Kunstgeschiedenis 101: een stevige wandeling door de kunsttijdperken

Kunstgeschiedenis eenvoudig gemaakt

Peter Macdiarmid/Getty Images

Trek je verstandige schoenen aan terwijl we aan een extreem verkorte rondleiding door de kunst door de eeuwen heen. Het doel van dit stuk is om de hoogtepunten te raken en je de basisprincipes van de verschillende tijdperken in de kunstgeschiedenis te bieden.

Prehistorische tijdperken

30.000-10.000 BCE: paleolithische periode

paleolithicum volkeren waren strikt jager-verzamelaars en het leven was zwaar. De mens maakte een gigantische sprong in het abstracte denken en begon in deze tijd kunst te maken. Onderwerp concentreerde zich op twee dingen: voedsel en de noodzaak om meer mensen te creëren.

10.000-8000 BCE: Mesolithische periode

Het ijs begon zich terug te trekken en het leven werd een beetje gemakkelijker. De Mesolithische periode (die in Noord-Europa langer duurde dan in het Midden-Oosten) zag de schilderkunst uit de grotten en op rotsen bewegen. Ook de schilderkunst werd symbolischer en abstracter.

8000-3000 BCE: Neolithische periode

Snel vooruit naar de Neolithische leeftijd , compleet met landbouw en gedomesticeerde dieren. Nu er meer voedsel was, hadden mensen tijd om handige hulpmiddelen uit te vinden, zoals schrijven en meten. Het meetgedeelte moet de megalietenbouwers van pas zijn gekomen.

Etnografische kunst

Opgemerkt moet worden dat de kunst uit het 'steentijdperk' tot op heden voor een aantal culturen over de hele wereld bleef floreren. 'Etnografisch' is een handige term die hier betekent: 'Niet op de weg van de westerse kunst.'

Oude beschavingen

3500-331 BCE: Mesopotamië

Het 'land tussen de rivieren' zag een verbazingwekkend aantal culturen opstijgen tot - en uit hun macht vallen. De Sumeriërs gaf ons ziggurats, tempels en veel sculpturen van goden. Wat nog belangrijker is, ze verenigden natuurlijke en formele elementen in de kunst. De Akkadiërs introduceerde de overwinningsstele, waarvan de gravures ons voor altijd herinneren aan hun bekwaamheid in de strijd. De Babyloniërs verbeterd op de stele, en gebruikte het om de eerste uniforme wetcode vast te leggen. De Assyriërs ging los met architectuur en beeldhouwkunst, zowel in reliëf als in het rond. Uiteindelijk was het de Perzen die het hele gebied - en zijn kunst - op de kaart hebben gezet, terwijl ze aangrenzende landen veroverden.

3200–1340 vGT: Egypte

Kunst in het oude Egypte was kunst voor de doden. De Egyptenaren bouwden graven, piramides (uitgebreide graven) en de Sfinx (ook een graf) en versierden ze met kleurrijke afbeeldingen van de goden waarvan ze geloofden dat ze in het hiernamaals regeerden.

3000-1100 BCE: Egeïsche kunst

De in Minoïsch cultuur, op Kreta, en de Myceense in Griekenland bracht ons fresco's, open en luchtige architectuur en marmeren idolen.

Klassieke beschavingen

800-323 BCE: Griekenland

De Grieken introduceerden humanistisch onderwijs, wat tot uiting komt in hun kunst. Keramiek, schilderkunst, architectuur en beeldhouwkunst evolueerden tot uitgebreide, zeer bewerkte en gedecoreerde objecten die de grootste schepping van allemaal verheerlijkten: de mens.

Zesde-vijfde eeuw vGT: de Etruskische beschaving

Op het Italiaanse schiereiland omarmden de Etrusken de Bronstijd op een grote manier, het produceren van sculpturen die opmerkelijk zijn omdat ze gestileerd, decoratief en vol impliciete beweging zijn. Ze waren ook enthousiaste producenten van graven en sarcofagen, niet anders dan de Egyptenaren.

