Het genie van Antonio Canova: een neoklassiek wonder

Portret van Antonio Canova door François Xavier Fabre, 1812, via The New York Times; met Perseus met het hoofd van Medusa (Perseus Triumphant) door Antonio Canova, 1800-01, via het Vaticaanmuseum, Rome; en met Theseus en de Minotaurus door Antonio Canova, 1781-1783, via The Victoria and Albert Museum, Londen

Antonio Canova was een toonbeeld van de neoklassieke beweging als een eersteklas Italiaanse beeldhouwer. Zijn kennis van de barok, rococo en klassieke kunststromingen stelde hem in staat een unieke en intuïtieve stijl te creëren. Dankzij de inspiratie van Johann Joachim Winckelmann en de latere kritieken van Gavin Hamilton, ontwikkelde Canova een diepgaand begrip van Griekse en Romeinse klassieke werken. Zijn eigen werken waren voorbeelden van Harmonia, Balance, Symmetry en Proportion. Deze kernpunten werden niet alleen gekenmerkt door de werken van de Grieken, maar ook door de neoklassieke beweging als geheel. Canova's neoklassieke sculpturen integreerden het verleden in het heden. Voordat u echter het leven en werk van deze grote beeldhouwer leert kennen, is het belangrijk om bekend te zijn met de geschiedenis van het neoclassicisme.

Antonio Canova's begin: de neoklassieke beweging

Parnassus door Anton Raphael Mengs, 1761, via The Hermitage Museum, St. Petersburg

De neoklassieke beweging begon in de jaren 1760 met de herontdekking van Pompeii in 1748 door ontdekkingsreizigers op jacht naar oude artefacten. Het blootleggen van de muurschilderingen tijdens en na de opgravingen in Pompeii dwongen kunstenaars litho's van de stukken te maken om de afbeeldingen over Europa te verspreiden. De Pompeiaanse stijl inspireerde de kunstenaars van die tijd en bepaalde aspecten van het dagelijks leven: de Franse mode en woondecoratie verschoof bijvoorbeeld naar de meer verfijnde en elegante stijlen uit het verleden.

De herontdekking van Pompeii inspireerde ook tot de wedergeboorte van zuilen gemaakt na de Griekse klassieke bestellingen .

Illustratie van The Ionic Order from the Erechtheum from The Antiquities of Athens (Vol. 2), 1762-1816, gescand door de auteur uit Nineteenth-Century European Art: Third Edition door Petra ten-Doesschate Chu

De drie orden zijn Dorische, Ionische en Korinthische zuilen. Dorische zuilen staan ​​vooral bekend om hun eenvoud, omvang en verwantschap met kracht en het mannelijke. Ionische zuilen lijnden zichzelf uit met vrouwelijkheid in hun sierlijkheid en voluten in de vorm van spiralen, die het haar van een meisje nabootsten. De Korinthische orde was een combinatie van de andere twee orden, maar met een meer decoratieve stijl, waaronder klokvormige voluten, een uiterst gedetailleerde kroonlijst en acanthusbladeren die de bovenkant sieren.

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Bovendien bevorderde Johann Joachim Winckelmann, een Duitse kunsthistoricus die de neoklassieke beweging in grote mate beïnvloedde, de heropleving van de waardering van klassieke stijlen met zijn studie van de evolutie van klassieke kunst via vergelijkend onderzoek. Op deze manier haalde het neoclassicisme veel inspiratie uit de klassieke en hellenistische periodes van de Griekse beeldhouwkunst.

Wie Wat Johann Joachim Winckelmann?

Portret van Johann Joachim Winckelmann door Angelica Kauffman, 1764, via The British Museum, Londen

Winckelmann was een Duitse kunsthistoricus, archeoloog en vroege Hellenist. Hij geloofde dat klassieke kunst een evolutie doormaakte met een begin, midden en einde. Het concept kwam voort uit het feit dat Pompeiiaanse muurschilderingen niet voldeden aan de esthetische normen van de Griekse beeldhouwkunst. Er bestond een veronderstelling dat de Pompeiiaanse fresco's werden geschilderd tijdens een achteruitgang in de tijdlijn van de klassieke kunst.

Geschiedenis van de oude kunst door Johann Joachim Winckelmann , Eerste editie gepubliceerd in 1764, via Winckelmann-Museum, Stendal

Winckelmann schreef: Geschiedenis van de oude kunst , of De geschiedenis van de kunst in de oudheid (1764), die zowel historici, geleerden als kunstenaars beïnvloedde. In dit werk gebruikte hij de levenscyclus als analogie om de geschiedenis van de klassieke kunst te schetsen. Het had een oorsprong, een periode van groei en volwassenheid en uiteindelijk een verval.

