5 Verrassend beroemde en unieke kunstwerken aller tijden

Mijn bed door Tracey Emin, 1998; met Lobster Telephone door Salvador Dalí, 1938

Door de geschiedenis heen heeft de kunstwereld talloze veranderingen ondergaan, zowel in algemene artistieke bewegingen als in de definitie van kunst zelf. Kunstenaars van over de hele wereld hebben vooroordelen over wat kunst kan zijn ter discussie gesteld; huishoudelijke voorwerpen, gereedschap en zelfs dode dieren bij recente tentoonstellingen. Van Salvador Dali tot Marcel Duchamp, hier zijn 5 unieke kunstwerken die de mal hebben gebroken voor wat kunst kan zijn.

Hier zijn de top 5 unieke kunstwerken aller tijden

1. Song Dong's 'Waste Not' (2005)

Afval niet-tentoonstelling door Song Dong , 2009, via MoMA, New York

Meer dan tienduizend objecten vullen de kamer. De kunst installatie bevat alles wat je in een gemiddeld huis zou verwachten: schoenen, potten en pannen, bedframes, stoelen, parasols en televisies om er maar een paar te noemen. Dat komt omdat dit unieke kunstwerk letterlijk alle bezittingen heeft van het huis van een gemiddeld persoon. En wie was de persoon? De moeder van de kunstenaar. 'Waste Not', gemaakt door een Chinese conceptuele kunstenaar, is een hoarder-achtige verzameling bezittingen die zijn moeder gedurende vijf decennia heeft verworven. Sommige items kunnen zelfs worden omschreven als afval, plastic zakken, stukjes zeep, lege waterflessen en tandpastatubes, allemaal inbegrepen, terwijl andere zeer persoonlijke en sentimentele voorwerpen zijn, zoals de frame van het huis waarin de kunstenaar is geboren.

Dit unieke kunstwerk, gemaakt in 2005, was een samenwerking tussen de kunstenaar, Song Dong, en zijn moeder, Zhao Xiangyuan, bedoeld om het verdriet te verwerken waarmee ze werden geconfronteerd na het overlijden van Dong's vader. Na de dood van haar man werd Zhao's neiging om spullen te bewaren in naam van soberheid al snel een obsessie voor hamsteren. Haar huis was tot de nok toe gevuld met deze voorwerpen, waarvan de meeste helemaal niet bruikbaar waren.

Details van Waste Not by Song Dong , 2005, via openbare bezorging

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Toen haar zoon haar acties in twijfel trok, ze antwoordde ,,Als ik de kamer vul, doen de dingen me denken aan je vader. De items worden gesorteerd, soortgelijke objecten gegroepeerd en minutieus op stapels gestapeld. De installatie is verbazingwekkend, de enorme collectie even mooi als groot. De visuele verbazing van het stuk wordt alleen overtroffen door de wetenschap dat elk item door Zhao is gekocht en bewaard.

Een van de meest persoonlijke onderdelen van de collectie was de waszeep die Zhao als huwelijksgeschenk aan haar zoon schonk. Toen Song Dong zijn moeder vertelde dat hij de zeep niet nodig had omdat hij een wasmachine gebruikt, ze besloot ze namens hem te redden , een gebaar dat Dong liet zien dat het voor haar veel meer was dan zeep. Elk object brengt een complexe reeks emoties en betekenissen met zich mee, die allemaal terug te voeren zijn op één enkele persoon.

Zhao overleed in 2009, vier jaar na de voltooiing van het kunstwerk. Zelfs na haar dood houdt het stuk haar verdriet, pijn, zorg en liefde vast. Het wordt momenteel tentoongesteld in New York City in het Museum of Modern Art.

2. 'Lobster Telephone' van Salvador Dali en Edward James (1938)

Kreefttelefoon door Salvador Dalí, 1938, via Tate, Londen

‘Lobster Telephone’ is precies hoe het klinkt: een zwarte draaitelefoon met een kreeft als hoorn. Dit unieke kunstwerk, gemaakt in 1938, is volledig gemaakt van staal, gips, rubber, papier en hars; een klassieke weergave van Salvador Dalí's surrealisme . Het unieke kunstwerk is gemaakt voor Edward James, een Engelse kunstverzamelaar en dichter. De telefoon was volledig functioneel , de staart gemaakt om perfect over de ontvanger te passen.

Kreeften en telefoons waren geen ongebruikelijke motieven in Salvador Dalí's werk. Een telefoon verschijnt in een schilderij dat hij in hetzelfde jaar maakte met de titel 'Mountain Lake', en kreeften werden gebruikt in een multimedia-stuk genaamd 'The Dream of Venus'. De twee werden samen afgebeeld in een tekening die Salvador Dalí in 1935 in het tijdschrift 'American Weekly' publiceerde. De tekening toonde een man die met afschuw vervuld werd toen hij met een kreeft in de hand naar de telefoon reikte, een idee dat in Salvador leek te zijn gebleven Dalí's geest voor jaren daarna.

