8 beroemde kunstwerken van de Young British Artist Movement (YBA)
De fysieke onmogelijkheid van de dood in de geest van iemand die leeft door Damien Hirst, 1991 (links); met Behoud 'schoonheid' door Anya Gallaccio, 1991 – 2003 (midden); en De Heilige Maagd Maria door Chris Ofili, 1996 (rechts)
De jonge Britse kunstenaars (YBA's) zijn een groep jonge kunstenaars die in de jaren tachtig opkwamen. Damien Hirst , Tracey Emin ,en Garry Hume zijn slechts drie van de namen die beroemd werden in de loop van de beweging. Er is nooit een manifest of officiële vereniging van de Young British Artists geweest. Het waren eerder externe omstandigheden en een artistieke consensus die de groep verenigden. Veel van de jonge Britse kunstenaars studeerden aan het Londense Goldsmith College en exposeerden hun werken in de Saatchi Gallery of kunstverzamelaar Charles Saatchi . De zogenaamde Freeze-tentoonstelling, samengesteld door de toen 22-jarige kunststudent Damien Hirst, wordt vanuit het perspectief van vandaag vaak aangehaald als de geboorte van de groep.
Young British Artist Movement (YBAM): doel van provocatie
De artistieke consensus van de Young British Artist Movement was een gemeenschappelijke wil om te provoceren. Met kadavers van dieren, pornografie en kunstwerken gemaakt van alledaagse voorwerpen en gevonden materialen positioneerden de kunstenaars zich politiek – zowel binnen een conservatieve samenleving als binnen de kunstwereld van de jaren tachtig en negentig. Een ander belangrijk aspect van de oprichting van YBAM is de ondernemende benadering van het tonen en vermarkten van hun werk. Dat er meer dan pure provocatie achter de postmoderne werken zat, werd niet in de laatste plaats bewezen door nominaties en de uitreiking van de gerenommeerde Turner Prize aan verschillende YBA's.
Hier presenteren we 8 beroemde kunstwerken van de Young British Artists.
1. Damien Hirst, De fysieke onmogelijkheden van de dood in de geest van iemand die leeft (1991)
De fysieke onmogelijkheden van de dood in de geest van iemand die leeft door Damien Hirst , 1991, via The Independent
Damien Hirst's De fysieke onmogelijkheden van de dood in de geest van iemand die leeft (1991), ook bekend als The Shark, is waarschijnlijk het beroemdste kunstwerk van de YBA-groep. Toen de jonge kunstenaar het werk in 1991 maakte, schokte hij veel kijkers. Het kunstwerk toont een tijgerhaai in formaldehyde. Het werk toont de dood op een onconventionele en expliciete manier. Zoals de titel al doet vermoeden verwijst Damien Hirst de kijker ook naar zijn eigen dood, of liever gezegd naar de onmogelijkheid om zich zijn eigen dood voor te stellen – zelfs met een dood dier voor zich.
Geniet je van dit artikel?
Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren
Dank je!
De fysieke onmogelijkheid van de dood in de geest van iemand die leeft door Damien Hirst , 1991, via Fineartmultiple
In die zin lijkt de tijgerhaai, ondanks de kennis erover, niet per se dood, maar in zekere zin ook levend. Nadat de haai na meer dan een decennium begon te ontbinden, moest het dier in 2006 worden vervangen. Met de uitwisseling van het dier en door het veranderen van het kunstwerk, riep de kunstenaar vragen op over de originaliteit van een kunstwerk.
2. Tracey Emin, Mijn bed (1998)
Mijn bed door Tracey Emin , 1998, via Christie's
Mijn bed (1998) is een werk van de kunstenaar Tracey Emin dat voor veel controverse heeft gezorgd. Met het stuk, dat in 1999 in de Tate Gallery werd tentoongesteld, bracht Tracey Emin haar eigen bed in zijn oorspronkelijke staat naar een galerieruimte. Dit was nadat ze, volgens haar eigen verklaring, vier dagen in dit bed had doorgebracht tijdens de depressieve fase van een relatiebreuk en niets anders had gedronken dan alcohol. Lege drankflessen, gebruikte condooms en vies ondergoed stonden rond het bed verzameld. Mijn bed is een typisch provocerend en persoonlijk werk van de kunstenaar. Toen het werk in 1999 werd genomineerd voor de Turner Prize, veroorzaakte het een controversieel debat in de Britse media.
