Raak de kunst aan: de filosofie van Barbara Hepworth

De schepping van Adam door Michelangelo , omstreeks 1508-12, via Musei Vaticani, Vaticaanstad; Handen aanraken van een klassiek beeldhouwwerk , via CNN

Niet aanraken. Deze drie kleine woorden vormen waarschijnlijk de meest gesproken zin in een museum of galerij, en met een goede reden. De effecten van het onvermogen om verleidingen te weerstaan, zijn in elke instelling te zien; van glimmende bustes in De National Trust landhuizen, tot de gewreven hoofden van Romeinse marmeren honden in Italiaanse musea. Maar heeft dit strenge museumbeleid een negatieve invloed gehad op de manier waarop we omgaan met kunst? Moet sommige kunst echt worden aangeraakt om echt te worden ervaren? Engelse modernistische beeldhouwer Barbara Hepworth dacht het zeker.

Barbara Hepworth en het belang van aanraking

Barbara Hepworth gefotografeerd door John Hedgecoe in haar studio in St. Ives , 1970, via The New York Times

Voor Barbara Hepworth was aanraking een cruciaal onderdeel van haar praktijk. Haar inspiratie kwam deels uit een jeugd doorgebracht in het uitgestrekte en dramatische landschap van West Riding, Yorkshire. De kunstenaar schrijft, Al mijn vroege herinneringen zijn van vormen en vormen en texturen ... de heuvels waren sculpturen, de weg definieerde de vorm.Bovenal was er de sensatie van fysiek bewegen over de contouren van volheden en holtes, door holtes en over pieken - voelen, aanraken, door geest en hand en oog. Hepworth geloofde altijd dat beeldhouwkunst in de eerste plaats een fysiek, tastbaar medium was. Dit begrip van wat vorm zou kunnen zijn, zat bijna vanaf zijn geboorte in de kunstenaar.

Barbara Hepworth aan het werk aan het gips voor Oval Form , 1963, via Art Fund, Londen

Barbara Hepworths levenslange overtuiging dat beeldhouwkunst moet worden aangeraakt om ervaren te worden, werd waarschijnlijk versterkt door de Italiaanse beeldhouwer Giovanni Ardini, een vroege mentor van haar. Toen hij hem bij toeval ontmoette in Rome, toen ze begin twintig was, zei hij tegen haar dat marmer van kleur verandert onder de handen van verschillende mensen. Deze fascinerende uitspraak gaat ervan uit dat aanraking een van de manieren is waarop iemand marmer kan ervaren. Het lijkt ook gelijke macht te schenken aan artiest en publiek (misschien vond Hepworth, een toegewijd socialist, deze ongebruikelijke houding van gelijkheid op zo'n gerespecteerd medium een ​​bron van inspiratie).

Vele jaren later, in een 1972 gefilmd interview met de Britse Pathé , stelt Hepworth, ik vind dat elk beeldhouwwerk moet worden aangeraakt... Je kunt niet naar een beeld kijken als je stijf als een laadstok gaat staan ​​en ernaar gaat staren. Bij een sculptuur moet je eromheen lopen, ernaartoe buigen, het aanraken en ervan weglopen.

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

De Direct Carving-techniek en de Italiaanse Non-Finito

duiven door Barbara Hepworth , 1927, in Manchester Museum of Art, via de website van Barbara Hepworth

Sinds het allereerste begin van haar carrière heeft Hepworth, samen met haar eerste echtgenoot John Skeaping en hun vriend Henry Moore , pionierde de 'direct snijwerk' ' techniek. Bij deze techniek werkt de beeldhouwer met hamer en beitel aan zijn blok hout of steen. Elk gemaakt merkteken blijft heel duidelijk en benadrukt het originele materiaal in plaats van het te verbergen. De techniek werd destijds bijna als een revolutionaire daad gezien, in een tijd waarin kunstacademies hun toekomstige beeldhouwers leerden boetseren in klei. Er worden werken gecreëerd die de fysieke aanwezigheid van de maker op zich hebben.

