De duistere kant van het leven: de buitensporige hedendaagse kunst van Paula Rego

De hedendaagse kunst van Paula Rego snijdt door tot op het bot en schrikt het publiek af met waanzinnig confronterende onderwerpen die de duistere diepten van menselijk lijden en uithoudingsvermogen weerspiegelen. Ze verweeft dit subversieve materiaal met een esthetiek die is geïnspireerd op grimmige kinderverhalen en de folklore van haar geboorteland Portugal, en creëert meeslepende macabere beelden met een air van malaise die soms overgaat in volledige horror. Veel van Paula Rego's meest recente kunst wordt tegenwoordig algemeen erkend vanwege het onwankelbare, verzengende commentaar op feministische kwesties, waarbij de lichamen van vrouwen worden onderzocht als symbolen van onderdrukking en geweld, maar ook van ongelooflijke kracht en uitdagendheid. In haar indrukwekkende 70-jarige carrière heeft ze een verbazingwekkend groot kunstarchief opgebouwd dat nu in musea over de hele wereld wordt bewaard. Laten we eens door de decennia kijken naar de evolutie van Paula Rego's hedendaagse kunstpraktijk en enkele van de meest meeslepende kunstwerken uit haar vruchtbare carrière.

Vroeg werk: politiek en subversie

Portret van Paula Rego , via The Calouste Gulbenkian Foundation, Lissabon

Paula Rego, geboren in Lissabon in 1935, werd gedeeltelijk opgevoed door haar Portugese grootouders, die haar voor het eerst kennis lieten maken met gotische sprookjes, mythen en folklore. Gevuld met boosaardige macabere bloederige details, verlichtten ze haar jonge verbeeldingskracht en zouden ze later uitmonden in haar kunst. Een groot deel van haar jeugd werd overschaduwd door het fascistische leiderschap van Antonius van Oliveira Salazar , en ze was zich terdege bewust van het onrustige sociaal-politieke klimaat om haar heen. Kunst werd een krachtig middel om haar diepgevoelde angsten en trauma's te uiten, ze naar buiten te brengen om hun emotionele impact te verzachten. Als je angstaanjagende dingen op een foto zet, dan kunnen ze je geen kwaad doen, dacht ze later.

Ondervraging door Paula Rego , 1950, via Fad Magazine

Het vroege schilderij Ondervraging, 1950, werd gemaakt toen Rego nog maar 15 jaar oud was, en voorspelde de aard van haar volwassen werk met een diepgaande analyse van de martelingen en gevangenschap die plaatsvinden in het fascistische Portugal. Het lichaam van een jonge man bevindt zich in een pijnlijk verwrongen kluwen van innerlijke angst als twee autoritaire figuren hem onheilspellend van achteren naderen, met wapens in hun handen. In een poging om hun dochter uit het fascistische regime te verwijderen, stuurden Rego's ouders haar op 16-jarige leeftijd naar een eindschool in Kent, Engeland. Van daaruit ging ze verder om kunst te studeren aan Slade School of Art in Londen, en in de jaren die volgden, raakte ze bevriend met verschillende toonaangevende artiesten. Rego was de enige vrouw geassocieerd met de School van Londen schilders naast David Hockney , Lucien Freud en Frank Auerbach. Ze ontmoette ook haar man, de schilder Victor Willing , met wie ze drie kinderen zou krijgen.

De brandweerlieden van Alijo door Paula Rego , 1966, via Tate Gallery, Londen

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

In de jaren zestig keerde Rego met haar familie terug naar Portugal en haar hedendaagse kunst bleef nadenken over verontrustende aspecten van de Portugese politiek. Haar taal werd steeds meer gefragmenteerd en ongrijpbaar, een weerspiegeling van de instabiliteiten en onzekerheden van een samenleving in politieke onrust. Ze maakte deze afbeeldingen door verschillende figuren, dieren en andere vormen op vellen papier te tekenen voordat ze ze met geweld uit elkaar sneed en ze als collage-elementen op canvas rangschikte. In De brandweerlieden van Alijo, 1966, vreemde, monsterlijke wezens vermengen zich met dieren en mensen en vormen een verward netwerk van onderling verbonden vormen die in de ruimte lijken te zweven, in navolging van de vroege surrealistisch werk van Marcel Duchamp . Rego zegt dat het schilderij losjes verwant was aan een groep straatarme brandweerlieden die ze in de winter in groepjes bij elkaar zag zitten met blote voeten, zwarte gezichten en met stro gevulde jassen. Haar merkwaardige, surrealistische schilderij is gemaakt als eerbetoon aan de magische moed van deze mannen, die onvermoeibaar werkten als onbetaalde vrijwilligers om levens te redden.

