Hoe Ruth Asawa haar ingewikkelde sculpturen maakte

De kunstenaar Ruth Asawa werd geboren in 1926 in Californië. Haar ouders waren immigranten uit Japan die als vrachtwagenboeren werkten. Terwijl ze taken op de boerderij deed, dagdroomde Asawa vaak of tekende ze met haar voeten vormen in het zand terwijl ze op de rug van een door paarden getrokken leveller zat. Het viel de kunstenaar op dat de vormen die ze in haar jeugd tekende, vergelijkbaar waren met de sculpturen die ze jaren later zou maken. Haar werken werden geïnspireerd door de natuur en door de mensen om haar heen die vaak de creatie van haar fascinerende sculpturen ondersteunden. Hier is hoe Asawa ze heeft gemaakt.

Ruth Wife's Beroemdste werken

Ruth Asawa en haar werken, 1954, via The New York Times

Als je omhoog kijkt Ruth Vrouw op internet zijn de eerste foto's die verschijnen van de sculpturen met lusvormige draden van de kunstenaar. Haar werken gemaakt met draad zijn waar de kunstenaar bekend om staat. Aan het begin van haar carrière begon ze met het maken van lusvormige draadsculpturen. Sindsdien zijn ze het onderwerp geweest van verschillende tentoonstellingen. Ondanks het feit dat sommige mensen uit de kunstwereld de sculpturen in eerste instantie niet accepteerden, werden Asawa's werken steeds populairder nadat ze op de cover van beroemde tijdschriften zoals Mode in 1953.

Een van de redenen voor deze aanvankelijke afkeuring was dat haar sculpturen te veel op handwerk dat was, en tot op zekere hoogte nog steeds, niet beschouwd als beeldende kunst. Asawa had geen last van de vergelijking en gezegd : Of het nu een ambacht is of dat het kunst is. Dat is een definitie die mensen aan dingen geven.

Ruth Asawa werkt aan een van haar sculpturen met lusdraad, 1957, via The New York Times Style Magazine

De vergelijking van haar werk met ambachten is heel passend gezien de oorsprong van de lusvormige draadsculptuur. Tijdens een reis naar Mexico in 1947 raakte Ruth Asawa gefascineerd door geweven manden die ze ontdekte. Ze werden gebruikt om eieren te dragen in Toluca, Mexico, maar Asawa wilde de kwaliteiten van de mand in haar werk opnemen. Ze leerde de techniek van lokale ambachtslieden en verwerkte deze later in het maken van haar sculpturen. Asawa gebruikte betaalbare en gemakkelijk toegankelijke materialen om haar sculpturen te maken. Haar materiaalgebruik werd waarschijnlijk beïnvloed door de lessen die ze volgde bij Black Mountain College . Haar leraar en bekende artiest Josef Albers moedigde zijn studenten aan om alledaagse materialen te gebruiken om iets te creëren dat een nieuwe en andere ervaring biedt. Om de lusvormige draadsculpturen te maken, verbond Asawa handmatig de draden van materialen zoals messing, koper, aluminium, staal of ijzer.

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Sneeuwvlokken, bomen of struiken: de creatie van de sculpturen met gebonden draad

Zonder titel (S. 145) door Ruth Asawa, ca. 1968, via de website van Ruth Wife

Het verhaal van Asawa's met draad gebonden sculpturen is afkomstig van een woestijnplant uit de Death Valley die de kunstenaar in 1962 van een vriend kreeg. Haar vriend zei dat ze het moest tekenen, maar Asawa had moeite met de taak omdat de plant zo verward was. Om het te tekenen, construeerde de kunstenaar het met draad. Na het modelleren van de vorm van de woestijnplant, kwam Asawa op het idee om haar eerste draadgebonden sculpturen te maken.

Foto van Ruth Asawa door Imogen Cunningham, 1963, via Modern Art Oxford

Terwijl de platte sculpturen eruitzien als sneeuwvlokken of geometrisch geconstrueerde bloemen, doen de hangende en staande werken denken aan bomen of struiken. Om ze te maken, verdeelde Asawa een middensteel van 200 tot 1000 metaaldraden in bundels die ze vervolgens meerdere keren onderverdeelde in dunne en natuurlijk ogende takken. Met het middelste deel van het beeld dat het dikst lijkt en de draden aan de buitenkant steeds delicater worden, lijken de stukken een zeer realistische weergave van planten zoals bonsaibomen of tumbleweeds.

Zonder titel (S.058) door Ruth Asawa, 1962, via de website van Ruth Asawa

Asawa gebruikte verschillende metaaldraden voor haar vastgebonden draadstukken, zoals koper, staal, brons en ijzer. Haar zoon Paul Lanier zei dat om haar materialen te verwerven, Vrouw zouden naar deze donkere, stoffige pakhuizen gaan waar ze draad verkochten, niets anders dan draad. Het idee om alledaagse materialen te gebruiken die Asawa van Josef Albers heeft geleerd, komt ook naar voren in een van haar staande stukken draad. De natuurlijk geoxideerde koperdraadsculptuur Zonder titel (S. 058) is gemonteerd op een basis van drijfhout.

