De nihilistische wanhoop in de schilderijen van Alberto Giacometti

Alberto Giacometti Zittend met zijn sculpturen , via Gagosian Gallery, New York (links); met Zittende man door Alberto Giacometti , 1950, via Christie's (rechts)

Alberto Giacometti was een Zwitserse beeldhouwer en schilder verbonden aan Kubisme , Surrealisme en hedendaagse kunst gedurende de 20e eeuw. Hij is het meest bekend om zijn totemistische, mensachtige sculpturen en wordt beschouwd als een van de meest productieve beeldhouwers van zijn tijd. Zijn schilderijen waren echter ook uniek in hun abstractie en gevoel van ruige verlatenheid. Lees meer voor een analyse van de existentiële wanhoop van de schilderijen van Giacometti.

De context van het werk van Alberto Giacometti

De moeder van de kunstenaar door Alberto Giacometti , 1950, via MoMA, New York

het zou niet zo erg zijn. Als ik gewoon een hoofd kon maken, één hoofd, slechts één keer, dan zou ik misschien een kans hebben om de rest te doen, een landschap, een stilleven. Maar het is onmogelijk

- Alberto Giacometti

De werken van de Zwitserse kunstenaar Alberto Giacometti worden bepaald door wat ze missen. Terwijl de wereld om hem heen in de eerste helft van de 20e eeuw door oorlog werd geteisterd, afgebroken en in betekenis verkleind, vertoonden de werken van Giacometti dezelfde desolate spaarzaamheid. Zijn sculpturen en schilderijen worden gereduceerd tot de meest naakte, kleinste versies van zichzelf. Cijfers verschijnen uitgedroogd en vervormd , en zelfs de portretten worstelen om gelijkenis te herinneren. Alle drie Giacometti, de oppas en de kijker blijven geïsoleerd van elkaar. Het onvermogen van Giacometti's werken om hun doel te bereiken, ondanks zijn niet aflatende proces, geeft het gevoel dat het potentieel voor betekenis volledig is uitgehold. Dit is de existentiële angst die de kunst van Giacometti doordringt.

Isaku Yanaihara door Alberto Giacometti , 1956, via The Art Institute of Chicago

In zijn oeuvre wordt het proces van reductie van Alberto Giacometti op verschillende manieren uitgedrukt. In zijn sculpturen graaft hij to the point weg bij figurenhij zou je hoofd eruit laten zien als het lemmet van een mes. Ook in zijn schilderijen stond hij erom bekend dat hij een portret eindeloos herwerkte totdat er bijna niets meer over was. Als we het hebben over de ervaring van het schilderen van de filosoof Isaku Yanaihara , merkte Giacometti op:We werkten de hele dag en tegen de avond was het een schilderij. En hoe meer het lukte, hoe meer hij verdween.Een van de sterkste constanten in het werk van Giacometti is dat het onvermogen om betekenis te ontdekken, hem ertoe drijft om zo hardnekkig te handelen bij het vervormen en opnieuw samenstellen van zijn onderwerpen. Als we dat accepteren, komt dit idee het best tot uiting in zijn schilderijen, zelfs beter dan in de sculpturen, vanwege de aard van de figuratieve schilderkunst als geheel, evenals de crisis van modernistische schilderkunst , vooral als het gaat om fotografie en de pogingen om zichzelf opnieuw uit te vinden.

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Waarom schilderen onmogelijk was voor Giacometti

Zwarte Annette door Alberto Giacometti , 1962, via het Guggenheim Museum, New York

Met betrekking tot de crisis van de modernistische schilderkunst, neem dit citaat, toegeschreven aan Alberto Giacometti door zijn biograaf, James Lord :

Het is onmogelijk om een ​​portret te schilderen, zei hij. Ingres zou het kunnen. Hij zou een portret kunnen afmaken. Het was een vervanging voor een foto en moest met de hand worden gedaan omdat er toen geen andere manier was om het te doen. Maar nu heeft dat geen zin. De foto bestaat en dat is alles.