De provocatie van het werk mondde uit in een actie van Japanse performancekunstenaars Cai Yuan en Jian Jun Xi , die tijdens de tentoonstelling in Emins bed een kussengevecht voerden. Het werk Mijn bed niet alleen het conventionele idee van een kunstwerk op zijn kop zetten door gebruik te maken van alledaagse materialen. Het daagde ook het klassieke idee van 'gepast' gedrag van een jonge vrouw in de jaren negentig op een postmoderne manier uit.
3. Tracey Emin, Iedereen met wie ik ooit heb geslapen 1963 – 1995 (negentienvijfennegentig)
Iedereen met wie ik ooit heb geslapen 1963 – 1995 door Tracey Emin , 1995, via Widewalls
Iedereen met wie ik ooit heb geslapen 1963 – 1995 (1995) is een ander werk van de kunstenaar Tracey Emin. Het werk bestond uit een tent waarin de kunstenaar alle namen publiceerde van mensen met wie ze tot 1995 had geslapen, in seksuele en ook in niet-seksuele zin. In de tent werden in totaal 102 namen gevonden.
De kunstenaar legde haar werk als volgt uit: met sommige had ik een shag in bed of tegen een muur gehad, met andere had ik net geslapen, zoals mijn oma. Ik lag altijd in haar bed en hield haar hand vast. We luisterden samen naar de radio en vielen in slaap. Dat doe je niet met iemand van wie je niet houdt en waar je niet om geeft. De bekende kunsthandelaar en galeriehouder Charles Saatchi kocht het werk destijds. Toen het pakhuis van Saatchi in 2004 afbrandde, werd het kunstwerk samen met anderen vernietigd.
4.Michael Landy, Markt (1990)
Markt door Michael Landy , 1990, via Thomas Dane Gallery, Londen
De installatie Market (1990) van kunstenaar Michael Landy , een van de Young British Artists, is een maatschappijkritisch werk. Voor het kunstwerk heeft Michael Landy delen van typische Londense marktkramen met kunstgras in een tentoonstellingsruimte ingericht. Met zijn installatie verwees de kunstenaar naar het uitsterven van typische Londense voedselmarkten en een traditie van individuele verkoop en aankoop van voedselproducten. De tentoonstellingsruimte waarin de installatie oorspronkelijk werd tentoongesteld, illustreert nogmaals deze thematische referentie: Landy exposeerde zijn werk Markt 1990 in een oude koekjesfabriek. Hoewel ook in dit geval de tentoonstelling van alledaagse materialen als kunst vormkritisch kan worden gezien, kreeg deze installatie veel meer begrip bij het publiek dan bijvoorbeeld de feministische kunstwerken van kunstenares Tracey Emin.
5. Anya Gallaccio, Behoud 'schoonheid' (1991 – 2003)
Behoud 'schoonheid' door Anya Gallaccio , 1991 – 2003, via Tate, Londen
Het werk Bewaren (schoonheid) door artiest Anya Gallaccio heeft ook een feministische en kritisch-emancipatorische benadering. Honderden prachtige rode bloemen geweven in een bloementapijt - zo verscheen Anya Gallaccio's installatie voor het eerst in haar eerste tentoonstelling in de Karsten Schubert Gallery in de jaren negentig. Door haar installatieobject tentoon te stellen, stelt de kunstenares de bloemen bloot aan verval en verwijst daarmee expliciet naar het vanitas-thema in de kunstgeschiedenis. Het bederf van de bloemen werd in de loop van de tijd zowel zichtbaar voor de bezoekers van de galerie als voor hen waarneembaar via een muffe geur. Het werk toont een temporeel verval in real-time, zoals Renaissance schilderijen over het onderwerp kon alleen maar suggereren. Met Bewaren (schoonheid) , verwijst de kunstenaar ook naar menselijk verval en zet de kijkers van haar kunstwerken aan het denken over hun eigen proces van verval.