509 BCE-337 CE: Rome

Toen ze bekendheid kregen, probeerden de Romeinen eerst uit te roeien Etruskische kunst , gevolgd door talrijke aanvallen op Griekse kunst . De Romeinen leenden vrijelijk van deze twee veroverde culturen en creëerden hun eigen stijl, een stijl die steeds meer stond voor stroom . Architectuur werd monumentaal, sculpturen beeldden hernoemde goden, godinnen en prominente burgers af en in de schilderkunst werd het landschap geïntroduceerd en werden fresco's enorm.

Eerste eeuw - ca. 526: Vroegchristelijke kunst

De vroegchristelijke kunst valt in twee categorieën uiteen: die van de periode van vervolging (tot het jaar 323) en die van Constantijn de Grote erkend christendom: de periode van erkenning. De eerste staat vooral bekend om de constructie van catacomben en draagbare kunst die verborgen kan worden. De tweede periode wordt gekenmerkt door de actieve bouw van kerken, mozaïeken en de opkomst van de boekhandel. Beeldhouwkunst werd gedegradeerd tot werken in reliëf - al het andere zou als 'gesneden beelden' zijn beschouwd.

c. 526–1390: Byzantijnse kunst

Geen abrupte overgang, zoals de data suggereren, de Byzantijnse stijl week geleidelijk af van de vroegchristelijke kunst, net zoals de oosterse kerk verder van de westerse af kwam te staan. Byzantijnse kunst wordt gekenmerkt door meer abstract en symbolisch te zijn en minder bezig te zijn met enige schijn van diepte - of de zwaartekracht - die zichtbaar is in schilderijen of mozaïeken. Architectuur werd behoorlijk ingewikkeld en koepels overheersten.

622-1492: Islamitische kunst

Tot op de dag van vandaag staat islamitische kunst bekend als zeer decoratief. De motieven vertalen zich prachtig van een kelk naar een tapijt naar het Alhambra. De islam heeft een verbod op afgoderij, dus we hebben weinig picturale geschiedenis als resultaat.

375-750: Migratiekunst

Deze jaren waren behoorlijk chaotisch in Europa, omdat barbaarse stammen plaatsen zochten (en zochten en zochten) om zich te vestigen. Er braken regelmatig oorlogen uit en constante etnische verhuizingen waren de norm. Kunst in deze periode was noodzakelijkerwijs klein en draagbaar, meestal in de vorm van decoratieve spelden of armbanden. De schitterende uitzondering op dit 'donkere' tijdperk in de kunst deed zich voor in Ierland, dat het grote geluk had aan een invasie te ontsnappen. Voor een tijdje.

750-900: De Karolingische periode

Karel de Grote bouwde een rijk op dat niet langer standhield dan zijn gekibbel en onbekwame kleinzonen, maar de culturele heropleving die het rijk voortbracht, bleek duurzamer. Kloosters werden kleine steden waar manuscripten massaal werden geproduceerd. Goudsmeden en het gebruik van edelstenen en halfedelstenen waren in zwang.

900-1002: De Ottoonse periode

De Saksisch Koning Otto I besloot dat hij kon slagen waar Karel de Grote faalde. Ook dat lukte niet, maar de Ottoonse kunst, met zijn zware Byzantijnse invloeden, blies de beeldhouwkunst, architectuur en metaalbewerking nieuw leven in.

1000-1150: Romaanse kunst

Voor het eerst in de geschiedenis wordt kunst beschreven met een term ander dan de naam van een cultuur of beschaving. Europa werd steeds meer een samenhangend geheel, bijeengehouden door het christendom en het feodalisme. Door de uitvinding van het tongewelf konden kerken kathedralen worden en beeldhouwkunst werd een integraal onderdeel van de architectuur. Ondertussen ging het schilderen vooral door in verluchte handschriften.

1140-1600: Gotische kunst

'Gothic' werd voor het eerst gebruikt om (denigrerend) de architectuurstijl van dit tijdperk te beschrijven, die lang nadat de beeldhouwkunst en de schilderkunst hun bedrijf hadden verlaten, voortduurde. De gotische boog liet grote, torenhoge kathedralen bouwen, die vervolgens werden versierd met de nieuwe technologie van glas-in-lood. Ook in deze periode beginnen we meer individuele namen van schilders en beeldhouwers te leren - van wie de meesten erop gebrand lijken om alles wat gotisch is achter zich te laten. In feite, beginnend rond 1200, allerlei wilde artistieke innovaties begonnen plaats te vinden in Italië .