Hepworth's duiven, gesneden in 1927, werd gemaakt met behulp van de directe snijtechniek. Hier is Hepworth als een goochelaar die haar trucs onthult. We zien het ruw geslepen marmeren blok en begrijpen de duiven als een illusie. Maar in plaats van afbreuk te doen aan de magie, is deze transformatie van onverzettelijke steen naar gladde en zachte vogel nog verbazingwekkender. Het is moeilijk om de verleiding te weerstaan ​​om aan te raken, om verder te begrijpen hoe ze dit voor elkaar heeft gekregen.

Ontwakende slaaf door Michelangelo, ca.1520-23, in de Galleria dell'Accademia, Florence

Deze bewuste beslissing om aan de kijker het proces en het voltooide artikel te onthullen, ligt in de Italiaanse Renaissance , in de praktijk van niet afgewerkt (wat 'onvoltooid' betekent). Niet afgewerkt sculpturen lijken vaak alsof de figuur probeert te ontsnappen uit het blok alsof ze al die tijd binnen hebben gewacht. In de woorden van Michelangelo ,Het beeld is al compleet in het marmeren blok, voordat ik aan mijn werk begin. Het is er al, ik hoef alleen nog het overtollige materiaal weg te beitelen.

Pelagos door Barbara Hepworth , 1946, via Tate, Londen

Enige tijd na de Tweede Wereldoorlog begon Barbara Hepworth aan een serie houtsnijwerk, waarbij ze gebruik maakte van het mooiste, harde, heerlijk warme hout, Nigeriaanse guarea. Ze benadrukken, meer dan enig ander werk, Hepworth'spreoccupatie met vorm en spel, tussen binnen en buiten, tussen vormen en verschillende texturen en strakheid. Er is iets in het contrast tussen de gepolijste buitenkant en de ruwe, gebeitelde binnenkant, en het strakke touw dat beide oppervlakken met elkaar verbindt, dat een publiek leek te smeken om ze aan te raken.

Henry Moore-kamer in Tate Britain gefotografeerd doorRikard sterlund ,via Tate, Londen

Zie je, beeldhouwkunst is iets tastbaars, driedimensionaals, de aanwezigheid ervan vereist meer van ons als kijker dan welk schilderij dan ook. Henry Moore is een ander voorbeeld. Je zou bijna willen wegkruipen met zijn zacht liggende figuren. De twee kamers in Tate Britain gewijd aan de beeldhouwer voel je je gevuld met, meer dan levenloze stenen lichamen, ontspannen toeristen op een strand. Je voelt je alsof je die tevreden stilte bent binnengelopen die komt na een lange en enorme lunch. Er is iets in de intimiteit van de kamer waardoor het vreemd lijkt om ze niet aan te kunnen raken.

Waarom is het zo verleidelijk om aan te raken?

Toeristen en studenten die de voeten van John Harvard aanraken , 1884, via de Harvard Gazette, Cambridge

Het is belangrijk om te onthouden dat kunst en aanraking niet alleen een 20e-eeuws fenomeen is. Oude talismannen , waarvan wordt aangenomen dat ze doordrenkt zijn met bepaalde krachten, werden kunstwerken gemaakt om te worden vastgehouden en dichtbij te worden gehouden voor de veiligheid. We zien nog steeds het belang van het aanraken van kunstwerken en objecten in de religieuze praktijk van vandaag. Vereerde iconen van katholieke heiligen worden door duizenden gekust, de stenen beelden van hindoegoden badend in melk. Bijgeloof speelt ook een rol. De bovenstaande afbeelding toont toeristen en nieuwe studenten die in de rij staan ​​om aan te raken de voeten van John Harvard , zogenaamd geluk brengend.

We weten dat het niet mag, dus waarom zijn er nog steeds zovelen van ons die de verleiding om aan te raken niet kunnen weerstaan? Fiona Candlin , ahoogleraar museologie aan Birkbeck College in Londen en auteur van Kunst, musea en aanraking , noemt de volgende redenen. Ze stelt dat aanraking kanonze educatieve ervaring verbeteren. Als je meer wilt weten over de afwerking van een oppervlak, of hoe twee stukken met elkaar verbonden zijn, of wat de textuur van iets is, dan kun je dit alleen doen door aan te raken. Aanraking kan ons ook dichter bij de hand van de maker brengen en authenticiteit bevestigen.