Ouder werk: ongemakkelijke verhalen

De dans door Paula Rego , 1988, via Tate Gallery, Londen

Vanaf de jaren zeventig verschoof de stijl van Rego naar een meer realistische weergave van mensen en plaatsen die rechtstreeks op canvas werden geschilderd. Dezelfde angstaanjagende ontwrichte kwaliteit werd echter geïnvesteerd in haar kunst, bereikt door vervormde lichamen en griezelige, grimmige lichteffecten. In het beroemde en ambitieus grote schilderij De dans, 1988, mensen lijken achteloos te dansen op een maanverlicht strand, maar de vrolijkheid van hun lichaam wordt ondermijnd door het koude blauwe licht en de heldere, heldere schaduwen om hen heen.

Hoewel Rego enige directe betekenis in het werk onduidelijk heeft gelaten, hebben sommige critici gesuggereerd dat elke dansgroep betrekking heeft op de verschillende identiteitsrollen die een vrouw zou kunnen aannemen, van de onafhankelijke solo-figuur aan de linkerkant tot de twee gekoppelde paren, waarin een vrouw zwanger is . Aan de rechterkant is een drietal vrouwen gemaakt van kind, moeder en grootmoeder, wat suggereert dat de traditionele rol van vrouwen als dragers van generatie op generatie is overgegaan. Zo kan het schilderij vergeleken worden met de spookachtige symboliek van Edvard Munch.

Maria Manuel Lisboa, een specialist in de Portugese cultuur, gelooft dat het gebouw in de verte van dit schilderij gebaseerd is op een militair fort op de kust van Estoril in Caxias, in de buurt van waar Rego werd geboren. Gebruikt als een gevangenis en martelplaats tijdens het bewind van Salazar, voegt zijn donkere, dreigende aanwezigheid een extra laag van onderdrukkend ongemak toe aan het beeld, misschien als kritiek op de beperkende aard van maatschappelijke rollen die aan jonge vrouwen worden opgelegd tijdens de fascistische dictatuur.

Vrouwen: lijden, kracht en opstandigheid

Engel door Paula Rego , 1998, via Art Fund UK

Sinds de jaren negentig heeft Rego een verscheidenheid aan krachtige feministische thema's onderzocht die reflecteren op de complexiteit van de moderne vrouwelijke identiteit. Ze nam afstand van verf en begon in plaats daarvan te werken met pastelkleuren, een medium waarmee ze het materiaal met haar blote handen kon manipuleren, een proces dat ze eerder met beeldhouwkunst dan met schilderen vergelijkt. Haar vrouwen zijn sterk, gespierd en soms openlijk agressief, zelfs als ze worden geconfronteerd met lijden, en ondermijnen de ingetogen en onderdanige idealiseringen van het verleden.

Deze kwaliteit is te zien in de heroïsche Engel, 1998, waarin een alternatieve heilige wordt afgebeeld, met een zwaard in de ene hand en een schoonmaakspons in de andere, die ons met een blik van onwankelbaar vertrouwen naar beneden staart. In de Dog Woman-serie van Paula Rego uit dezelfde tijd onderzoekt ze hoe vrouwen kunnen worden vergeleken met honden – niet op een onderdanige, denigrerende manier, maar als een symbool van oerinstinct en innerlijke kracht. Ze schrijft: Een hondenvrouw zijn hoeft niet per se vertrapt te worden; dat heeft er weinig mee te maken. Op deze foto's is elke vrouw een hondenvrouw, niet vertrapt, maar krachtig. Ze voegt eraan toe: beestachtig zijn is goed. Het is fysiek. Eten, grommen, alle activiteiten die met sensatie te maken hebben, zijn positief. Een vrouw als een hond voorstellen is volkomen geloofwaardig.