1400-1500: 15e-eeuwse Italiaanse kunst

Dit was de Gouden Eeuw van Florence . De machtigste familie, de Medici (bankiers en welwillende dictators), besteedde royaal eindeloze fondsen voor de glorie en verfraaiing van hun Republiek. Kunstenaars stroomden toe voor een deel van de vrijgevigheid en bouwden, beeldhouwden, schilderden en begonnen uiteindelijk actief de 'regels' van de kunst in twijfel te trekken. Kunst werd op haar beurt merkbaar meer geïndividualiseerd.

1495-1527: De hoogrenaissance

Alle erkende meesterwerken uit de forfaitaire term ' Renaissance ' zijn in deze jaren ontstaan. Leonardo, Michelangelo, Raphael en het bedrijf maakten zoiets overtreffend meesterwerken, in feite, die bijna elke artiest, voor altijd daarna, niet eens had proberen om in deze stijl te schilderen. Het goede nieuws was dat, vanwege deze Groten uit de Renaissance , werd kunstenaar zijn nu als acceptabel beschouwd.

1520-1600: maniërisme

Hier hebben we nog een primeur: an abstract term voor een artistiek tijdperk. Renaissance-kunstenaars, na de dood van Raphael, gingen door met het verfijnen van schilderkunst en beeldhouwkunst, maar ze zochten niet naar een nieuwe eigen stijl. In plaats daarvan creëerden ze in de technische manier van hun voorgangers.

1325-1600: De Renaissance in Noord-Europa

Elders in Europa vond wel een renaissance plaats, maar niet in duidelijk omschreven stappen zoals in Italië. Landen en koninkrijken waren druk aan het jockeyen om bekendheid (vechten), en er was die opmerkelijke breuk met de katholieke kerk. Kunst nam een ​​achterbank bij deze andere gebeurtenissen, en stijlen verhuisden van gotisch naar Renaissance naar barok in een soort niet-samenhangende, artiest-voor-artiest basis.

1600-1750: Barokke kunst

Het humanisme, de Renaissance en de Reformatie (onder andere) werkten samen om de Middeleeuwen voor altijd achter zich te laten, en kunst werd geaccepteerd door de massa. Kunstenaars uit de barokperiode introduceerden menselijke emoties, passie en nieuw wetenschappelijk inzicht in hun werken - waarvan vele religieuze thema's behielden, ongeacht welke kerk de kunstenaars dierbaar waren.

1700-1750: Rococo

In wat sommigen een onverstandige zet zouden vinden, veranderde Rococo de barokkunst van 'een lust voor het oog' in regelrechte visuele vraatzucht. Als kunst of architectuur kon worden verguld, verfraaid of anderszins over de 'top' kon worden genomen, voegde Rococo deze elementen woest toe. Als periode was het (gelukkig) kort.

1750-1880: neoclassicisme versus romantiek

In deze tijd waren de zaken zo losgekomen dat twee verschillende stijlen konden wedijveren om dezelfde markt. Het neoclassicisme werd gekenmerkt door een getrouwe studie (en kopie) van de klassieken, gecombineerd met het gebruik van elementen die door de nieuwe wetenschap van de archeologie aan het licht werden gebracht. Romantiek, aan de andere kant, tartte gemakkelijke karakterisering. Het was meer een houding - een aanvaardbaar gemaakt door de Verlichting en het aanbreken van het sociale bewustzijn. Van de twee had de Romantiek vanaf dat moment veel meer invloed op de loop van de kunst.

