Barnett Newman: Spiritualiteit in moderne kunst

Barnett Newman was een Amerikaanse schilder die in het midden van de 20e eeuw werkte. Hij is vooral bekend om zijn schilderijen met lange verticale lijnen, die Newman ritsen noemde. Newmans werk overbrugt niet alleen de kloof tussen abstract expressionisme en hard-edge schilderkunst, maar omvat ook een diep gevoel van spiritualiteit dat hem onderscheidt van andere schilders uit die tijd. Lees verder om meer te weten te komen over de beroemde kunstenaar.

Barnett Newman en abstract expressionisme

eenment, ik door Barnett Newman , 1948, via MoMA, New York

Barnett Newman 's volwassen schilderijen zijn te herkennen aan platte ruiten van effen kleur, gesneden met dunne, verticale strepen. Newman kwam relatief laat in zijn carrière tot deze stijl, beginnend op een prototypische manier aan het eind van de jaren veertig en een vollediger ontwikkeling tegen het begin van de jaren vijftig. Daarvoor werkte Newman in een surrealistisch-aangrenzende stijl vergelijkbaar met sommige van zijn tijdgenoten, zoals: Arshile Gorky en Adpolh Gottlieb , met losjes getekende, geïmproviseerde vormen die zich over het oppervlak uitstrekken. Nadat ze de compositorische kracht van deze nieuwe zip-schilderijen hadden ontdekt, zouden ze Newmans praktijk voor de rest van zijn leven volledig domineren.

Het eerste stuk waarin Newman een verticale lijn schilderde van boven naar beneden op zijn doek was eenment, ik uit 1948. Dit stuk behoudt de schilderkunstige toets van het eerdere werk van Newman, dat in de komende jaren zou afnemen. Slechts vier jaar later, in Onement, V de randen zijn aanzienlijk strakker geworden en de verf is afgevlakt. Gedurende de jaren 50 zou de techniek van Newman nog scherper en nauwkeuriger geometrisch worden, tegen het einde van dat decennium grondig verscherpt. Een ding is zeker, Newman overbrugde de kloof tussen het abstract expressionisme en de hard-edge schilderkunst.

Onement, V door Barnett Newman , 1952, via Christie's

Het uiterlijk van Newmans werk vanaf de jaren vijftig bemoeilijkt de relatie tussen zijn werk en de artistieke trend van Abstract expressionisme , waarmee hij vaak wordt geïdentificeerd. Maar is Newman echt een kunstenaar die verbonden is met het abstract expressionisme? De term ‘expressionisme’ is niet per se relevant voor Newmans werk, althans wat betreft de typische betekenis ervan in de kunst. Deze abstracte schilderijen hebben zeker een emotionele dimensie, maar missen de spontaniteit, intuïtie en kracht die geassocieerd worden met abstract expressionistische schilderkunst. Newman zou de zichtbaarheid van de menselijke aanraking in zijn schilderijen verminderen naarmate zijn carrière vorderde.

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Als gevolg hiervan is veel van het werk dat Newman vanaf de jaren vijftig tot aan zijn dood maakte, moeilijk puur als abstract expressionisme te beschouwen. Met deze schilderijen schetst Newman de loop van het midden van de eeuw abstracte kunst , bewegend van meer expressieve neigingen naar een ontkenning van het werk als een door de mens gemaakt object. Newman verfijnt echter altijd zijn benadering van deze ene compositie: een vaste grond, verdeeld met ritsen.

De spiritualiteit van Newmans werk

Een nobele heldhaftige man door Barnett Newman , 1950-51, via MoMA, New York

Ze gaan verder dan hun formele kwaliteiten en spreken in plaats daarvan over het doel en het effect van de schilderijen van Barnett Newman. Byzantijns en Renaissance religieuze kunst met betrekking tot het werk van Newmans tijdgenoten. Er kan ook een parallel worden getrokken met de Romantisch schilders uit de 19e eeuw, zoals Caspar David Friedrich en hun streven naar het sublieme door de natuur. De vlakke kleurvlakken van Newman probeerden inderdaad een gevoel van spiritueel ontzag op te wekken, hoewel natuurlijk met heel andere middelen dan de premoderne schilders van religieuze taferelen of door de conventionele voorstellingen van de natuur door de romantici.

