12 must-see kunstwerken in het Museum of Modern Art

Het Museum of Modern Art (MoMA) in New York City herbergt misschien wel de meest uitgebreide en belangrijke collectie moderne en hedendaagse kunst ter wereld. In totaal bezit het Museum of Modern Art bijna 200.000 individuele kunstwerken, en het aantal groeit elk jaar. Hoewel slechts een klein deel hiervan op een bepaald moment wordt getoond, zijn er altijd meer dan 1.000 prachtige en beroemde kunstwerken te zien in The Museum of Modern Art. Alles zien in een enkele reis is een ontmoedigende taak. Om u te helpen, is dit een lijst van 12 kunstwerken die momenteel te zien zijn en die u zeker moet zien in het Museum of Modern Art.

1. Een nobele heldhaftige man (1950-1951), door Barnett Newman

Een nobele heldhaftige man door Barnett Newman , 1950-51, via het Museum of Modern Art, New York

Barnett Newman 's Een nobele heldhaftige man behoort tot zijn bekendste kunstwerken. Het schilderij is enorm, meet bijna 8 voet lang en meer dan 17 voet lang. Staand voor het schilderij wordt men omhuld door Newmans sublieme, existentiële overpeinzing. De diepgang van Newmans schilderijen kan alleen op deze manier worden gewaardeerd als je ze persoonlijk bekijkt. Zelfs te midden van het onophoudelijke tumult van een plek als The Museum of Modern Art, wordt een klinkende stilte gevonden in dit overweldigend stille schilderij; Een nobele heldhaftige man heeft een geheel eigen zwaartekracht.

twee. Jacob's ladder (1951), door Helen Frankenthaler

Jacob's ladder door Helen Frankenthaler , 1957, via het Museum of Modern Art, New York

Een van de Helen Frankenthaler's vroegste schilderijen, Jacob's ladder is gemaakt met olie in plaats van acrylverf. Gemaakt met behulp van haar soak stain-techniek, waarbij verdunde verf wordt aangebracht op een ongegrond canvas, is dit olieverfschilderij van Frankenthaler niet gearchiveerd, wat betekent dat het al tekenen van verval vertoont. Voor een van deze werken kunnen staan ​​is een bijzondere ervaring, niet alleen vanwege de fantasierijke schoonheid van het werk, maar ook omdat het stuk zichtbaar uit elkaar valt. Dit wetende, voelt men zich volledig aanwezig bij deze schilderijen. Er is verdriet, in zekere zin, maar ook vertrouwdheid. Deze werken hebben een bijzondere menselijkheid vanwege de tijdschaal waarop ze bestaan.

3. Ongetiteld, (1964), door Kazuo Shiraga

Ongetiteld door Kazuo Shiraga , 1964, via het Museum of Modern Art, New York

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Dit schilderij is een relatief recente toevoeging aan de collectie van het Museum of Modern Art, die in 2019 werd verworven. Toch staat het als een van de mooiste werken van de abstractie van het midden van de eeuw in het hele museum. Dit stuk is een voorbeeld van Kazuo Shiraga ’s ‘foot painting’-techniek, waarbij hij een canvas op de grond legde, er verf op stapelde en vervolgens zijn voeten gebruikte om het over het oppervlak te verspreiden, waarbij hij zichzelf vaak aan een touw ophing om zichzelf te positioneren en een verscheidenheid aan markeringen te bereiken. Met dit onconventionele proces beheerde Shiraga elegante werken van abstractie zoals deze. Dit schilderij is zelfverzekerd en bestaat grotendeels uit twee gedurfde, rode kleurvlakken. Tegelijkertijd is het subtiel, aangezien nadere inspectie de variatie en dichtheid van kleur en merkteken binnen deze centrale beweging onthult.

