Hoe het zelfportret van Albrecht Dürer de kunstwereld schokte

Drie zelfportretten van Albrecht Dürer

Het is moeilijk om te weten wat de bedoelingen van een kunstenaar waren toen ze hun werken maakten. Meestal verlaten kunstenaars het publiek niet met een schriftelijke verklaring van wat hun werk bedoeld heeft. Het wordt vervolgens overgelaten aan kunsthistorici en kunstcritici om het mysterie op te lossen. In het geval van Albrecht Dürer , er is veel discussie geweest over de exacte bedoeling van de kunstenaar met zijn illustere Zelfportret uit 1500. Veel speculaties beschuldigen Dürer van een opstandige daad van overmoed. We weten zeker dat Albrecht Dürer een uiterst bekwaam schilder was en zijn Zelfportret ziet er erg bekend uit.

Het vroege leven en de prenten van Albrecht Dürer

Zelfportret door Albrecht Dürer , 1498, via Prado Museum, Madrid

Albrecht Dürer werd geboren in 1471 in de Duitse stad Neurenberg. Vanaf zijn elfde jaar werkte Albrecht als leerling bij zijn vader, een goudsmid, die hem de onschatbare vaardigheden van tekenen en schilderen bijbracht. prentkunst dat zou later cruciaal blijken voor zijn carrière als kunstenaar. Albrechts talent en roem op jonge leeftijd was ook het product van veel geluk. De steun van zijn peetvader, Anton Koberger , een van de meest succesvolle uitgevers van die tijd in Duitsland, betekende zijn onmiddellijke en gemakkelijke bekendheid als schrijver en graficus. Bovendien was de training van Dürer niets minder dan buitengewoon. Zijn driejarige leertijd op 15-jarige leeftijd bij Neurenbergs toonaangevende schilder en graficus Michael Wolgemut , liet hem kennismaken met de kunst van het houtsneden , het medium waarin hij later zou uitblinken.

Natuurlijk katapulteerde al dit geluk en deskundig onderwijs de jonge Albrecht tot onmiddellijk artistiek succes. Na een aantal uitgebreide reizen naar enkele van de culturele hoofdsteden van de wereld, begon Dürer zijn ambacht echt aan te scherpen. Met name zijn reis naar Italië en Nederland rond het begin van de jaren 1490 liet de kunstenaar kennismaken met opwindende innovaties en nieuwe vormen van artistieke expressie die van invloed waren op zijn creatieve praktijk. In 1494, toen Albrecht Dürer triomfantelijk terugkeerde naar Neurenberg om zich te settelen met zijn nieuwe bruid Agnes Frey, deed hij dat als een nieuwe onafhankelijke graficus en beroemde schilder.

Young Albrecht, de gevestigde artiest

De vier ruiters, uit De Apocalyps door Albrecht Dürer , 1498, via het Metropolitan Museum of Art, New York

De terugkeer naar Neurenberg markeerde ook de opening van de eigen werkplaats van Albrecht Dürer, waar hij zich toelegde op de productie van houtsnedes. Over het algemeen wordt gedacht dat Dürer zich meer op prenten richtte dan op olieverfschilderijen, omdat prentkunst was aanzienlijk gemakkelijker te produceren en veel lucratiever. Door deze praktijk kon Dürer zijn naam als een uitzonderlijke kunstenaar over het hele continent verstevigen, omdat zijn prenten van veel superieur vakmanschap waren dan alle andere die in Duitsland circuleerden. Bovendien konden prenten wijdverbreid circuleren, in tegenstelling tot olieverfschilderijen.

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Zoals Dürer heel goed wist, zijn schilderijen eenmalig: in de meeste gevallen zijn ze bedoeld om door één persoon te worden verkocht en bewonderd. Zelfs in het onwaarschijnlijke geval van reproductie, zou het uiteindelijke stuk altijd op zijn minst iets anders zijn; maar nogmaals, geen enkele opdrachtgever gaf opdracht voor hetzelfde werk als een andere. Met prints waren de mogelijkheden voor reproductie en distributie veel eenvoudiger. Daarom werd Dürer natuurlijk aangetrokken door de productie en handelswaar van zijn uitzonderlijke prenten. Het bleek een uiterst winstgevende beslissing te zijn, aangezien hij regelmatig opdrachten ontving en zelfs projecten voltooide voor de Heilige Roomse keizer Maximiliaan I.