Unieke kleur en textuur: de gegalvaniseerde sculpturen van Ruth Asawa

Zonder titel (S.059) door Ruth Asawa, ca. 1963, via de website van Ruth Wife

Asawa's gegalvaniseerde sculpturen tonen de innovatieve en experimentele geest van haar werk. De koraalachtige stukken die eruitzien alsof ze rechtstreeks van de zeebodem komen, hebben een interessant achtergrondverhaal. De kunstenaar was op zoek naar een manier om haar sculpturen schoon te maken, omdat ze begonnen te bezoedelen en te oxideren. Ze nam contact op met verschillende industriële platingbedrijven in San Francisco, maar slechts één bedrijf accepteerde de opdracht, of zoals Asawa het uitdrukte, ze kreeg medelijden met me en was bereid nieuwe dingen te proberen . Samen probeerden ze verschillende methoden om haar werk schoon te maken en te bedekken met mannelijk . Op een dag, toen Asawa bij het galvaniseerbedrijf was, zag ze koperen staven in een galvaniseertank die een korst had gevormd op het oppervlak. De kunstenaar hield van de grove textuur en de groene kleur die het metaal bedekte.

Zonder titel (S.022) door Ruth Asawa, ca. 1965, via de website van Ruth Wife

Asawa was zo onder de indruk van het unieke uiterlijk van de koperen staven dat ze iemand van het bedrijf vroeg om de textuur voor haar sculpturen met gebonden draad opnieuw te creëren. Ze probeerden verschillende dingen en vonden uiteindelijk een oplossing door het galvanisatieproces om te keren. Galvaniseren wordt meestal gebruikt om een ​​laag met metaal te maken. Om haar gegalvaniseerde werken te maken, zou Asawa een sculptuur van koperdraad maken. Daarna werd het stuk in een chemische tank gedaan waar het enkele maanden zou blijven totdat het zijn kenmerkende textuur en kleur kreeg.

The Fountain Lady: Andrea

Ruth Asawa met haar dochter Aiko en haar vriendin Mae Lee voor Andrea, 1968, via de website van Ruth Asawa

De fontein met de titel Andrea op Ghirardelli Square beeldt een eigenaardig tafereel uit: een zeemeermin die een baby voedt die ook een halve vis lijkt te zijn. Het beeld is gebaseerd op de vriend van de kunstenaar, Andrea. Asawa tekende haar vlak nadat ze een baby had gekregen en nog steeds borstvoeding gaf. Aanvankelijk maakte Asawa een afgietsel van gips. Daarna bedekte ze het model met was en voor de laatste stap, de beeldhouwwerk werd in brons gegoten. Het gietproces werd gedaan door een gieterij in het industriële gedeelte van San Francisco. Asawa's dochter Aiko Cuneo zei dat als haar moeder niet wist hoe ze iets moest doen, ze gewoon op zoek was naar mensen die de vaardigheid hadden en haar konden leren. Terwijl Asawa aan de fontein werkte, leerde ze niet alleen veel over het gietproces, maar raakte ze ook bevriend met de mensen die bij de gieterij werkten.

De gegoten sculpturen

Zonder titel (S.130) door Ruth Asawa, 1996, via The Washington Post

Tijdens haar werk aan de fontein Andrea , Asawa experimenteerde met gegoten vormen. Toen ze de staart van de zeemeermin moest maken, maakte ze de vorm van draad, doopte het stuk in was en goot het daarna in brons. De sculpturen vertonen allemaal de organische vormen waar het werk van Asawa om bekend staat. Ze ooit gezegd : Ik ben gefascineerd door de mogelijkheden om koud metaal om te zetten in vormen die levende organische vormen nabootsen. De kunstenaar gebruikte niet alleen draad om haar gegoten sculpturen te maken, maar ook papier, bakkersklei en persimmonstelen.

Geïnspireerd door de kunst van het vouwen van papier: de origami-fonteinen

Origami-fonteinen door Ruth Asawa, 1975-1976, via SFGATE

De Origami-fonteinen bestaan ​​uit twee bronzen fonteinen in Japantown, San Francisco. Hoewel de sculpturen van brons zijn, zijn ze geïnspireerd op de Japans papier-vouwtechniek origami. Origami was een belangrijk onderdeel van Asawa's leven en werk. Haar betrokkenheid bij de kunstvorm begon toen ze een kind was en origami studeerde aan de Japanse culturele school. Later leerde Asawa de techniek zelf aan schoolkinderen.

Voordat het beeld in staal werd gelast en in brons werd gegoten, modelleerde Asawa het beeld uit papier met de hulp van haar dochters Aiko en Addie. Door papier voor het model te gebruiken, eerde Asawa het materiaal van een kunstvorm die ze tijdens haar leven bewonderde en zelfs anderen leerde. Een van die mensen is Lilli Lanier, de kleindochter van Asawa. De fonteinen hebben voor haar een speciale betekenis. Lanier en Asawa deelden een liefde voor origami en als ze naar de origamiwinkel in Japantown gingen, zagen ze altijd de fonteinen op weg naar binnen.

Ruth Wife's St. Francis Fountain

Foto van de San Francisco-fontein van Ruth Wife door Laurence Cuneo, 1970-1973, via de website van Ruth Wife

Het maken van Asawa's San Francisco-fontein veel mensen bij betrokken. Ze werkte aan het stuk met vrienden, familie en studenten van de Alvarado Elementary School. Asawa zette een kunstprogramma op de school op en de studenten maakten enkele figuren voor de Fontein. De toewijding van de kunstenaar aan kunstactivisme op openbare scholen houdt rechtstreeks verband met het materiaal dat werd gebruikt om de fontein te maken. Asawa vaak gemaakt bakkersklei voor haar schoolkinderen omdat het gemakkelijk te maken, betaalbaar en niet giftig is. Het bestaat uit meel, zout en water en werd door Asawa gebruikt om de fontein te modelleren. Daarna is het beeld in brons gegoten. Ondanks dat de voltooide fontein uit brons bestaat, heeft Asawa geprobeerd de kwaliteiten van het deeg in het uiteindelijke beeld te behouden om het voor iedereen toegankelijk te maken.