Vier. Maskers die de dood confronteren (1888), door James Ensor

Maskers die de dood confronteren door James Ensor , 1888, via het Museum of Modern Art, New York

Voldoen aan James Ensor , de beroemde schilder van België. In dit stuk uit The Museum of Modern Art staart de figuur van de dood naar de kijker, terwijl een kader van cartoonachtig gemaskerde personages zich om hen heen verdringt. Maskers die de dood confronteren werd geschilderd in 1888, tijdens de eerste jaren van Ensors artistieke transformatie. Vanaf het begin van zijn carrière als kunstenaar eind jaren 1870 tot midden jaren 1880 werkte Ensor veel ingetogener en traditioneler. Aan het einde van de jaren 1880 begon hij werken als deze te produceren, met bizarre, gemaskerde figuren weergegeven in heldere, verzadigde kleuren. Hoewel Ensors werk uit deze tijd in sommige opzichten een voorbode is van het expressionisme, is zijn eigen stijl te uniek om volledig te associëren met welke stroming dan ook. Ensors volwassen werk, gekenmerkt door grotesquery, humor en morbiditeit, is uniek, wonderbaarlijk en moet bij elke gelegenheid worden gezocht.

5. Muur Opknoping (1927), door Anni Albers

Muur Opknoping door Anni Albers , 1927 (geweven in 1964), via The Museum of Modern Art, New York

Dit stuk textiel is geweven om te passen bij een ontwerp gemaakt door Anni Albers in 1927. Hoewel het originele ontwerp zich ook in de collectie van het Museum of Modern Art bevindt, is er niets te vergelijken met het zien van de visie van Albers echt gerealiseerd in de vorm van een afgewerkte wanddecoratie. Hoewel de elementen van het patroon eenvoudig zijn, rangschikt Albers ze met eindeloze complexiteit en interesse.

6. Schilderen (1946), door Francis Bacon

Schilderen door Francis Bacon , 1946, via het Museum of Modern Art, New York

MisschienFrancis Bacon'smeest beroemde kunstwerk en een hoogtepunt van de collectie van het Museum of Modern Art, Schilderen toont een beheersing van geschilderde ruimte. Bacon brengt verschillende referenties samen tot een onlosmakelijk geheel; een koekarkas hangt als gekruisigd boven een halfhoofdige figuur, die zowel naar achteren naar de donkere hoeken van de ruimte als naar voren lijkt te versmelten tot een onbepaalde dierlijke vorm. Schilderen is een onmogelijk zwaar werk. Hoe langer men kijkt, er lijkt een eindeloze reeks gruwelijke noties van binnenuit naar voren te komen.

7. Lieveheersbeestje (1957), door Joan Mitchell

Lieveheersbeestje door Joan Mitchell , 1957, via het Museum of Modern Art, New York

Joan Mitchell was een prominente abstract expressionist van de tweede generatie. Wat haar en haar tijdgenoten onderscheidt van de eerdere abstract expressionistische schilders is een meer leergierige benadering; de krachtige penseelstreken en verfdruppels zijn strategisch aangebracht. Mitchells schilderpraktijk was inderdaad niet intuïtief of reactief op de manier die je zou verwachten. In plaats daarvan gebruikt ze de visuele tekens en taal van het abstract expressionisme om meer ingewikkelde, esthetische composities te maken.

Lieveheersbeestje toont Mitchell's aanleg met verf, met een grote verscheidenheid aan technieken en toepassingen van het materiaal. Als je dit werk persoonlijk ziet, wordt de complexiteit van het stuk benadrukt; de verflagen met verschillende viscositeiten creëren prachtige momenten van textuur en lichtgevende kleur. Vergelijk Mitchell's aanraking met de beroemde kunstwerken van de eerste generatie abstracte expressionisten in The Museum of Modern Art, van schilders als Jackson Pollock en Willem de Kooning, en het evenwicht van haar composities zal duidelijk zijn

8. Gelijkwaardig (2015), door Richard Serra

Gelijkwaardig door Richard Serra , 2015, via het Museum of Modern Art, New York

Richard Serra 's massieve sculptuur lijkt in eerste instantie de omringende ruimte in het Museum of Modern Art te domineren. Na verloop van tijd echter Gelijkwaardig ontwikkelt een rustigere aanwezigheid. Hoewel de blokken niet symmetrisch zijn gerangschikt, zijn ze, zoals de titel al aangeeft, even groot en naarmate men meer tijd aan het werk besteedt, wordt deze gelijkheid steeds meer gevoeld. De sculptuur, de ruimte en het publiek komen allemaal tot een onvermijdelijk evenwicht.