De godslasterlijke kunstenaar

Paumgartner Altaar: Geboorte van Christus door Albrecht Dürer , rond 1500, via Alte Pinakothek, München

Dat gezegd hebbende, heeft Albrecht de schilderkunst niet helemaal opgegeven. Integendeel, diep beïnvloed door de verschillende artistieke innovaties die hij tijdens zijn reizen tegenkwam, begon Albrecht Dürer te experimenteren met verschillende compositorische elementen; kleur, lichaamshouding, belichting en penseelstreken. Deze compositie-experimenten leidden tot de uitgave van een kleine serie zelfportretten die begon in 1493 en eindigde met zijn laatste aflevering van de baanbrekend Zelfportret in 1500 . In dit stuk lijkt Dürer zichzelf te presenteren in een zeer vertrouwd patroon, dat gewoonlijk wordt herkend in de religieuze iconografie.

Vier apostelen: St. Johannes Ev. en Peter door Albrecht Dürer , 1526, via Alte Pinakothek, München

De artistieke bekwaamheid en religieuze elementen van de 1500 Zelfportret zijn onmiskenbaar. En toch wordt het stuk van Dürer historisch erkend als iets minder dan vroom. Wat zeer interessant is, is dat het werk relatief weinig aandacht trok ten tijde van de eerste release van het portret. Verrassend genoeg werden Dürer en zijn portret driehonderd jaar later als godslasterlijk bestempeld. Wat zou er in die tijd veranderd kunnen zijn? Vooral de interpretatie ervan.

Onder de loep

Zelfportret in een bontrok van Albrecht Dürer , 1500, via Alte Pinakothek, München

Veel, zo niet de meeste interpretaties die we hebben over kunstwerken komen tot ons uit het veld van de kunstgeschiedenis en kunstkritiek. Deze disciplines ontstonden over het algemeen in de tweede helft van de 18e eeuw en werden in de 19e en 20e eeuw in het publieke debat als academische velden verankerd. Het begrijpen van dit concept is cruciaal omdat observatie de eerste orde van zaken is voor elke toekomstige kunsthistoricus of criticus, ongeacht hun historische context.

Toen kunsthistorici naar de 1500 . van Albrecht Dürer keken Zelfportret , ze zagen allemaal een pastiche van een laat-noordelijke middeleeuwse afbeelding van Jezus Christus . Meer specifiek is te zien dat Dürer rechtstreeks uit het canvas naar de kijker kijkt, in een naar voren gerichte positie, vanaf de taille en in perfecte symmetrie met het canvas. Daarnaast draagt ​​hij zijn haar lang en licht gekruld in een goudbruine kleur, een tint die afwijkt van zijn eigen natuurlijke pigment. Zijn rechterhand is gekruld in een intrigerend gebaar terwijl zijn linker zijn bontjas vasthoudt. Ten slotte draagt ​​de gouden inscriptie die de effen achtergrond siert een unieke boodschap: ik, Albrecht Dürer van Neurenberg, heb op mijn 28e een afbeelding van mezelf gemaakt in passende (eeuwige) kleuren.

De navolging van Christus

Details van Zelfportret in een bontrok door Albrecht Dürer, 1500, via de Pinakothek, München

Al deze compositorische elementen verwijzen opzettelijk naar het beeld van de Heiland. Er is geen discussie over het feit dat Dürer zijn portret schilderde in een van de meest herkenbare stilistische tradities die voorbehouden zijn aan de figuur van Jezus Christus. Deze stilistische traditie wordt aangeduid als Christus Pantokrator en wordt beschouwd als een van de meest herkenbare artistieke stijlen in de christelijke iconografie. Deze methode van religieuze beelden was vrij wijdverbreid in de Middeleeuwen en is in veel fresco's en mozaïeken evenals in de meeste voorstellingen van Christus in het Grieks en Oosters-orthodoxe christelijke traditie .