Newman zelf legde dit verschil heel goed uit toen hij schreef dat een verlangen om schoonheid te vernietigen de kern van het modernisme was. Dat wil zeggen, een spanning tussen een expressie en de bemiddeling ervan met inachtneming van esthetische schoonheid. In de praktijk betekent dit dat Newman alle barrières en volmachten voor spirituele, subliem ervaring, om zijn kunst zo dicht mogelijk bij een spirituele ervaring op zich te brengen. Cijfers of voorstellingen van welke aard dan ook worden verlaten in het werk van Newman; symbolen en verhalen zijn niet nodig, of zelfs schadelijk, om dichter bij God te komen. In plaats daarvan zag Newmans notie van het sublieme zijn vervulling in de vernietiging van representatie en verwijzingen naar het werkelijke leven. Voor hem was het sublieme alleen toegankelijk via de geest.

Moment van Barnett Newman , 1946, via Tate, Londen

in een interview met de kunstcriticus David Sylvester in 1965 beschreef Barnett Newman de toestand die hij hoopte dat zijn schilderijen bij de kijker zouden veroorzaken: Het schilderij zou de mens een gevoel van plaats moeten geven: dat hij weet dat hij er is, dus hij is zich bewust van zichzelf. In die zin verhoudt hij zich tot mij toen ik het schilderij maakte, want in die zin was ik daar... Voor mij heeft dat gevoel van plaats niet alleen een gevoel van mysterie, maar ook een gevoel van metafysisch feit. Ik ben het episodische gaan wantrouwen en ik hoop dat mijn schilderij de impact heeft dat het iemand, net als ik, het gevoel geeft van zijn eigen totaliteit, van zijn eigen afgescheidenheid, van zijn eigen individualiteit en tegelijkertijd van zijn verbondenheid met anderen, die ook gescheiden zijn.

Barnett Newman was geïnteresseerd in de kracht van schilderen om iemand te helpen rekening te houden met zijn eigen existentiële omstandigheden. De reductie van het beeld kan dus worden opgevat als een ontkenning van elke poging om zichzelf te verliezen te midden van een valse versie van de wereld. In plaats daarvan zou het de kijker dieper in zichzelf en de waarheid van de wereld om hen heen moeten brengen.

Newman en afgoderij

Eerste station door Barnett Newman , 1958, via National Gallery of Art, Washington

Barnett Newmans benadering van spiritualiteit in de kunst was en is onderscheidend, sterk puttend uit de innovaties van het modernisme en aantoonbaar een voorbode van verdere ontwikkelingen. Toch liet hij de geschiedenis van de religieuze kunst in zijn praktijk niet los; deze verbinding wordt bevestigd in de titels van Newmans schilderijen. Veel van zijn werken zijn vernoemd naar bijbelse figuren of gebeurtenissen, zoals de serie 'Stations of the Cross'.

Hoewel de stukken eerder abstract dan fantasierijk zijn, zijn deze titels een overblijfsel van de verhalende en figuratieve ideeën die Newman en zijn praktijk hebben geïnformeerd. Deze titels helpen Newman om een ​​openlijke connectie met spiritualiteit te behouden, waardoor hij in de lange lijn van de Abrahamitische religieuze kunst wordt geplaatst. In een analyse van Newman, de kunstcriticus Arthur Danto schreef: :

De abstracte schilderkunst is niet zonder inhoud. In plaats daarvan maakt het de presentatie van inhoud mogelijk zonder picturale beperkingen. Dat is de reden waarom, vanaf het begin, abstractie door zijn uitvinders geloofde om te worden bekleed met een spirituele realiteit. Het was alsof Newman een manier had gevonden om schilder te zijn zonder het Tweede Gebod, dat afbeeldingen verbiedt, te schenden.
(Danto, 2002)

