10 LGBTQIA+-artiesten die je moet leren kennen

Jamaicaanse romantiek door Felix d’Eon, 2020 (links); met Liefde op jacht door Felix d'Eon, 2020 (rechts)

Door de geschiedenis heen en tot op de dag van vandaag heeft kunst gefunctioneerd als een bron van solidariteit en bevrijding voor mensen in de LGBTQIA+-gemeenschap. Het maakt niet uit waar ter wereld de artiest of het publiek vandaan komt of met welke obstakels ze als LGBTQIA+-mensen te maken hebben gehad, kunst is de brug voor mensen uit alle lagen van de bevolking om samen te komen. Hier is een glimp van tien buitengewone LGBTQIA+-artiesten die hun kunst gebruiken om contact te maken met hun queer publiek en om hun eigen unieke identiteit te verkennen.

Laten we eerst eens kijken naar vijf overleden artiesten die de weg vrijmaakten voor de LGBTQIA+ artiesten van nu. Ongeacht het sociale of politieke klimaat om hen heen, ze gingen voorbij die obstakels om kunst te maken die hun LGBTQIA+-identiteit en publiek aansprak.

19e-eeuwse LGBTQIA+-artiesten

Simeon Salomon (1840-1905)

Simeon Salomon , via The Simeon Solomon Research Archive

Door sommige geleerden beschouwd als: de vergeten prerafaëlieten , Simeon Solomon was een joodse kunstenaar in Engeland aan het einde van de 19e eeuw. Solomon was een opmerkelijk persoon die ondanks de vele uitdagingen waarmee hij werd geconfronteerd, prachtige kunst bleef produceren die zijn unieke en veelzijdige identiteit zou onderzoeken.

In Sappho en Erinna , een van de beroemdste werken van Salomo, de Griekse dichter Sappho , een legendarische persoon die synoniem is geworden met haar lesbische identiteit, deelt een teder moment met minnaar Erinna. De twee delen expliciet een kus - deze zachte en romantische scène laat niet veel ruimte voor heteroseksuele interpretaties.

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Sappho en Erinna in een tuin in Mytilini door Simeon Solomon , 1864, via Tate, Londen

Sensuele fysieke nabijheid, androgyne figuren en natuurlijke omgevingen zijn allemaal elementen die door de Prerafaëlieten , maar Solomon gebruikte deze esthetische stijl om mensen zoals hij te vertegenwoordigen en om homo-erotisch verlangen en romantiek te onderzoeken. Solomon zou uiteindelijk worden gearresteerd en gevangengezet wegens poging tot sodomie, en op dat moment zou hij worden afgewezen door de artistieke elite, waaronder veel van de prerafaëlitische kunstenaars naar wie hij was gaan opkijken. Jarenlang leefde hij in armoede en sociale ballingschap, maar tot aan zijn dood maakte hij kunstwerken met LGBTQIA+ thema's en figuren.

Violet Oakley (1874-1961)

Violet Oakley schilderij , via het Norman Rockwell Museum, Stockbridge

Als je ooit door de straten hebt gelopen en de historische locaties in de stad Philadelphia, Pennsylvania hebt bezocht, heb je waarschijnlijk oog in oog gestaan ​​met een aantal werken van Violet Oakley . Oakley, geboren in New Jersey en actief in Philadelphia aan het begin van de 20e eeuw, was een schilder, illustrator, muralist en glas-in-loodkunstenaar. Oakley werd geïnspireerd door de Prerafaëlieten en de Kunst- en ambachtsbeweging , het toekennen van haar scala aan vaardigheden.

Oakley kreeg de opdracht om een ​​reeks muurschilderingen te maken voor het Pennsylvania State Capitol-gebouw dat 16 jaar in beslag zou nemen. Het werk van Oakley maakte deel uit van andere opmerkelijke gebouwen in Philadelphia, zoals de Pennsylvania Academy of Fine Arts, de First Presbyterian Church en het Charlton Yarnell House. Het Charlton Yarnell House, of Het huis van wijsheid , zoals het werd genoemd, bevat een glas-in-loodkoepel en muurschilderingen, waaronder: Het kind en de traditie .