1830-1870: Realisme

Zich niet bewust van de twee bewegingen hierboven, de Realisten kwam naar voren (eerst zachtjes, toen heel luid) met de overtuiging dat geschiedenis geen betekenis had en kunstenaars niets moesten maken dat ze niet persoonlijk hadden meegemaakt. In een poging om 'dingen' te ervaren raakten ze betrokken bij sociale zaken en, niet verrassend, bevonden ze zich vaak aan de verkeerde kant van het gezag. Realistische kunst maakte zich steeds meer los van vorm en omarmde licht en kleur.

jaren 1860-1880: impressionisme

Waar het realisme afstand nam van vorm, gooide het impressionisme de vorm uit het raam. De impressionisten deden hun naam eer aan (die ze zelf zeker niet verzonnen hadden): Kunst was een impressie, en als zodanig kon ze volledig worden weergegeven door licht en kleur. De wereld was eerst verontwaardigd over hun onbeschaamdheid en accepteerde toen. Met acceptatie kwam het einde van het impressionisme als beweging. Missie volbracht; kunst was nu vrij om zich op elke gewenste manier te verspreiden.

De impressionisten veranderde alles toen hun kunst werd geaccepteerd. Vanaf dat moment hadden kunstenaars vrij spel om te experimenteren. Zelfs als het publiek de resultaten verafschuwde, was het nog steeds kunst en verleende het dus een zeker respect. Bewegingen, scholen en stijlen - in duizelingwekkend aantal - kwamen, gingen, gingen van elkaar afwijken en versmolten soms.

Er is echt geen manier om het eens te worden allemaal van deze entiteiten hier zelfs een korte vermelding, dus we zullen nu slechts enkele van de bekendere namen behandelen.

1885-1920: post-impressionisme

Dit is een handige titel voor wat geen beweging was, maar een groep kunstenaars (voornamelijk Cézanne, Van Gogh, Seurat en Gauguin) die het impressionisme achter zich lieten en andere, afzonderlijke ondernemingen begonnen. Ze behielden het licht en de kleur die het impressionisme bracht, maar probeerden enkele van de andere elementen te plaatsen van kunst—vorm en lijn bijvoorbeeld—terug in kunst.

1890-1939: de fauvisten en het expressionisme

De Fauves ('wilde beesten') waren Franse schilders onder leiding van Matisse en Rouault. De beweging die ze creëerden, met zijn wilde kleuren en afbeeldingen van primitieve objecten en mensen, werd bekend als expressionisme en verspreidde zich met name naar Duitsland.

1905-1939: kubisme en futurisme

In Frankrijk hebben Picasso en Braque uitgevonden Kubisme , waar organische vormen werden afgebroken tot een reeks geometrische vormen. Hun uitvinding zou elementair blijken te zijn voor de Bauhaus in de komende jaren en als inspiratie voor de eerste moderne abstracte sculptuur.

Ondertussen werd in Italië het futurisme gevormd. Wat begon als een literaire beweging, veranderde in een kunststijl die machines en het industriële tijdperk omarmde.

1922-1939: surrealisme

Surrealisme ging helemaal over het blootleggen van de verborgen betekenis van dromen en het uitdrukken van het onderbewuste. Het was geen toeval dat Freud zijn baanbrekende psychoanalytische studies al vóór het ontstaan ​​van deze beweging had gepubliceerd.

1945-heden: abstract expressionisme

De Tweede Wereldoorlog (1939-1945) onderbrak alle nieuwe bewegingen in de kunst, maar in 1945 keerde de kunst terug met een wraak. Ontstaan ​​uit een verscheurde wereld, Abstract expressionisme alles weggegooid - inclusief herkenbare vormen - behalve zelfexpressie en rauwe emotie.

Eind jaren vijftig-heden: pop en op-art

Als reactie tegen het abstract expressionisme verheerlijkte de popart de meest alledaagse aspecten van de Amerikaanse cultuur en noemde ze kunst. Het was plezier kunst wel. En in het 'happening' midden jaren '60, Op (een verkorte term voor optische illusie) Kunst kwam op het toneel, net op tijd om mooi aan te sluiten bij de psychedelische muziek.

1970-heden

De afgelopen jaren is de kunst razendsnel veranderd. We hebben de komst gezien van uitvoerende kunst , conceptuele kunst, digitale kunst en schokkunst, om maar een paar nieuwe aanbiedingen te noemen.

Ideeën in de kunst zullen nooit stoppen met veranderen en vooruitgaan. Maar naarmate we op weg zijn naar een meer mondiale cultuur, zal onze kunst ons altijd herinneren aan ons collectieve en respectieve verleden.