Er zijn veel versies van het object gemaakt, sommige met kreeften wit geverfd en andere kreeften rood geverfd. In sommige tentoonstellingen van het concept eind jaren dertig werd een levende kreeft gebruikt. Salvador Dalí leek associëren kreeften met erotiek , vormde ze over vrouwelijke geslachtsdelen in 'The Dream of Venus' en betitelde de weergave vande levende kreeftententoonstelling ‘Aphrodisiac Telephone’. Het unieke kunstwerk is nu te zien in de Scottish National Gallery of Modern Art in Edinburgh.

3. Tracey Emin's 'Mijn bed' (1998)

Mijn bed door Tracey Emin , 1998, via Tate, Londen

Een rommelig bed met lakens aan het eind. Papieren borden, tissues, vuile kleding, pakjes sigaretten en flessen wodka ernaast. Voor sommigen is dit misschien een al te bekende scène, maar in 1998 toonde een kunstenaar het als een uniek kunstwerk. Tracey Emin is een Britse kunstenares geboren in 1963, bekend om haar diep persoonlijke, bijna bekentenisvolle werk, waarbij ze verschillende media gebruikt om haar boodschap te delen.

De kunstenaar kwam op het idee voor dit unieke kunstwerk terwijl ze in haar bed zat na een slechte relatiebreuk , zich realiserend wat een pijnlijk beeld, net zoiets basaals als haar bed dat van haar leven is geschilderd. Hoewel sommige critici en kunstliefhebbers Emin hebben geprezen om haar kwetsbaarheid, ontving ze veel terugslag voor 'Mijn bed', sommigen beweren dat het egocentrisch, walgelijk, of zelfs dat het geen echte kunst was. Ondanks de harde kritiek, riepen enkelen Emin en haar werk uit als gedurfd feministe, en beweerden dat het stuk een licht werpt op de pijnlijke waarheid die wordt vastgehouden in de slaapkamers van miljoenen vrouwen over de hele wereld.

Emin wat? gediagnosticeerd met kanker in het voorjaar van 2020 en in de zomer talloze operaties en behandelingen ondergaan. Zelfs terwijl ze haar ziekte bestrijdt, blijft Emin brutaal eerlijk door haar kunst, ze heeft tijdens haar carrière onderwerpen als trauma, verkrachting en abortus besproken, en houdt vol dat haar beste werk nog steeds onderweg is.

4. Marcel Duchamps In Advance of The Broken Arm' (1964)

Vooruitlopend op de gebroken arm door Marcel Duchamp, 1964 (vierde versie), via MoMA, New York

Een sneeuwschop, samengesteld uit alleen hout en ijzer, hangt aan het plafond. Ja dat klopt. Marcel Duchamp creëerde 'In Advance of The Broken Arm' in een reeks unieke kunstwerken van alledaagse, praktische objecten. Met een aantal van zijn werken daagde Duchamp het idee uit dat kunstenaars een ongelooflijke vaardigheid moeten hebben of dat kunstwerken zelfs rechtstreeks door de kunstenaar moeten worden gemaakt. Marcel Duchamp benadrukte de intentie achter kunst, de handeling van het in de schijnwerpers zetten van een item, het aanduiden als kunst en het voor iedereen zichtbaar maken. Deze houding wordt weerspiegeld in veel populaire, unieke kunstwerken uit die tijd, zoals die van Andy Warhol 'Campbell's soepblikken' , een beroemde serie van 32 schilderijen met afbeeldingen van dagelijkse soep kan etiketten. Stukken zoals Warhol's geef het publiek geen andere keuze dan zich af te vragen over de innerlijke werking van de geest van de kunstenaar, en de sneeuwschop van Duchamp is niet anders.

Installatieweergave van Readymade in Parijs en New York , 2019, via MoMA, New York

Marcel Duchamp vocht ook tegen het idee dat schoonheid een noodzakelijk kenmerk van kunst was, waardoor veel gangbare ideeën over de definitie van kunst werden ondermijnd. Een gewoon object, legde Duchamp uit, zou door de loutere keuze van de kunstenaar tot de waardigheid van een kunstwerk kunnen worden verheven. In de eerste versie van het stuk dat in 1915 werd gemaakt, nam Marcel Duchamp de zin From Duchamp aan het einde van de titel op, wat suggereert dat het kunstwerk niet is gemaakt door hem, maar een concept dat kwam van hem.