Het kind en de traditie door Violet Oakley , 1910-11, via Woodmere Art Museum, Philadelphia

Het kind en de traditie is een perfect voorbeeld van Oakley's vooruit denken perspectief dat in bijna al haar werken aanwezig was. Muurschilderingen met visioenen van een feministische wereld waar mannen en vrouwen gelijkelijk bestaan, en waar een huiselijke scène als deze in een inherent vreemd licht wordt weergegeven. Twee vrouwen voeden het kind op en worden omringd door allegorische en historische figuren die een diverse en vooruitstrevende opvoeding symboliseren.

In het leven van Oakley zou ze hoge eremedailles krijgen, grote opdrachten ontvangen en lesgeven aan de Pennsylvania Academy of Fine Arts, en de eerste vrouw worden die veel van deze dingen deed. Dit alles en meer deed ze met de steun van haar levenspartner, Edith Emerson , een andere kunstenaar en docent aan de PAFA. De erfenis van Oakley is er een die de stad Philadelphia tot op de dag van vandaag definieert.

20e-eeuwse LGBTQIA+-artiesten

Claude Cahun (1894-1954)

Zonder titel (Zelfportret met spiegel) door Claude Cahun en Marcel Moore , 1928, via het San Francisco Museum of Modern Art

Claude Cahun werd geboren in Nantes, Frankrijk, op 25 oktober 1894 als Lucy Renée Mathilde Schwob. Toen ze begin twintig was, zou ze de naam Claude Cahun aannemen, gekozen vanwege zijn genderneutraliteit. In de 19e en begin 20e eeuw , floreerde Frankrijk met mensen die de sociale normen, zoals genderidentiteit en seksualiteit, in twijfel trokken, waardoor mensen als Cahun de ruimte kregen om zichzelf te verkennen.

Cahun deed voornamelijk fotografie, hoewel ze ook acteerde in toneelstukken en verschillende performancekunstwerken. Surrealisme een groot deel van haar werk definieerde. Met behulp van rekwisieten, kostuums en make-up zou Cahun het toneel vormen om portretten te maken die het publiek zouden uitdagen. In bijna alle zelfportretten van Cahun kijkt ze de kijker direct aan, zoals in Zelfportret met spiegel , waar ze een stereotiep vrouwelijk motief van een spiegel neemt en dit evolueert naar een confrontatie over gender en het zelf.

Claude Cahun [links] en Marcel Moore [rechts] bij de lancering van Cahuns boek Aveux non Avenus , via Daily Art Magazine

In de jaren 1920 verhuisde Cahun naar Parijs met Marcel Moore, haar levenspartner en collega-kunstenaar. Het paar zou de rest van hun leven samenwerken in kunst, schrijven en activisme. Tijdens de Tweede Wereldoorlog, toen de Duitsers Frankrijk begonnen te bezetten, verhuisden de twee naar Jersey, waar ze onvermoeibaar tegen de Duitsers vochten door gedichten te schrijven of Brits nieuws over de nazi's te drukken en deze folders op openbare plaatsen te plaatsen zodat nazi-soldaten ze konden lezen.

Beauford Delaney (1901-1979)

Beauford Delaney in zijn atelier , 1967, via New York Times

Beauford Delaney was een Amerikaanse schilder die zijn werk gebruikte om zijn innerlijke strijd rond zijn seksualiteit te begrijpen en ermee om te gaan. Geboren in Knoxville, Tennessee, zou zijn artistieke visie hem in de loop van de jaren naar New York brengen Harlem Renaissance , waar hij bevriend zou raken met andere creatievelingen zoals hij, zoals James Baldwin.

Ik leerde over licht van Beauford, zegt Delaney Baldwin in een interview voor het tijdschrift Overgang in 1965 . Licht en duisternis spelen een grote rol in Delaney's expressionistisch schilderijen, zoals deze Zelfportret uit 1944. Daarin valt meteen de opvallende blik op. Delaney's ogen, een zwarte en een witte, lijken je aandacht te trekken en dwingen je om na te denken over zijn worstelingen en gedachten, en onthullen aan het publiek een transparante en kwetsbare plek.