Dit boek inspireerde vele kunstwerken en literatuur dankzij Winckelmanns beschrijvingen van klassieke sculpturen. Zijn geschriften beïnvloedden beeldhouwers en schilders zoals Antonio Canova en Anton Raphael Mengs . Hij benadrukte de ideale kwaliteiten van stukken, met hun nobele eenvoud en kalme grootsheid, evenals hun sensualiteit.

Voor Winckelmann lag de bakermat van de klassieke kunst niet in Rome, maar in Griekenland, waar ze werd geboren en waar ze haar hoogtepunt bereikte. Door zijn passie voor en nauwkeurige studie van oude Griekse en Romeinse werken, was Winckelmann in staat om zeer nauw bij te dragen aan de vooruitgang van kunstenaars die de werken van weleer begeerden.

Griekse en Romeinse beeldhouwkunst

Artemis Brons , ongeveer 460 vGT, via het Nationaal Archeologisch Museum van Athene

Verrassend genoeg zijn veel Griekse en Romeinse bronzen beelden niet meer gezien sinds de heerschappij van het Romeinse Rijk en de kruistochten. Waarom? Omdat velen werden omgesmolten voor hun brons, omdat er veel vraag was naar brons voor wapens en gereedschappen. Ondanks het verraad van deze actie hadden de Romeinen echter de vooruitziende blik om marmeren kopieën van een flink aantal sculpturen. Natuurlijk waren er originele Griekse knikkers, zoals de Kritios jongen, het oude marmeren Kouros-beeld , en de Nike van Samothraki en . Hun bronzen beelden brachten echter het beste hun vaardigheden en filosofie over voor lichaam en geest tijdens de klassieke tot hellenistische periodes. Dan zijn er de werken van Griekse bronzen beeldhouwers zoals Polykleitos en Lysippos , waarvan de meest opvallende werken nu pas kunnen worden gezien als kopieën van Romeins marmer.

Romeinse kopie van Farnese Herakles (Hercules in rust) door Glykon (Origineel Grieks brons door Lysippos), eind 2e tot begin 3e eeuw CE, via het Nationaal Archeologisch Museum van Napels

Elke Romeinse kopie van een Grieks origineel bronzen beeld heeft een schoor, of marmeren boomstam, die het marmer in evenwicht houdt. (De steun heeft in het verleden vele vormen aangenomen, maar de stam is een van de meest opvallende vormen). Door de verloren technieken van de Griekse beeldhouwkunst waren de Romeinen niet in staat om hun marmer goed uit te balanceren en moesten ze in plaats daarvan stutten gebruiken. Twee voorbeelden hiervan zijn te zien in: Farnese Herakles , die niet per se een stut hoeft te hebben, aangezien de knuppel een onderdeel is van het originele stuk, maar het neemt dezelfde rol aan als een stut; en de Apollo Belvédère, die aan de linkerkant een steun heeft. Voor Griekse bronzen originelen zou er meestal brons zijn onder de voeten van het beeld dat het omhoog houdt - waardoor het op zijn plaats wordt gelijmd.

Diagram van de gulden snede (Gouden rechthoek en spiraal), via het Pratt Institute

De Romeinen volgden de stijl van de Grieken na zoals die al lang geperfectioneerd was. Die perfectie kwam niet alleen voort uit vaardigheid, maar ook uit de kennis van de Gouden ratio , of Gulden Snede via de Gulden Rechthoek, en wat de ideale Harmonie, Balans, Symmetrie en Proportie tot stand heeft gebracht. De Apollo Belvedere , Artemis Brons , en Anton Mengs' Parnassus zijn allemaal uitstekende voorbeelden van stukken die zijn gestructureerd rond de gulden snede. Ondanks die kennis hadden de Romeinen de neiging om de verhoudingen aan te passen aan hun eigen gevoeligheden. Aan de andere kant hadden de Grieken waardering voor het ideale lichaam en verfijnde schoonheid, waarbij de lichamen werden gemodelleerd naar wat zij zagen als de gelijkenis van de goden en godinnen.

Antonio Canova gebruikte deze oude regels en technieken die zijn doorgegeven door zijn voorgangers om werken te creëren die inspiratie uit het verleden halen en kennis van de toekomst overbrengen.