De titel van het unieke kunstwerk verwijst komisch naar het gebruik van de sneeuwschop, wat impliceert dat iemand zonder het gereedschap zou kunnen vallen en zijn arm zou breken terwijl hij probeerde de sneeuw te verwijderen. Unieke kunstwerken zoals die van Marcel Duchamp hebben een onmiskenbare invloed gehad op de evolutie van de kunst en haar vele stromingen. Inspiraties van Marcel Duchamp en soortgelijke kunstenaars zijn nog steeds te zien in de kunst die vandaag de dag wordt gemaakt, meer dan vijftig jaar na de creatie van 'In Advance of The Broken Arm. Het stuk maakt momenteel deel uit van de collectie van het Museum of Modern Art.

5. Damien Hirst's 'De fysieke onmogelijkheid van de dood in de geest van iemand die leeft' (1991)

De fysieke onmogelijkheid van de dood in de geest van iemand die leeft door Damien Hirst , 1991, via de officiële website van Damien Hirst

Met alleen glas, staal, formaldehyde, siliconen en een beetje monofilament, Engelse kunstenaar Damien Hirst bewaarde een dode tijgerhaai in een witte doos en stelde deze tentoon als kunst. Het dier wordt opgehangen in een blauwachtige formaldehyde-oplossing, omlijst door wit staal, met kolommen aan elke kant die de doos in drieën verdelen. De dertien voet haai staart recht voor zich uit, zijn tanden ontbloot, klaar om aan te vallen. De tank is ruim twee meter hoog en weegt in totaal drieëntwintig ton.

Oorspronkelijk getoond in de eerste van Saatchi Gallery's ' Jonge Britse artiest ’ tentoonstellingen in Londen trok het beeld veel aandacht van de pers en verlegde het de grenzen van de hedendaagse kunst. Hirst wilde meer dan afbeeldingen van haaien, Ik wilde niet alleen een lichtbak, of een schilderij van een haai, verduidelijkte hij en zei dat hij iets echts wilde om je bang te maken. Door de kijker midden in hun rustige galerijwandeling kennis te laten maken met zo'n alarmerend schouwspel, dwong Hirst zijn publiek het onvermijdelijke onder ogen te zien. Je probeert de dood te vermijden, maar het is zo belangrijk dat je dat niet kunt. Dat is het beangstigende niet? zei de kunstenaar. De dood is een veelvoorkomend thema in het werk van Hirst, een aantal dode dieren, waaronder: schaap en koeien weergegeven in andere stukken van hem.

De fysieke onmogelijkheid van de dood in de geest van iemand die leeft door Damien Hirst , 1991, via de officiële website van Damien Hirst

Zelfs met een haai direct voor de kijker, zijn kaken perfect gepositioneerd als voorbereiding om te bijten, het volledig begrijpen van de dood en zijn duurzaamheid blijft een uitdaging. De realiteit van een dier dat het leven van mensen bedreigt, een dier dat zelf dood is, met de wetenschap dat de haai ooit heeft geleefd en dat hij bijna perfect bewaard is gebleven, dwingt ons om onze eigen sterfelijkheid onder ogen te zien. Of het stuk die taak niet met succes volbrengt, staat echter ter discussie.

T hij New York Times schreef in 2007 dat Mr. Hirst er vaak op uit is om de geest te braden (en meer mist dan hij raakt), maar hij doet dit door directe, vaak viscerale ervaringen op te zetten, waarvan de haai de meest opvallende blijft. In overeenstemming met de titel van het stuk, is de haai tegelijkertijd leven en dood geïncarneerd op een manier die je niet helemaal begrijpt totdat je hem, hangend en stil, in zijn tank ziet.

De erfenis van unieke kunstwerken

Mijn bed door Tracey Emin, 1998, via Tate, Londen

Ongewone en out-of-the-box kunstwerken zoals die van Tracey Emin en Song Dong hebben een grote impact gehad op de kunstwereld. Door het idee van wat kunst is uit te dagen, hebben deze kunstenaars overal nieuwe mogelijkheden voor kunstenaars geopend. Terwijl sommigen misschien spotten met hedendaagse kunst , de indrukwekkende vertoningen van talent die in musea worden getoond, zijn niet alles wat de overkoepelende term 'kunst' omvat. Er wordt vaak beweerd door critici van hedendaagse kunst dat stukken niet in musea zouden moeten worden tentoongesteld als een persoon met een gemiddeld artistiek vermogen het stuk zou kunnen repliceren, maar dat idee laat nog steeds de vraag waarom op tafel.

Bij niet-traditionele kunst kan het publiek niet weglopen zonder eerst na te denken over de bedoelingen van de kunstenaar achter elk kunstwerk. Bovenal werpen unieke kunstwerken de schijnwerpers op het doel dat elke kunstenaar voor ogen had, een intieme bekentenis van de kunstenaar aan de kijker die veel verder gaat dan de fysieke materialen die zijn gebruikt om het stuk te maken.