In de tijd van Dürer werd aangenomen dat er een geschreven ooggetuigenverslag was van de figuur van Christus. Zoals verwacht heeft Dürer zichzelf gestyled naar de afbeelding in het verslag, waarbij hij bijvoorbeeld de tint van zijn blonde haar heeft veranderd in de kleur van rijpe hazelnoot. In wezen wist Albrecht Dürer precies wat hij deed.

Interpretaties van de Zelfportret

Salvator Mundi door Leonardo da Vinci , circa 1500, via Christie's, New York; met Christus Pantocrator uit het klooster van St. Catherine op de berg Sinaï, circa midden 6e eeuw

De vraag blijft waarom Albrecht Dürer zichzelf willens en wetens zou afbeelden op een manier die exclusief is voorbehouden aan een religieuze figuur. Het publiek zou zo'n stap zeker zien als een arrogante daad van regelrechte overmoed. Een voorbeeld als dit is waar de interpretatie van artistieke bedoelingen door de eeuwen heen varieert. Zoals besproken, was er ten tijde van de release van het portret weinig commotie, vooral omdat schilderijen meestal in opdracht werden gemaakt. Dit veronderstelt dat Dürer zijn portret schilderde als een vorm van oefening voor persoonlijk gewin en om de artistieke innovaties van zijn tijd verder te verkennen. De meeste tijdgenoten van Dürer zouden het werk van Albrecht hebben beschouwd als de oefening van een vrome man, die een beeld creëerde in de veel voorkomende traditie van de 'Navolging van Christus': de religieuze praktijk van het volgen in de voetstappen van Christus.

Toen echter kunsthistorici uit het begin van de 19e eeuw, zoals Moritz Thausing , het stuk analyseerde, ontdekte hij dat in plaats van dat Dürer het beeld van Christus imiteerde, elke afbeelding van Christus na Dürer werd gekopieerd van zijn eigen beeld. Dit betekent dat Dürer's Zelfportret was in die tijd zo goed beschouwd en invloedrijk dat het de blauwdruk werd voor alle volgende afbeeldingen van religieuze figuren. Dit was een verbazingwekkende prestatie. Toen het publiek van de christelijke opwekkingsbeweging aan het eind van de 19e en het begin van de 20e eeuw het stuk echter opnieuw beoordeelde, merkten ze dat het aanzienlijk ontbrak. De beroemde kunsthistoricus Erwin Panofsky bestempelde het zelfs als godslasterlijk.

Albrecht Dürer, de grote kunstenaar

Zelfportret, studie van een hand en een kussen door Albrecht Dürer, 1493, via het Metropolitan Museum of Art, New York

We zullen nooit weten of de 19e- en 20e-eeuwse kunsthistorici accuraat waren, aangezien hun werk grotendeels speculatief blijft. Op basis van enkele bekende feiten over het leven van Albrecht Dürer en de compositorische elementen van het schilderij, kunnen we echter proberen een weloverwogen schatting te maken. Het overkoepelende verhaal dat we kunnen putten uit de 1500 Zelfportret is het portret van een zelfverzekerde kunstenaar. Zoals Dürer zelf zegt, voltooide hij het stuk voordat hij de leeftijd van 29 bereikte en al vele jaren als een gerespecteerd kunstenaar in zijn thuisland en andere artistieke hubs in heel Europa werkte. Het is ook een veilige veronderstelling dat er een speciaal soort talent voor nodig is om een ​​hele stilistische traditie te beïnvloeden, zoals Dürer en zijn portret hadden.

Wat kan worden geleerd van het stuk van Dürer, is de macht die de kunstgeschiedenis uitoefent op het verhaal van een kunstwerk en de acceptatie ervan door het publiek. Ondanks het al dan niet bestaan ​​van enig symbolisch element of poging om religieuze overtuigingen en iconografie te ondermijnen, heeft Albrecht Dürer's Zelfportret is een stuk van onbetwiste artistieke bekwaamheid en superieure compositorische schoonheid.