Meer over Antonio Canova

Zelfportret van de beeldhouwer Antonio Canova , 1812, via The Art Institute of Chicago

Antonio Canova was een Italiaanse neoklassieke beeldhouwer die bij tijdgenoten bekend stond als de Opperste Minister van Schoonheid. Canova genoot meer van de neoklassieke kunstbeweging dan van de Rococo of de barok kunstperiodes, aangezien hij tijdens zijn reizen in Italië de werken van meesters als Michelangelo en de fresco's van Pompeii bestudeerde. Veel van Canova's vroege werken zijn gebaseerd op een afwijzing van het louter kopiëren van klassieke Griekse technieken. Hij probeerde vroegere filosofieën en inzichten van de Grieken te verenigen met zijn kennis van rococo en barokkunst.

Antonio Canova werd beschouwd als de grootste beeldhouwer van zijn tijd. Vóór 1779 vertoonden zijn vroege werken een laatbarokke of rococo-gevoeligheid die aantrekkelijk was voor zijn beschermheren, Venetiaanse edelen. Een voorbeeld hiervan zou zijn Daedalus en Icarus Neoklassiek beeldhouwwerk.

Canova's aanloop met Gavin Hamilton

Daedalus en Icarus door Antonio Canova , 1777-1779, via Museo Gipsoteca Antonio Canova, Possagno

In 1779 bezocht Canova Rome voor het eerst en ontmoette de Schotse schilder, antiquair en Venetiaanse ambassadeur Gavin Hamilton op een etentje. In juni van het volgende jaar zag Hamilton Canova's Daedalus en Icarus en zei tegen hem :

De verbeelding van de mensen is ook waarheid, net zoals het puur individuele beeld van schoonheid waarheid is... het samenbrengen van het natuurlijke en het onnatuurlijke is het ideale middel om ons idee over te brengen.

Hamiltons volledige advies aan Canova was veel diepgaander, maar in wezen wilde Hamilton dat hij zich afkeerde van het naturalisme en een hogere vorm van sculpturale schoonheid zocht. Deze input van Hamilton is de reden waarom het werk van Canova voor altijd is veranderd en waarom zijn werk zo kon stijgen.

Canova En The Apollo Belvedere : Neoklassieke beeldhouwkunst

Perseus met het hoofd van Medusa (Perseus Triumphant) door Antonio Canova, 1800-01, via het Vaticaanmuseum, Rome

Na zijn ontmoeting met Gavin Hamilton, begonnen Antonio Canova's latere werken een meer geïdealiseerde schoonheid uit te beelden, geïnspireerd door de werken van weleer. Canova's Perseus met het hoofd van Medusa liet zich niet alleen inspireren door de beschrijvingen van de Apollo Belvedere maar ook Welkom Cellini 's Perseus en Medusa .

De belangrijkste eigenschappen die Canova's Perseus geërfd van de Apollo Belvedere omvatten: een gebrek aan intense spieren met hetzelfde idyllische lichaamstype; intensief gebruik van watervalgordijnen; bijna identieke poses behalve hun capes en de items die ze vasthouden (ze zijn spiegels van elkaar); en hun triomfantelijke en zelfvoldane gezichtsuitdrukkingen.

Apollo Belvedere Romeins marmeren kopie van Grieks brons , eind 4e eeuw BCE (Marble Copy 18e eeuw), via het Vaticaan Museum, Rome

Om het belang van de Apollo Belvedere , hieronder is een uittreksel van Winkelmanns beschrijving van het beeldhouwwerk zoals geschreven in Europese kunst uit de negentiende eeuw (3e druk) door Petra ten-Doesschate Chu:

Van alle werken uit de oudheid die aan de vernietiging zijn ontsnapt, is het standbeeld van Apollo het hoogste kunstideaal... Zijn gestalte is verhevener dan die van de mens en zijn houding spreekt van grootsheid waarmee hij vervuld is. Een eeuwige lente… kleding met de charmes van de jeugd, de gracieuze mannelijkheid van rijpe jaren en speelt met zachtheid en tederheid over de trotse vorm van zijn ledematen… (p. 50).

Winkelmann probeerde de dubbele nadruk op de sensuele en ideale kwaliteiten van de Griekse beeldhouwkunst te benadrukken, hoewel hij alleen de Romeinse kopieën van veel van de vernietigde bronzen beelden kon zien. Op dit moment was het niet mogelijk om naar Griekenland te gaan vanwege het bewind van de Ottomaanse Turken .