(Jakobus Heer, Een portret van Giacometti , blz. 9)

Door de geleidelijke onthechting van olieverf van realistische weergave, is de afwerking van een stuk ongrijpbaar geworden. In de modernistische schilderkunst waaraan Alberto Giacometti deelnam, kon het doel niet langer louter illusionistisch zijn, aangezien schilderijen achterhaald waren als de meest overtuigend echt ogende beelden. Die titel hoorde nu bij de foto. Sinds de uitvinding van de fotografie zijn schilders gedwongen om verder te reiken dan het visuele, maar ze moeten zich nog steeds houden aan de middelen van het visuele. Dit is de onmogelijkheid van schilderen. De schilder moet een verbeeldingsvolle illusie scheppen, maar kan zo'n taak nooit adequaat voltooien. Het schilderij moet op een gegeven moment tot rust komen en dat punt kan niet helemaal bevredigend zijn, vandaar dat Giacometti erop staat dat hij een schilderij niet kan afmaken.

Jean Genet door Alberto Giacometti , 1954-55, via Tate, Londen

Het bestaan ​​van een nieuwe standaard in representatieve beelden zorgde ervoor dat de schilderkunst in een identiteitscrisis belandde. Vooral in de eerste helft van de 20e eeuw , toen Alberto Giacometti leefde en werkte, voelde de schilderkunst de toenemende druk van de foto als een alternatieve vorm van representatieve beelden. Toen in de jaren veertig en vijftig kleurenfotografie commercieel beschikbaar kwam, veranderde de identiteit van de schilderkunst radicaal, wat leidde tot bewegingen als abstract expressionisme , waar representatie volledig werd belaagd om de kwaliteiten te reïficeren die de schilderkunst van de fotografie onderscheidden, zoals materialiteit en proces. Omgekeerd bestond er in andere kunstvormen, zoals beeldhouwkunst, geen uiterst realistische vervanging. Hoewel de beeldhouwkunst zeker deelnam aan dezelfde boog van het modernisme als de schilderkunst, en in sommige gevallen het voortouw nam (de enorm invloedrijke beeldhouwer Constantin Brancussi , bijvoorbeeld een van de vroegste abstract expressionisten was), bestond diezelfde druk om zichzelf opnieuw uit te vinden en te herstellen niet.

De fundamentele problemen van schilderen

Man wijzend door Alberto Giacometti , 1947, via Tate, Londen

Wat betreft de aard van de schilderkunst en de relevantie ervan voor het streven van Alberto Giacometti, kunnen we opnieuw begrijpen door het te vergelijken met beeldhouwkunst. Sculpturen, zelfs representatieve, kunnen fungeren als referenties naar zichzelf. Een sculpturale representatie heeft een noodzakelijkerwijs geruststellende realiteit omdat het, door zijn dimensionaliteit, beter in staat is om de aard van een echt, fysiek subject nauwkeurig weer te geven. Representatieve schilderkunst is daarentegen slechts illusionistisch en de fysieke kwaliteiten ervan zijn vaak meer een belemmering voor het vermogen om het onderwerp weer te geven dan een voordeel. Incidenten van zichtbare penseelvoering, de nerf van het canvas of de impasto van de gelaagde verf vestigen de aandacht op de kunstmatigheid van een stuk. De schilderkunst leent zich lang niet zo goed voor de weergave van objecten in de waarneembare wereld als voor de beeldhouwkunst. Schilderen kan ongelooflijk effectief zijn bij het vastleggen van scènes, of het gevoel van licht, maar vorm is het territorium van beeldhouwkunst.

Dit in aanmerking nemend, kan worden waargenomen hoe Alberto Giacometti de tekortkomingen van de schilderkunst confronteert. In de schilderijen van Giacometti wordt het onderwerp gevormd uit een massa gekruiste lijnen. Af en toe strekt deze behandeling zich uit over het hele beeld, maar is meestal alleen gericht op het hoofd, terwijl de rest van de ruimte ongevormd blijft, of alleen wordt gesuggereerd door wazige massa's verf die uit de oppasser stralen. Met name beschrijft hij het hoofd meestal niet in relatie tot iets anders, in plaats daarvan is hij van plan zijn aanwezigheid vast te stellen buiten de omstandigheden waarin hij het waarneemt. Zijn doel met schilderen is niet om een ​​hele scène of ruimte te beschouwen, maar om één bepaalde vorm te manifesteren. Op deze manier is zijn schilderij sculptuurachtig.

