3 van de meest controversiële schilderijen in de kunstgeschiedenis

Kunstcriticus door Norman Rockwell

De oorsprong van de wereld door Gustave Courbet

De oorsprong van de wereld , geschilderd in 1866 door de realistische kunstenaar Gustave Courbet, is een uitdagend icoon van de moderne kunst. Nooit eerder heeft iemand het aangedurfd om naaktheid op zo'n directe en naturalistische manier weer te geven, waarbij alle romantische idealen die de hedendaagse gemeenschappelijke esthetiek hadden bepaald, werden omvergeworpen.

De oorsprong van de wereld, Gustave Courbet, 1866, via Wikiart

Het schilderij was gemaakt in opdracht van Khalil Bey, een Turks-Ottomaanse diplomaat en ambassadeur die toen in Parijs woonde. Hij verzamelde voornamelijk erotische afbeeldingen, waaronder werken van Ingres en andere Courbet-doeken. De Turk, beroemd om zijn uitbundige levensstijl, werd echter gedwongen zijn collectie te verkopen na een persoonlijk faillissement. Daarna ging het schilderij van Courbet ondergronds en veranderde het van eigenaar totdat het uiteindelijk in het bezit kwam van psychoanalyticus Jacques Lacan. Maar zelfs hij durfde The Origin of the World niet aan het publiek te laten zien. In plaats daarvan huurde hij zijn zwager, de schilder André Masson, in om een ​​dubbele lijst te maken waarachter hij het kon verbergen. Ironisch genoeg besloot Masson om een ​​landschap op een houten schuifdeur te maken en noemde het De oorsprong van de wereld .

Masking the Origin of the World door Courbet, in opdracht van André Masson door Jacques Lacan

Het zou meer dan 100 jaar duren voordat het schilderij voor het eerst in de Brooklyn Museum in 1988. Voor het eerst zou het publiek worden geconfronteerd met de extreme selectiviteit van Courbets standpunt, de meedogenloze uitsnede die dit erotische beeld verwijdert uit elke context die het zou kunnen verzachten of verklaren. Het is een extreem kunstwerk, zo geschilderd dat de kijker het niet kan laten er naar te kijken. De half geopende vulva, precies in het midden van het kunstwerk, lijkt zelfs terug te kijken naar de toeschouwer, hem gevangen in zijn eigen voyeurisme.

Maar wat is het precies dat dit schilderij zo controversieel heeft gemaakt?

Laten we een stap terug doen. Gustave Courbet, geboren in 1819 in Ornans, dicht bij Besançon, wordt vaak beschouwd als de baanbrekende kunstenaar van de 19e eeuw die het academische traditionalisme verwierp en het gevestigde gevoel voor schoonheid dat door de Salon de Paris werd gedicteerd, op de meest extreme manier uitdaagde. Zijn naakten waren zo schandalig dat ze zelfs met politie-aandacht werden ontvangen. Courbet was meedogenloos op zoek naar conflicten, zowel artistiek als sociaal met als doel: de smaak en manier van kijken van het publiek veranderen . Zijn realistische werken beïnvloedden jongere kunstenaars zoals Édouard Manet, wat de weg vrijmaakte voor de komende impressionistische beweging .

De wanhopige man (zelfportret), Gustave Courbet, 1843 - 1845, via Wikiart

Courbet schilderde regelmatig vrouwelijke naakten, soms in een ronduit libertijnse stijl, het Musée d'Orsay in Parijs, dat het schilderij sinds 1995 bezit, schrijft op haar website, maar in The Origin of the World ging hij tot het uiterste van durf en openhartigheid die zijn schilderij zijn eigenaardige fascinatie gaven. De bijna anatomische beschrijving van vrouwelijke geslachtsorganen wordt door geen enkel historisch of literair apparaat afgezwakt...

Het is de openhartigheid, rauw en ruw, die dit schilderij zo provocerend maakt. Het staat in schril contrast met de titel van het schilderij, die een universele claim bevat over de oorsprong van het menselijk bestaan. Terwijl de wereld de door mensen gemaakte realiteit en waarheid omvat, bestaat de aarde, zoals afgebeeld in het schilderij, uit het expliciete en het materiële. De strijd tussen deze twee - tussen de wereld en de aarde - is wat is genoemd als The Oorsprong van het kunstwerk door de Duitse filosoof Martin Heidegger in 1936. De idealistische titel en de realistische weergave van het motief in Courbets schilderij staan ​​onmiskenbaar in een gespannen relatie met elkaar. Dit effect was hoogstwaarschijnlijk bedoeld door Courbet, die ook elke bewering verwerpt dat het kunstwerk als pure pornografie moet worden opgevat.