De gouden jaren van Antonio Canova

Theseus en de Minotaurus door Antonio Canova , 1781-1783, via het Victoria and Albert Museum, Londen

Antonio Canova's gouden jaren waren inderdaad post-Hamilton, toen hij begon te werken binnen de neoklassieke beeldhouwnormen terwijl hij de Griekse idealen van hemelse schoonheid en perfectie toepast. Canova's eerste stuk na zijn ontmoeting met Hamilton was Theseus en de Minotaurus . Dit werk wordt gezien als zijn eerste echte neoklassieke sculptuur samen met Perseus met het hoofd van Medusa , die hij kort daarna produceerde. Bij het bekijken van dit stuk is het duidelijk dat Canova het advies van Hamilton ter harte nam en probeerde zowel natuurlijke als onnatuurlijke schoonheid op te roepen. Dit stuk neigt nog meer naar het natuurlijke idee van schoonheid; het gaat echter niet zo ver als zijn werk Daedalus en Icarus .

Dus Antonio Canova's Perseus met het hoofd van Medusa kan aantoonbaar worden beschouwd als het begin van zijn gouden tijdperk. Zijn Perseus en alle werken die daarna kwamen, zijn hoe hij bekend werd als de Supreme Minister of Beauty.

Psyche nieuw leven ingeblazen door Cupid's Kiss (eerste versie) door Antonio Canova, 1787-93, via Musée du Louvre, Parijs

De sculptuur Psyche nieuw leven ingeblazen door Cupid's Kiss toont Canova's ware begrip van Hamilton's woorden en hoe hij een stijl voor zichzelf verder ontwikkelde die net begon door te dringen in Theseus en de Minotaurus . Zijn werk aan dit neoklassieke beeldhouwwerk brengt echt de combinatie van het natuurlijke met het onnatuurlijke over. Hij laat de lichamen een meer natuurlijke proportie behouden, terwijl hun gezichten, haar en bewegingen een buitenaardse schoonheid en zorg uitstralen.

Theseus en de Centauro door Antonio Canova, 1810-1819, via het Kunsthistorisches Museum, Wenen

Tijdens de neoklassieke beweging bleef de smaak voor werken die de Rococo-stijl illustreerden in volle gang. Een aspect dat de rococo-kunst het meest kenmerkte, was het theatrale karakter. Omdat Antonio Canova Rococo bestudeerde, volgde die theatrale gevoeligheid hem in werken als Theseus en de Centauro .

Ter vergelijking: zijn Theseus en de Minotaurus is anders dan wat veel Rococo-artiesten in het verleden hadden gedaan, omdat het de nasleep van de strijd laat zien in plaats van de strijd zelf. Theseus en de Minotaurus toont Theseus na het doden van de Minotaurus (zoals geadviseerd door Hamilton), neergestreken op zijn prooi, tijdens een moment van reflectie. Op dat moment realiseert Theseus zich dat hij nu zijn onschuld heeft verloren en aan zijn eigen moraal moet gaan denken. In plaats van grootsheid in de strijd uit te beelden, zoals Theseus en de Centauro , is er een sombere peinzende aan het stuk.

Theseus en de centaur (close-up van de centaur) door Antonio Canova, 1810-1819, via het Kunsthistorisches Museum, Wenen

Vooral dit stuk veroorzaakte speculatie dat het een kopie was van een Grieks origineel. Theseus en de Centauro was zo goed uitgebalanceerd, gevormd als een driehoek binnen de grenzen van de Gulden Snede, terwijl het tegelijkertijd een detailniveau had dat men niet noodzakelijkerwijs verwachtte van een origineel neoklassiek beeldhouwwerk. Door het detail op het paard en de vleesachtige aard van de lichamen leek het stuk voor die tijd een onmogelijkheid, vooral met het ontbreken van een stut en de algehele harmonie van het beeldhouwwerk. Theseus en de Centauro wordt daarom beschouwd als Canova's magnum opus en terecht.

Als het erop aankomt, waren Canova's werken meesterlijk tijdens zijn vroege carrière, met hoogtepunten zoals Daedalus en Icarus . Zonder inzicht van bijvoorbeeld Winckelmann of advies van Gavin Hamilton zou hij niet het wonder zijn dat hij is geworden. Antonio Canova was een echte virtuoos van het vak en creëerde werken die aantoonbaar op dezelfde manier kunnen worden vereeuwigd als de werken die hem inspireerden.