6. Angus Fairhurst, Pietà (eerste versie) (1996)
Pietà (eerste versie) door Angus Fairhurst , 1996, via Tate, Londen
Hoewel de Young British Artists met hun kunst regelmatig de grenzen van voorheen bestaande kunst opzochten, stonden hun kunstwerken niet geheel los van de traditionele kunst. Anya Gallacio's Bewaren (schoonheid) dit al bewezen en Angus Fairhurst's Medeleven (1996) laat dit ook zien.
De Pietà staat bekend als een klassiek religieus motief in de kunstgeschiedenis, dat door de eeuwen heen is gebruikt in werken van een grote verscheidenheid aan kunstenaars. Ook kunstenaar Angus Fairhurst speelt met zijn zelfontspannerfotografie met dit motief. Naakt als Jezus ligt hij echter niet in de armen van de heilige moeder, maar op de schoot van een vermomde gorilla. In dit ensemble fungeert de zichtbare kabel van de zelfontspanner als een technisch teken van levendigheid, terwijl de gesloten ogen van de kunstenaar levenloosheid moeten overbrengen. De gorilla is een terugkerend motief in het werk van Fairhurst.
7. Jenny Saville, Plan (1993)
Plan door Jenny Saville , 1993, via Art Market Monitor
Het schilderij Plan (1993) door kunstenaar Jenny Saville beweegt zich in een spanningsveld tussen klassieke techniek en moderne lichaamsbeelden. In haar schilderij kijkt Saville neer op de kijker en verandert door het aanbrengen van topografische lijnen haar lichaam in een kaart die de kijker kan verkennen door naar het schilderij te kijken. Wat de kijker ziet, is geenszins gepolijst en perfect zoals veel mensen in de schilderkunst gewend zijn te zien. In plaats daarvan vertoont het lichaam op de foto zachte vormen en deuken. Kunstverzamelaar Charles Saatchi leerde de schilder in de jaren negentig kennen, kocht al haar schilderijen die op een tentoonstelling in Edinburgh werden gepresenteerd en nam haar vervolgens mee onder een contract van 18 maanden om haar de kans te geven nieuwe foto's te maken.
8. Chris Ofili, De Heilige Maagd Maria (1996)
De Heilige Maagd Maria door Chris Ofili , 1996, via MoMA, New York
Chris Ofili 's werk De Heilige Maagd Maria (1996) was een van de meest controversiële tentoonstellingen van de zogenaamde Sensations-tentoonstelling van de Young British Artists in 1997. Het is een voorstelling van de Heilige Maagd Maria, een multimediaal werk gemaakt van nogal profane materialen: glitter, afbeeldingen van popmuziek cultuur en een borst gevormd uit olifantenpoep. Je kunt je voorstellen: dat laatste werd door veel kijkers en critici als oneerbiedig ervaren. De kunstenaar Chris Ofili verdedigde daarentegen de integratie van dit materiaal in zijn schilderij door te zeggen dat olifantenpoep in Zimbabwe, waar Ofili een studiebezoek doorbracht, staat voor vruchtbaarheid.
Samenvatting van de jonge Britse kunstenaarsbeweging
Behoud 'schoonheid' door Anya Gallaccio , 1991 – 2003, via Tate, Londen
Onconventioneel en provocerend maar ook uitgesproken politiek - zo kan het werk van de Young British Artists (YBA) kort worden samengevat. Deze selectie van acht kunstenaars maakt duidelijk dat alle deelnemers aan deze postmoderne kunstenaarsbeweging hun unieke benadering hadden, en toch is er een consensus onder hen.