9. Vrouw met dood kind (1903), door Käthe Kollwitz

Vrouw met dood kind door Kathe Kollwitz , 1903, via het Museum of Modern Art, New York

Deze prachtige ets van Käthe Kollwitz legt een moment van onvoorstelbaar verdriet vast, zoals een moeder het levenloze lichaam van haar zoon vastpakt. Kollwitz wordt vaak geassocieerd met: Duits expressionisme , hoewel haar werk zich onderscheidt van anderen in de beweging vanwege haar precieze, dichte tekening. Hier modelleert Kollwitz het gezicht van het dode kind fijn om zijn koude stilte te benadrukken, in tegenstelling tot de lossere, expressieve tekening in het lichaam van de moeder terwijl ze wordt overmand door angst.

10. Vrouw I (1950-52), door Willem de Kooning

vrouw ik door Willem de Kooning , 1950-52, via het Museum of Modern Art, New York

In het midden van de 20e eeuw werd het werk van Willem de Kooning vertegenwoordigde een weg voorwaarts voor figuratieve kunst op het toppunt van abstractie. In de schilderkunst van De Kooning zijn figuratie en abstractie in evenwicht en vermengd met prachtige resultaten. De Kooning heeft de beroemde uitspraak gedaan dat het figuur niets is tenzij je het als een vreemd wonder ronddraait. Geen enkel kunstwerk beschrijft deze spanning tussen figuratie en abstractie beter dan vrouw ik , een van de meest bekende kunstwerken van de Kooning. De figuur komt gewelddadig naar voren, van een achtergrond van gestreepte en briljante kleuren die nooit bezinkt. Het bestaan ​​van de figuur is een beladen kwestie, aangezien de titulaire vrouw zowel lijkt alsof ze wordt geconstrueerd, of voortkomt uit de luidruchtige abstractie, en erdoor wordt verteerd. Dit werk is een van de meest opvallende in de collectie van het Museum of Modern Art en geeft uitdrukking aan de centrale thema's van het modernisme.

elf. Straat Dresden (1908), door Ernest Ludwig Kirchner

Straat, Dresden door Ernest Ludwig Kirchner , 1908, via het Museum of Modern Art, New York

In dit beroemde voorbeeld van het Duitse expressionisme, Ernst Ludwig Kirchner heeft de latente angsten van de moderne stad zichtbaar gemaakt. De drukte die bevolkt Straat Dresden verschijnen zowel als een ongedifferentieerde massa als intens van elkaar gescheiden. Alle figuren hebben hun persoonlijkheid verdampt in de harde schilderstijl van Kirchner en worden overlappende, dissonante reeksen kleuren. Deze onderwerpen blijken echter ook totaal niet van elkaar op de hoogte te zijn. De scène heeft geen actie, geen verhaal, niets om op te vallen of om jezelf in te herkennen. De gezichten die te zien zijn tussen de menigte zijn leeg, misschien vaag spottend. Zo briljant vastgelegd in dit schilderij is het uitgesproken moderne gevoel van massale vervreemding.

12. Het paleis om 4 uur (1932), Alberto Giacometti

Het paleis om 4 uur door Alberto Giacometti , 1932, via het Museum of Modern Art, New York

Dit beeld is een voorbeeld van Alberto Giacometti ’s vroege, surrealistisch aandoende werk. Volgens Giacometti is dit kunstwerk precies gemaakt zoals hij het zich in zijn hoofd had kunnen voorstellen. Deze nabijheid tot zijn verbeelding heeft geresulteerd in een stuk dat niet in onze wereld lijkt te horen en moeite heeft om zichzelf in stand te houden. De structuur is zo klein en leeg dat het voelt alsof het op instorten staat. In vergelijking met Giacometti's andere sculpturen, vooral zijn volwassen werk (uitgaande van de overbelasting van materialen), Het paleis om 4 uur voelt bijna uniek stil en precies aan. Toch geeft het het gevoel van existentiële kwetsbaarheid weer dat zo veel van Giacometti's werk doordringt.