagse kunstenaar Takashi Murakami heeft weer plezier ingespoten. Kunstcritici noemen hem zelfs het antwoord van Japan op Andy Warhol. Zijn belachelijk optimistische wereld is gevuld met bedwelmende bloemenprints en lachende gezichten in snoepzoete pasteltinten. Hij gebruikt de term Superflat om zijn synthetische, decoratieve taal te definiëren en trekt parallellen tussen oude Japanse houtblokken en hedendaagse anime- of manga-cartoons. Hij stelt dat platte, decoratieve en bloemmotieven al eeuwenlang in de Japanse samenleving voorkomen. Hij brengt de taal van de popart rond en combineert zijn opzichtige, lachende bloemen en brutale, vriendelijke wezens tot commerciële objecten. Van sneakers en handtassen tot telefoonhoesjes en skateboards bewijst hij hoe nauw de talen van kunst en commercie met elkaar verweven zijn.