Marina Abramovic bij de Fondation Beyeler, 2014, via Pinterest

Tijdens een bezoek aan de Fondation Beyeler in Bazel in 2014 , benadrukt Marina Abramovic in een Youtube video het belang van provocatie in de kunst. Behalve vragen stellen over spiritualiteit, samenleving en politiek, moet kunst ook de toekomst kunnen voorspellen en daarom diep verontrustend zijn, zegt ze. Nu zijn we in de toekomst, en het schilderij doet nog steeds hetzelfde. Het is nog steeds verontrustend, het stelt nog steeds dezelfde vragen. En het wordt nog steeds niet geaccepteerd door veel samenlevingen. Dat maakt het zo'n belangrijk werk en heeft dus nog een lang leven voor de boeg.

Het schilderij zal hoogstwaarschijnlijk niet ophouden discussies uit te lokken tussen kunsthistorici, kunstenaars en het publiek.

Olympia door Édouard Manet

Bijna tegelijk met het schilderij van Courbet De oorsprong van de wereld , de jongere kunstenaar Édouard Manet exposeerde zijn schilderij Olympia bij de Parijs Salon in 1865 en veroorzaakte een van de grootste schandalen in de kunstgeschiedenis.

Olympia, Edouard Manet, 1863, via Wikiart

Manets modellen voor zijn schilderij waren: Slapende Venus door Giorgione en, nog belangrijker, Venus van Urbino door Titiaan die Manet tijdens een studiereis had gekopieerd. Beide zijn geschilderd tijdens de Italiaanse Renaissance , en beide motieven zijn naakte vrouwen. Zelfs als Manet's Olympia op exact dezelfde manier liegt als zijn 16e-eeuwse modellen, is dit uiteindelijk de belangrijkste oorzaak van het schandaal geweest.

Geniet je van dit artikel?

Meld u aan voor onze gratis wekelijkse nieuwsbriefMeedoen!Bezig met laden...Meedoen!Bezig met laden...

Controleer uw inbox om uw abonnement te activeren

Dank je!

Maar laten we eerst de opvallende overeenkomsten analyseren: zowel Venus als Olympia liggen op hun rechterarm en rusten hun linkerhand op hun schoot. Terwijl Slapende Venus wordt voor een landschap geplaatst, beide Venus van Urbino en Olympia bevinden zich in een huis, liggen klaarwakker en staren terug naar de kijker. De achtergrond wordt opgedeeld door een verticale lijn, die opzettelijk de aandacht vestigt op de schoot van de centrale figuur. Ook dragen de andere mensen op de schilderijen kleding, waarbij de nadruk ligt op de naaktheid van Venus en Olympia. Verder dragen beide vrouwen een armband en bevatten beide schilderijen de afbeelding van een huisdier. De referentie van Manet is duidelijk.

Slapende Venus, Giorgione, 1508 - 1510, via Wikiart

Voor de tentoonstelling van Olympia de traditionele Salon de Paris was echter nooit blootgesteld aan de afbeelding van een niet-mythologisch of niet-oosters naakt. De academie vereiste verwijzingen naar figuren uit het verleden en uit de mythologie of naar personen die vrijgesteld zijn van westerse morele idealen om naaktheid in de kunst te accepteren. Olympia heeft daarentegen geen vorig en geen oriëntaals model. Sterker nog, het verwijst naar de gelijknamige antagonist van Alexandre Dumas in zijn roman T de Vrouwe van de Camelia's dat net een paar jaar eerder was gepubliceerd. Daarnaast was de naam Olympia in die tijd een populaire bijnaam voor een prostituee.

Venus van Urbino, Titiaan, 1538 via Medium

De symboliek in Manets schilderij moet binnen deze beoogde context worden geïnterpreteerd. Terwijl in Titiaans Venus van Urbino de dienstmaagden bezig zijn met een huwelijkskist en een slapende hond aan de voeten van Venus rust, verwijzend naar binnenlandse loyaliteit, heeft Manet in plaats daarvan een zwarte kat geschilderd, die staat voor promiscuïteit en algemeen wordt beschouwd als een slecht voorteken. Verder overhandigt de bediende op het schilderij van Manet een boeket bloemen, dat wordt beschouwd als een traditioneel geschenk van geliefden. Nadat ze duidelijk heeft gemaakt dat Olympia een prostituee is, wordt haar directe oogcontact met de kijker zeer controversieel, aangezien dit een voorrecht was dat meestal alleen aan een klant werd gegeven. Met Olympia , weet Manet de morele verantwoordelijkheid op de kijker af te schuiven.