Abraham door Barnett Newman , 1949, via MoMA, New York

In zekere zin heeft Barnett Newman de kwestie van afgoderij opgelost door schilderijen te maken over specifieke bijbelse thema's die verstoken zijn van representatie. Hoewel Newman misschien geen representatieve afbeeldingen maakt van de bijbelse figuren en verhalen die zijn titels herinneren, zijn zijn objecten in een andere zin een veel grotere vorm van afgoderij dan representatieve schilderijen van bijbelse figuren; Newman-schilderijen zijn objecten die bedoeld zijn om toegang te krijgen tot het sublieme en een spirituele ervaring te creëren op hun eigen voorwaarden, wat betekent dat zijn schilderijen objecten van aanbidding worden.

De benadering van Barnett Newman hier kan worden gecontrasteerd met religieuze tradities waar afgoderij verboden is, zoals de islam, waar abstracte, decoratieve patronen en kalligrafie veel voorkomende vormen van kunst zijn. Newman gaat heel specifiek voorbij aan deze doelbewust geintellectualiseerde abstracties van taal om een ​​esthetiek na te streven die dichter bij de volledig emotionele uitdrukkingen van de eerste mensen ligt. Net zo Newman zegt: : De eerste uitdrukking van de mens was, net als zijn eerste droom, een esthetische. Spraak was eerder een poëtische uitroep dan een eis tot communicatie. De oorspronkelijke mens, die zijn medeklinkers schreeuwde, deed dat in kreten van ontzag en woede over zijn tragische toestand, zijn eigen zelfbewustzijn en zijn eigen hulpeloosheid voor de leegte. Newman is geïnteresseerd in het vinden van de meest essentiële, fundamentele staat van het menselijk bestaan ​​en het esthetisch uitdrukken ervan. Dit is wat hem ertoe brengt zijn composities zo grondig te reduceren, dat er slechts enkele segmenten van gescheiden kleur overblijven.

Barnett Newman: Geloof in de schilderkunst, geloof in de mensheid

Zwart vuur l door Barnett Newman , 1961, via Christie's

Barnett Newmans behandeling van schilderkunst als iets met de kracht om existentieel te verheffen en te vervullen, onderscheidt hem van de meeste andere kunstenaars uit het midden van de 20e eeuw. Te midden van de sombere gevolgen van de Tweede Wereldoorlog waren veel kunstenaars niet in staat om op deze manier betekenis te behouden en gebruikten ze hun werk als een manier om een ​​nieuwe, nihilistische kijk op de wereld te verwerken of te articuleren. Als voorbeeld van Newmans overtuiging van het tegendeel, zei hij eens: als mijn werk goed zou worden begrepen, zou dat het einde betekenen van het staatskapitalisme en het totalitarisme. Wat Newman in dit klimaat bijzonder vond, was zijn vermogen om ondanks de onmogelijke verschrikkingen van de wereld kunst nog steeds te voorzien van spiritualiteit en een oprecht doel.

De schoonheid en kracht van het werk van Barnett Newman is dit onwankelbare zelfvertrouwen, dat komt op een moment dat zoiets nog nooit zo moeilijk te handhaven was. Newman speculeerde ooit over de oorsprong van deze bijna waanvoorstellingen toewijding aan kunst: wat is de raison d'être, wat is de verklaring van de schijnbaar krankzinnige drang van de mens om schilder en dichter te zijn als het geen daad van verzet is tegen de val van de mens en een bewering dat hij terugkeert naar de Adam van de Hof van Eden? Want de kunstenaars zijn de eerste mannen. (Newman, 1947) Ondanks de diepten van de val van de mensheid of de verschrikkingen van hun acties, herinnert Newman zich altijd wat er zou kunnen zijn. Door middel van schilderen voedt hij deze visie en roept hij de moed op om deze ook door anderen te laten voelen.