Bruid (van de hond vrouw serie) door Paula Rego , 1994, via Tate Gallery, Londen

Een andere even subversieve serie uit dezelfde periode is Rego's schrijnende Abortion-serie, gemaakt in 1998 toen een referendum om abortus in Portugal te legaliseren mislukte. Rego's tekeningen richten zich op het lot van vrouwen die gedwongen worden om illegale abortussen te ondergaan in vuile, gevaarlijke omgevingen. Ze vervoert ze gehurkt als dieren over oude emmers, gekreukt met opgetrokken knieën van de pijn, of achterover liggend met benen die ruw uit elkaar worden gehouden door metalen stoelen, en benadrukt de wreedheid van hun wanhopige situatie.

Rego beargumenteert haar serie tekeningen over het onderwerp … benadrukt de angst, pijn en het gevaar van een illegale abortus, waar wanhopige vrouwen altijd hun toevlucht toe hebben genomen. Het is heel verkeerd om vrouwen te criminaliseren bovenop al het andere. Het illegaal maken van abortussen dwingt vrouwen tot de achterbuurtoplossing. Dat was de kracht van Rego's boodschap; haar hedendaagse kunst wordt gedeeltelijk gecrediteerd voor het beïnvloeden van de publieke opinie in een tweede referendum in 2007.

Zonder titel Nee I (van de Abortus serie ) door Paula Rego , 1998, via The National Galleries of Scotland, Edinburgh

Latere kunst: sprookjes en folklore

Oorlog door Paula Rego , 2003, via Tate Gallery, Londen

Vanaf de jaren 2000 heeft Rego duister subversief materiaal onderzocht dat vaak is geïnspireerd door sprookjes, mythologie en religie. Haar rijk complexe tekening Oorlog, 2003, combineert dieren, jonge meisjes en speelgoed en roept de grimmige kinderverhalen uit haar eigen jeugd op, die vaak gruwelijke of sinistere ondertoon hadden. Rego maakte dit werk naar aanleiding van een schrijnende foto die tijdens de vroege stadia van de oorlog in Irak werd genomen van een meisje in een witte jurk dat werd gezien op de vlucht voor een explosie. Haar interpretatie van kinderen die in oorlog lijden, is zich afschuw voor te stellen gezien door de ogen van een kind, met macabere met bloed bevlekte konijnenmaskers die lukraak op de hoofden van de kinderen wiebelen.

Geitenmeisje door Paula Rego , 2010-2012, via Christie's

De surrealistische afdruk Geitenmeisje bootst de stijl van traditioneel na Victoriaans kinderboeken met losse wassingen van bleke kleur en schetsmatige arcering. Haar prent is losjes verwant aan het Griekse sprookje van het Geitenmeisje, dat als geit werd geboren maar haar huid kon verwijderen om een ​​mooie vrouw te worden. Rego geniet hier van de aard van een half verteld verhaal, waarbij de ongemakkelijke visuele effecten worden versterkt met griezelige hoekige lichamen, een hybride mens-dier en grimmige, gotische verlichting die de scène een dreigende dreiging geeft.

Paula Rego's invloed op hedendaagse kunst vandaag

Koppelteken door Jenny Saville , 1999, via America Magazine

Met Paula Rego's internationaal succesvolle carrière van bijna zeven decennia, is het misschien geen verrassing dat haar invloed op de ontwikkeling van hedendaagse kunst verreikend is geweest. Ze heeft kunstenaars van over de hele wereld geïnspireerd om te onderzoeken hoe figuratief schilderen en tekenen kan reflecteren op de meest urgente sociaal-politieke kwesties van de dag. Kunstenaars die haar nalatenschap hebben voortgezet, zijn onder meer de Britse schilder Jenny Saville , wiens onwankelbare onderzoek van wulpse vrouwenlichamen zo direct is als ze komen, dicht tegen het canvas gedrukt en uitvergroot tot een monsterlijk enorme schaal. Zoals Rego, Amerikaanse schilder Cecily Brown brengt niet-geïdealiseerde, geseksualiseerde lichamen over die vlezige passages van expressieve verf worden. Zuid-Afrikaanse artiest Michael Armitage's schilderijen van hedendaagse kunst zijn ook schatplichtig aan Rego en delen hetzelfde fragmentarische, ontheemde verhaal en onderstromen van politieke onrust, gecreëerd door persoonlijke en politieke referenties samen te voegen tot een rijk complex tapijt van ideeën.