Zelfportret door Beauford Delaney, 1944 via The Art Institute of Chicago

Delaney gebruikte zijn kunst ook om universele kwesties te bespreken. Hij maakte schilderijen van de belangrijkste burgerrechtenfiguur Rosa Parks, in zijn Rosa Parks-serie. In een vroege schets van een van deze schilderijen zit Parks alleen op een busbank en schrijft naast haar de woorden I will not be ontroerd. Deze krachtige boodschap klinkt door in Delaney's werken en blijft zijn inspirerende nalatenschap vormgeven.

Tove Jansson (1914-2001)

Trove Jansson met een van haar creaties , 1954, via The Guardian

Tove Jansson was een Finse artiest die het meest bekend was om haar Moemin stripboeken, die de avonturen van de Moomin-trollen volgen. Hoewel de strips meer gericht zijn op kinderen, behandelen de verhalen en personages een aantal volwassen thema's, waardoor ze populair zijn bij lezers van alle leeftijden.

Jansson had in haar leven relaties met mannen en vrouwen, maar toen ze een Kerstfeest in 1955 , ontmoette ze de vrouw die haar levenspartner zou zijn, TuulikkiPietila. Pietilä was zelf een grafisch kunstenaar en samen zouden ze de wereld van de Moomins laten groeien en hun werk gebruiken om te praten over hun relatie en de strijd om queer te zijn in een niet zo accepterende wereld.

Moomintroll en Too-ticky in Moominland Winter door Tove Jansson , 1958, via de officiële website van Moomin

Er zijn veel parallellen tussen de karakters van Moominvalley en de mensen in het leven van Jansson. Het personage Moomintroll [links] vertegenwoordigt Tove Jansson zelf, en het personage Too-Ticky [rechts] vertegenwoordigt haar partner Tuulikki.

In het verhaal Moominland Winter , praten de twee personages over het vreemde en ongewone seizoen van de winter, en hoe sommige wezens alleen in deze rustige tijd naar buiten kunnen komen. Op deze manier geeft het verhaal op een slimme manier de universele LGBTQIA+-ervaring weer van in de kast zitten, uit de kast komen en de vrijheid hebben om je identiteit te uiten.

Laten we nu eens kijken naar vijf onbeschaamde kunstenaars die hun kunst tegenwoordig gebruiken om hun waarheden te uiten. U kunt meer ontdekken en zelfs enkele van deze mensen ondersteunen in de onderstaande links.

Hedendaagse LGBTQIA+-artiesten die je moet kennen

Mickalene Thomas (New York, VS)

Geboren in Camden, New Jersey en nu actief in New York, Mickalene Thomas ’ gewaagde collages, muurschilderingen, foto’s en schilderijen tonen zwarte LGBTQIA+-mensen, met name vrouwen, en proberen de vaak blanke/mannelijke/heteroseksuele kunstwereld te herdefiniëren.

Lunch op het gras: de drie zwarte vrouwen door Mickalene Thomas , 2010, via de website van Mickalene Thomas

De samenstelling van De drie zwarte vrouwen komt je misschien bekend voor: Édouard Manet's Lunchen op het gras, of Lunch op het Gras , is een spiegelbeeld van het schilderij van Thomas. Door de geschiedenis heen kunstwerken meenemen die als meesterwerken worden beschouwd en kunst maken die een meer divers publiek aanspreekt, is een trend in de kunst van Thomas.

in een interview met het Seattle Art Museum, zegt Thomas:

Ik keek naar westerse figuren als Manet en Courbet om een ​​soort verbinding te vinden met het lichaam in relatie tot de geschiedenis. Omdat ik het zwarte lichaam niet zag schrijven over kunsthistorisch, in relatie tot het witte lichaam en het discours - het was er niet in de kunstgeschiedenis. En dus vroeg ik me dat af. Ik was gewoon echt bezorgd over die specifieke ruimte en hoe het leeg was. En ik wilde een manier vinden om die ruimte te claimen, om mijn stem en kunstgeschiedenis op één lijn te brengen en dit discours binnen te gaan.