Diego door Alberto Giacometti , 1959, via Tate, Londen

Hieruit blijkt Giacometti's absolute fixatie op één enkele vorm, het hoofd, vaak met uitsluiting van al het andere. Dus in de schilderijen van Giacometti, waar vorm een ​​primaire kwestie is, zo niet de enige, wordt het medium onmiddellijk op de proef gesteld en worden de beperkingen ervan blootgelegd. Het bestaan ​​van deze beperkingen wordt alleen maar verergerd door Giacometti's meedogenloze zoektocht naar de tastbare vorm. In de loop van zijn moeizame proces kunnen we zien hoe Giacometti geleidelijk de vormen in zijn schilderijen herstructureert, vooral de hoofden en lichamen van zijn geportretteerden. Hij gaat in tegen de onmogelijkheid van een echt portret en begint te proberen fundamentele problemen van de schilderkunst op te lossen door middel van het medium zelf. Contra-intuïtief beginnen het lichaam van zijn oppas en het beeld dat het huisvest te vervormen.

Zittende man door Alberto Giacometti, 1949, via Tate, Londen

Als een ander voorbeeld van Alberto Giacometti die rekening houdt met de problemen van de schilderkunst, is zijn gewoonte om een ​​kader voor het onderwerp te tekenen opmerkelijk. Een veelgebruikt apparaat in Giacometti's foto's is het inlijsten van een afbeelding in de afbeelding; hij tekent vaak een andere doos binnen de grenzen van het canvas, waarin de hele afbeelding is gemaakt, de randen ongemoeid laten. Hij erkent en overdrijft de kunstmatige omlijsting van een schilderij. Dit werkt om het onderwerp te formaliseren, het in de val te laten lopen en de totale isolatie van het beeld en het lichaam van de buitenwereld te verzekeren. Het beeld lijkt duidelijker en afgescheiden van de buitenwereld. In zekere zin helpt Giacometti, door het beeld op deze manier te isoleren, de poging om vorm in zijn schilderij te manifesteren, omdat het minder gebonden is aan de normen van de werkelijke, dimensionale vorm. In een andere zin is de overdrijving van de kunstmatige begrenzingen van het beeldvlak een soort zelfsabotage, die ervoor zorgt dat het onderwerp van het schilderij nooit voor een letterlijke vorm kan worden aangezien. Hoe dan ook, wat duidelijk is, is Giacometti's toewijding aan de traditie en beperkingen van representatieve schilderkunst, en zijn weigering om de aard van zijn werk te verdoezelen; hij wil een tastbare vorm in de schilderkunst bereiken op zijn eigen voorwaarden: de gevestigde termen van olieverf.

Het verlies van betekenis in de schilderijen van Alberto Giacometti

Caroline door Alberto Giacometti , 1962, via The Art Institute of Chicago

Het werk van Alberto Giacometti gaat over verlies. Dit blijkt in letterlijke zin door zijn onophoudelijke, reducerende proces, en meer abstract door zijn betrokkenheid bij het nihilisme. Hoewel het thema alomtegenwoordig is in zijn praktijk, is er een bepaald, gedeeld gevoel tussen schilderkunst en dit soort existentialisme. Het verlies van betekenis in een onrustige wereld, zoals dat wordt weerspiegeld in een achterhaald medium dat wanhopig op zoek is naar een nieuw doel. De mislukte pogingen van de kunstenaar om iets vanuit een leegte van angst te vatten, vallen samen met de nutteloosheid om iets tastbaars in de schilderkunst te toveren. Net zoals de fragiele illusie van betekenis wordt verdreven in de wereld rond Giacometti, verdwijnt de illusie van vorm uit de schilderkunst bij de minste verandering in perceptie.