Geïnterviewd door CNN-journalist Marlen Komar , zegt Candlin, Er kan een echte waas zijn tussen musea en ervaringen en themaparken en wassenbeelden. Vaak als je echt grote objecten te zien hebt - als je erover nadenkt om de Egyptische galerijen in het British Museum of de Met te bezoeken. Sommige mensen kunnen niet geloven dat je echte dingen tentoon zou stellen zonder glas om hen heen. Ze zijn niet helemaal zeker en ze denken dat als ze het aanraken, ze een beoordeling kunnen maken.

Kopie van de Aphrodite van Knidos , origineel gemaakt in ca. 350 v. Chr., in deVaticaanmuseum, via de universiteit van Cambridge

Het aanraken van kunst is ongetwijfeld erger geworden in het tijdperk van de selfie (of zo niet slechter, zeker beter gedocumenteerd). Op internet drijven talloze foto's rond van toeristen met hun armen over de schouders van bekende figuren, aaien over de koppen van marmeren leeuwen of gekscherend aan een blote billen betasten. Dit laatste heeft in feite een historisch precedent.De Aphrodite van Knidos door de beeldhouwer uit de 4e eeuw voor Christus Praxiteles was een van de eerste sculpturen van een volledig naakte vrouw. Haar schoonheid maakte haar een van de meest erotische kunstwerken in de antieke wereld. En ze veroorzaakte nogal wat opschudding. oude schrijver Plinius vertelt ons dat sommige bezoekers letterlijk 'overwonnen met liefde voor het standbeeld'. Neem daarvan wat je wilt.

Waarom hebben we dit museumbeleid nodig?

Detail van David door Michelangelo, 1501-1504, in de Galleria dell'Accademia, Florence

Dus, schiet het museumbeleid ons tekort door ons de kunstwerken niet aan te laten raken? Realistisch gezien is dit natuurlijk een onmogelijke vraag. Hoe lang zou Michelangelo's? David als al die duizenden bezoekers van Florence een hand op zijn gespierde lichaam zouden leggen? Je kunt er zeker van zijn dat die perzikkleurige ronde kont van hem het eerste zou zijn dat zou gaan. Ja, in dit geval kunnen we kijken, maar niet aanraken. Zoek voor meer inspiratie op de hashtag best museumbum (#bestmuseumbum). Het was eerder dit jaar trending als ontslagen curatoren streden tijdens Covid-19 Lockdown .

Maar terug naar het belangrijke onderwerp van: musea collecties zorg . Dit richt zich vooral op het jarenlang bewaren van kunstwerken en opvallende objecten. Dit wordt gedaan door procedures in te voeren om schade te voorkomen en de verslechtering van kunstwerken en objecten te vertragen. Helaas voor ons is de meest voorkomende manier waarop een collectie beschadigd kan raken door menselijke fouten. Maar zelfs zonder incidenten, gewoon door te hanteren en aan te raken, kunnen we een werk gemakkelijk beschadigen. De natuurlijke oliën en uitscheidingen van onze huid (hoe vaak we onze handen ook wassen) zijn genoeg om de pagina's van een boek of een antieke prent of tekening te bevlekken.

Zullen we ooit museumkunst ervaren zoals de sculpturen van Barbara Hepworth?

Selfie maken voor Van Gogh's Sterrennacht bij MoMA , 2017, via The New York Times

Ondanks de risico's is het is belangrijk dat incasso's worden afgehandeld. Zowel voor het praktische doel om voorwerpen door een museum te verplaatsen, maar ook als verder hulpmiddel voor educatie. Met dit in gedachten houden veel musea nu sessies met als doel (sommige van de minder delicate) objecten in hun collectie te behandelen.

Musea en museumbeleid zijn essentieel voor het behoud van ons menselijk en natuurlijk erfgoed. En het is soms te gemakkelijk om te vergeten dat we ook een rol te spelen hebben. Dus tot slot, in het algemeen,nee, we mogen de kunst niet aanraken. Maar als we kijken, mogen we ook nooit vergeten dat sommige kunst door meer dan één van de zintuigen werd gewaardeerd, en soms nog kan worden.