Mickalene Thomas voor haar werk , 2019, via Town and Country Magazine

Thomas neemt onderwerpen zoals het vrouwelijk naakt, een die vaak onder de mannelijke blik staat, en keert ze terug. Door vrienden, familieleden en geliefden te fotograferen en te schilderen, creëert Thomas een echte band met de personen naar wie ze op zoek is voor artistieke inspiratie. De toon van haar werk en de omgeving waarin ze het creëert is er niet een van objectiviteit, maar eerder van bevrijding, viering en gemeenschap.

Zane Muholi (Umlazi, Zuid-Afrika)

Somnyama Ngonyama II, Oslo door Zane Muholi , 2015, via het Seattle Art Museum

Een kunstenaar en activist , gebruikt Muholi intieme fotografie om bevestigende opnamen te maken en eerlijke discussies op gang te brengen over transgender, niet-binaire en intersekse mensen. Of de scène er nu een is van gelach en eenvoud, of een rauw portret van het individu dat zich bezighoudt met expliciete transgender-rituelen zoals binden, deze foto's geven licht aan het leven van deze vaak gewiste en tot zwijgen gebrachte mensen.

Door foto's te zien van trans-, niet-binaire en interseksuele mensen die gewoon zichzelf zijn en alledaagse routines uitvoeren, kunnen mede-LHBTQIA+-kijkers solidariteit en validatie voelen in hun visuele waarheden.

ID-crisis , van Slechts de helft van de foto serie van Zanele Muholi , 2003, via Tate, Londen

ID-crisis laat een persoon zien die zich bezighoudt met het binden, iets waar veel trans- en niet-binaire mensen zich mee kunnen identificeren. Muholi legt dit soort handelingen vaak vast en belicht in deze transparantie de menselijkheid van transgenders aan hun kijkers, ongeacht hoe ze zich identificeren. Muholi creëert in hun werk een eerlijke, waarheidsgetrouwe en respectvolle representatie, en dat soort werk is van cruciaal belang. De kunst van Zanele Muholi is tentoongesteld in grote musea zoals de Tate , de Guggenheim en het Johannesburg Art Museum.

Kjersti Faret (New York, VS)

Kjersti Faret aan het werk in haar atelier , via de website van Cat Coven

Kjersti Faret is een kunstenaar die haar brood verdient door haar kunstwerken op kleding, patches en spelden en papier te verkopen, allemaal met de hand gezeefdrukt. Haar werk is grotendeels geïnspireerd op middeleeuwse manuscripten, Art Nouveau , haar Noorse afkomst, het occulte en vooral haar katten. Met behulp van esthetiek geïnspireerd door kunststromingen uit het verleden, en met een magische draai, creëert Faret scènes van betovering, humor en vaak queer representatie.

Op haar schilderij Geliefden , creëert Faret een grillige sprookjesscène van een harpij lesbische romance. Faret deelt haar mening over het schilderij op haar Instagram-pagina @cat_coven :

Het begon als een experimentele papercut, van alleen de goudbruine harpij. Toen ze bijna klaar was, wilde ik een omgeving creëren om haar in te plaatsen. Ik voelde ook de behoefte om wat homokunst te maken, en zo werd haar minnaar geboren. Ik liet mijn onderbewustzijn me leiden op de reis om de illustratie af te maken. Spontaan maakte ik wezentjes om de wereld te bewonen, om de geliefden op te vrolijken. Ik stel me dit voor als het moment na hun epische liefdesverhaal waar ze eindelijk samen eindigen, dat moment vlak voordat ze elkaar kussen en The End over het scherm krabbelt. Een viering van homoliefde.