Aspect van de Salon op de openingsdag, Honoré Daumier, 1857

Maar het was niet alleen het motief dat voor een schandaal zorgde. Het was ook de schilderstijl van Manet. Hij onthield zich van het aanbrengen van gedetailleerde nuances tussen licht en donker, waardoor het schilderij tweedimensionaal oogde. Gustave Courbet merkte op dat het er allemaal heel vlak uitzag, zonder enige opluchting. Andere critici zoals Émile Zola prezen echter Manets radicale manier van schilderen. Door af te zien van de poging om met verf te modelleren en een valse driedimensionaliteit te creëren, zagen ze in hem een ​​ware revolutionair.

De storm van Giorgione

De artiest Giorgione wordt beschouwd als het grootste mysterie in de kunstgeschiedenis. Er is weinig bekend over zijn geboortejaar, zijn leraren (hoewel de invloed van Giovanni Bellini is bevestigd door vele geleerden), en zijn cliënten – ondanks al het onderzoek dat naar hem en zijn oeuvre is gedaan. Aangezien Giorgione zijn werken echter niet signeerde, kunnen we niet met zekerheid zeggen hoeveel schilderijen hij tijdens zijn leven heeft gemaakt.

Madonna en kind, Giovanni Bellini, 1510, via Wikiart

Giorgione werd geboren rond 1477-8 in Venetië, met de naam Giorgio da Castelfranco. Hij begon de stijl van de hoogrenaissance in Venetië en werd een invloedrijke Italiaanse schilder. Zijn beroemdste werk de storm belichaamt zijn mysterieuze en humeurige schilderstijl. Het toont een suggestieve pastorale scène die een van de eerste in zijn soort is in de Venetiaanse schilderkunst

Wat is het dat deze kunstenaar zo fascinerend maakt en een eeuwenlang debat veroorzaakt?

Giorgione was een vrije geest. Hij daagde de christelijke conventies van de samenleving en de idealen van de oudheid uit en bepaalde het werk van hedendaagse collega-kunstenaars. Hij was vrijgevochten genoeg om zijn eigen motieven te creëren en compromisloos te schilderen. Hij zou doelloos gaan schilderen en geleidelijk zijn composities aanpassen totdat hij eindelijk een idee zou vinden, zou struikelen over waar hij eigenlijk naar op zoek was. Zijn manier van kleuren aanbrengen vertegenwoordigde ook zijn individualiteit. Hij onthield zich van strakke contouren en werkte bijna uitsluitend met de inherente kracht van zijn kleurenpalet.

De storm, Giorgione, 1506 - 1508, via Wikiart

Door deze artistieke vrijheid zijn de werken die Giorgione heeft gemaakt onderhevig aan een hoge mate van ambiguïteit. In de storm , die wordt tentoongesteld in de Galerijen van de Academie van Venetië , heeft Giorgione twee figuren afgebeeld die niet helemaal tot de compositie lijken te behoren. Het is een vrouw die een kind borstvoeding geeft, geschilderd in een veel lichtere kleurtint dan de omgeving, zodat de aandacht met opzet op hen wordt gevestigd.

Verder, en belangrijker, kijkt de vrouw de toeschouwer rustig aan, op een volkomen serene manier. Het lijkt alsof ze de storm, de bliksem en de donder die achter haar rug raast niet eens zou hebben opgemerkt. Ook heeft ze de man niet opgemerkt die in de linker voorhoek van het schilderij in haar richting staat te kijken. Het is alsof zij en het kind niet alleen tot de werkelijkheid van het schilderij zouden behoren. In plaats daarvan geeft ze er de voorkeur aan om met onze wereld om te gaan. Zij kijkt naar ons, wij kijken naar de man, de man kijkt naar haar, enzovoort.

Het mysterie en de fascinatie rond Giorgione is zo eindeloos als de cirkel waarin de kunstenaar de kijkers van zijn schilderij opsluit. Je kunt proberen het te doorbreken. Of je kunt er gewoon van genieten en genieten.