Geliefden door Kjersti Faret , 2019, via de website van Kjersti Faret

Vorig jaar organiseerde Faret een mode- en kunstshow in Brooklyn met andere queer-creatievelingen genaamd de Mystieke Menagerie .Handgemaakte kledingstukken en kostuums geïnspireerd op middeleeuwse kunst werden tentoongesteld op de catwalk, en er waren ook stands voor tientallen lokale kunstenaars om hun werk tentoon te stellen en te verkopen. Faret blijft haar updaten kunst winkel regelmatig alles creëren, van de eerste schets tot het grillige pakket dat in je brievenbus aankomt.

Schok McDaniel (Florida, VS)

Schok McDaniel , via de website van Shock McDaniel

Shoog McDaniel is een niet-binaire fotograaf die verbluffende beelden maakt die vetheid herdefiniëren en lichamen van alle maten, identiteiten en kleuren vieren. Door modellen mee te nemen naar verschillende buitenomgevingen, zoals een rotsachtige woestijn, een Florida-moeras of een bloementuin, vindt McDaniel harmonieuze parallellen in het menselijk lichaam en in de natuur. Deze krachtige actie stelt dat vet natuurlijk, uniek en mooi is.

in een interview met Teen Vogue deelt McDaniel hun gedachten over de parallel tussen dikke/queer mensen en de natuur:

Ik probeer eigenlijk aan dit boek te werken over lichamen genaamd Lichamen zoals oceanen ... Het concept is dat onze lichamen enorm en mooi zijn en net als een oceaan gevuld zijn met diversiteit. Het is eigenlijk gewoon een opmerking over wat we elke dag doormaken en de schoonheid die we hebben en die niet wordt gezien. Dat is wat ik ga benadrukken en de delen van de lichamen, ik ga foto's maken van onderaf, ik ga foto's maken van de zijkant, ik ga de striae laten zien.

Aanraken door Shoog McDaniel , via de website van Shock McDaniel

Aanraken , een van de vele foto's van McDaniel met modellen onder water, toont het zwaartekrachtspel van dikke lichamen die van nature in water bewegen. Je kunt de rollen, de zachte huid en het duwen en trekken zien terwijl de modellen zwemmen. McDaniels missie om dikke/queer mensen vast te leggen in natuurlijke omgevingen levert niets minder dan magische kunstwerken op die solidariteit geven aan dikke LGBTQIA+ mensen.

Felix d'Eon (Mexico Stad, Mexico)

Felix d'Eon , via Nailed Magazine

Felix d'Eon is een Mexicaanse kunstenaar die zich toelegt op de kunst van queer love, (van zijn Instagram bio) en echt, zijn werk vertegenwoordigt het brede spectrum van LGBTQIA+-mensen van over de hele wereld. Een stuk is misschien een twee-geest Shoshone persoon , een homoseksueel joods stel, of een groep trans-saters en faunen die dartelen in het bos. Elk schilderij, elke illustratie en elke tekening is uniek en wat je achtergrond, identiteit of seksualiteit ook is, je zult jezelf in zijn werken kunnen terugvinden.

Er is zeker een bewustzijn van kunstgeschiedenis in de kunst van d'Eon. Als hij er bijvoorbeeld voor kiest om een ​​Japans echtpaar uit de 19e eeuw te schilderen, doet hij dat in de stijl van Ukiyo-E houtsnede afdrukken. Hij maakt ook stripverhalen in de stijl van het midden van de eeuw, met homo-superhelden en schurken. Soms neemt hij een historische figuur, misschien een dichter , en maak een stuk op basis van een gedicht dat ze schreven. Een groot facet van het werk van d’Eon is van traditioneel Mexicaans en Azteekse folklore en mythologie, en hij heeft recentelijk een volledig Azteeks tarotspel gemaakt.

De serenade van Felix d'Eon

Felix d'Eon maakt kunst die alle LGBTQIA+-mensen viert en plaatst ze in hedendaagse, historische of mythologische omgevingen. Dit stelt zijn LGBTQIA+-publiek in staat zichzelf te zien in het verhaal van de kunstgeschiedenis. Deze missie is van levensbelang. We moeten de kunst van het verleden onderzoeken en de kunst van het heden herdefiniëren om een ​​eerlijke, inclusieve en accepterende artistieke toekomst te creëren.